Художник дега. вдохновитель уорхола и портретист эпатажной княгини – все о живописи

10 самых известных работ Энди Уорхола

Сегодня исполняется 86 лет со дня рождения Энди Уорхола – знаменитого американского художника, дизайнера, скульптора, продюсера, режиссера, писателя, издателя журналов, родоначальника идеологии «homouniversale» и автора работ, которые уже стали синонимом понятия коммерческий поп-арт. Энди Уорхол сделал искусство доступным широким массам, чтобы люди научились видеть красоту повседневных вещей и понимать, что всё, что их окружает – прекрасно по своей сути. По случаю дня рождения гения-провокатора мы вспомнили 10 самых известных его работ.

1. Диптих Мэрилин

Диптих Мэрилин, 1962

Полотно было написано сразу после смерти Мэрилин Монро. Энди Уорхол соединил две картины: пятьдесят грубо раскрашенных растиражированных портретов актрисы и точно такую же, но черно-белую.

На втором полотне большинство портретов плохо видны или смазаны. Таким образом, художнику удалось показать облик смерти, преследовавший Мэрилин, и подчеркнуть контраст с ее жизнью.

Сейчас картина находится в Лондоне, в Галерее Тейт.

2. Банка супа «Кэмпбелл»

Банка супа «Кэмпбелл», 1962

Эта картина, по мнению художника, была его лучшей работой. Началось всё с одной картины, потом родилась целая серия. В ней выражено стремление Уорхола раскрыть поверхностную суть вещей и дать возможность каждому понять, что утюг или пылесос так же прекрасны, как зеленые холмы или поляна с цветами.

Свою страсть к рисованию обыденного Уорхол объяснял очень просто: «Я работаю с тем, что мне нравится». А супы «Кэмпбелл» он действительно любил, поедал их прямо из банки. Эта картина уже после смерти Уорхола была продана за 24 миллиона долларов.

Сам же автор в свое время, ни о чем не подозревая, продавал подобные по 100 баксов.

3. Пистолет

Пистолет, 1981-1982

3 июня 1968 года Энди Уорхол пережил покушение на свою жизнь – он получил три пулевых ранения в живот.

Близкая встреча со смертью вдохновила новатора поп-арта на создание нескольких картин, в том числе и знаменитого «Пистолета» – копией револьвера, из которого он чуть не был застрелен.

На красном фоне изображено трафаретное изображение револьвера в черном и белом цветовых решениях. Сегодня эта работа оценивается в 6-7 миллионов долларов.

4. Банан

Банан, 1967

Уорхол был продюсером группы Velvet Underground. Главным его вкладом стало создание обложки дебютного альбома The Velvet Underground and Nico.

Именно на ней были впервые изображены знаменитый ярко-желтый банан, подпись художника и надпись «Peel slowly and see».

А первые тиражи альбома были снабжены наклеенным на конверты желтым бананом, оторвав который, можно было обнаружить еще один фрукт – на этот раз розового цвета и очищенный.

5. 200 однодолларовых купюр

200 однодолларовых купюр, 1962

Уорхол рассказывал: «Я попросил несколько моих знакомых предложить темы для моих работ. Наконец одна подруга задала правильный вопрос: «Слушай, а ты сам-то, что больше всего любишь?» Вот так я и начал рисовать деньги!».

Энди Уорхол как пропагандист всего, что имеет характер массовости не смог обойти своим вниманием такую привычную для американца вещь, как однодоллоровая купюра. Именно в этой картине он максимально раскрыл тему духовных и материальных ценностей. На картине нет ничего, кроме денег.

Тем не менее, это произведение входит в число самых дорогих: оно было продано за 43,8 миллионов долларов. Тем самым Уорхол доказал свою главную идею «искусство – это прибыль, если оно хорошо продается».

6. Восемь Элвисов

Восемь Элвисов, 1963

Пальма первенства среди самых дорогих работ Уорхола принадлежит полотну «Восемь Элвисов», на которое художника вдохновил безвременно ушедший король рок-н-ролла. Эти несколько Пресли стоят 108,1 млн. долларов.

Художник хотел не только вспомнить Элвиса, но и отразить свою любимую тему в искусстве – тему бренности славы, монотонного повторения одинаковых образов и страха смерти.

Выполнил Уорхол картину в своем любимом цвете – серебряном.

7. Зеленые бутылки Кока-Колы

Зеленые бутылки Кока-Колы, 1962

Что могло быть проще – просто изобразить всем известную бутылку? Но в этом и был весь секрет искусства Энди Уорхола – оно должно быть понятно каждому, а Кока-Колу пьют все: от президента до простого рабочего.

Художник сделал ставку не на элитарность, а на массовость, и не прогадал. «В этой стране удивительно то, что она породила новую традицию потребления – богатые покупают совершенно те же продукты, что и бедные.

Президент пьет Колу, Лиз Тейлор пьет Колу и, только подумай, – ты тоже пьешь Колу», – говорил он.

8. Красный Ленин

Красный Ленин, 1987

От знаменитостей, которых Энди Уорхол рисовал очень часто, художник перешел к политикам. Одной из его поздних работ стала картина «Красный Ленин», которая до недавнего времени принадлежала Борису Березовскому.

Еще до своей смерти олигарх продал произведение искусства и «Красный Ленин» ушел с молотка почти за 202 тысячи долларов частному коллекционеру.

Изначально шелкографическая репродукция Уорхола оценивалась в 45-75 тысяч долларов.

9. Королева Елизавета II

Королева Елизавета II, 1985

Изображения Елизаветы II размером 100 на 80 сантиметров были написаны по фотографии королевы, сделанной в 1975 году фотографом Питером Грюжоном и были включены Уорхолом в подборку «Правящие королевы».

В нее вошли также его портреты королевы Нидерландов Беатрикс, Дании – Маргрете II и Свазиленда – Нтомби Твала. Британская королева изображена на работах художника во Владимирской тиаре, принадлежавшей когда-то представительницам российского императорского дома Романовых.

Недавно Елизавета II купила для Королевского собрания четыре своих портрета, написанных Энди Уорхолом.

10. Че Гевара

Че Гевара, 1968

Мало кто знает, что известная версия постера Че Гевары «Героический партизан» не принадлежит Энди Уорхолу.

Дело в том, что его компаньон Джерард Маланга создал это произведение в стиле Уорхола, выдав работу за рисунок последнего ради прибыли. Но афера Герарда раскрылась и его ждала тюрьма.

Тогда ситуацию спас Уорхол – он согласился признать фальшивку своей работой при условии, что весь доход от продажи достанется ему.

Лица прекрасной эпохи: гениальные портреты художника, о котором вы, возможно, не слышали

Джованни Больдини (итал. Giovanni Boldini) оставил нам восхитительные портреты своих знаменитых современников. Художник жил в конце XIX — начале XX века, дружил с Эдгаром Дега, Джоном Сарджентом, Полем Эллё и был одним из наиболее известных и хорошо оплачиваемых портретистов своего времени. «Вы, месье, чудовищно талантливы!» — как-то сказал ему Дега.

Многие искусствоведы согласны с ним, хотя широкой публикой Джованни Больдини сегодня незаслуженно забыт.

«Когда жизнь расставит всё по своим местам, Джованни Больдини будет признан величайшим художником прошлого века. Все новые школы родились от него, так как он первый применил упрощенные линии и плоскости».

Гертруда Стайн

Джованни Больдини родился в Ферраре 31 декабря 1842 г. в семье художника, учился во флорентийской Академии художеств. Поворотным моментом в его творчестве стало посещение Парижа в 1867 году, где на него неизгладимое впечатление произвела живописная манера Эдуара Мане.

С 1869 года Джованни Больдини живёт и работает в Лондоне, где знакомится с искусством Гейнсборо и английской портретной живописью XVIII века.

Именно здесь он разработал собственную, эффектную и стремительную манеру письма и получил известность как непревзойдённый портретист своего времени.

Востребованный в высшем парижском обществе, Джованни Больдини преуспел в создании изощренно-элегантных образов грациозных, утонченных красавиц и светских эстетов-денди. Он писал в хорошо узнаваемой свободной импровизационной манере, используя длинные и острые мазки.

Атмосфера fin de siecle — «конца века», ощущение драмы и надрыва в глазах дерзких красавиц высшего света в роскошных туалетах… Женские портреты Больдини динамичны и раскованны с точки зрения позы, но при этом строго выверены по композиции и цветовой гамме. Предлагаем вам насладиться творчеством этого незаслуженно забытого художника и почувствовать атмосферу утончённого декаданса.

Портрет графини Габриэы де Расти, возлюбленной и музы художника

Портрет Джузеппе Верди. 1886

Портрет Адольфа Менцеля

Анри де Тулуз-Лотрек. 1890-е годы

Портрет Сары Бернар. Около 1880

Портрет Лины Кавальери, 1900-е годы

Портрет Леди Колин Кэмпбелл, 1897

Портрет молодой женщины в профиль

Портрет принцессы Марты Люсиль Бибеско, 1911

Портрет сидящего Джузеппе Верди, 1886

Мадам Чарльз Макс, 1890

Портрет художника Эрнеста Анхе Дуэса, 1894

Портрет Клео де Мерод, 1901

Портрет Джеймса Уистлера

Портрет Джеймса Уистлера, фрагмент

Граф Робер де Монтескьё, 1897

Мадам Режан, известная также как Габриэль Режан

Утреннее письмо, 1884

Портрет Глэдис Дикон, 1905 –1908

Самая дорогая картина художника – портрет Марты де Флориан. Её обнаружили в 2010 году в квартире, простоявшей закрытой более 70 лет и продали с аукциона за 3 миллиона евро.

Портрет актрисы Марты де Флориан, 1898 Обратите внимание

Марта де Флориан — Матильда Элоиза Божерон — имела успех в парижском обществе конца XIX века. Псевдоним де Флориан он взяла из-за отца её сына, банкира де Флориана. Также благосклонностью Марты Флориан пользовались политики, в том числе премьер-министр Клемансо, и художник Джованни Бальдини, написавший этот великолепный портрет когда Марте было 24 года. 

Интересная история произошла с квартирой Марты. Звезда парижского высшего общества 19 века оставила свою квартиру со всей обстановкой своей внучке. Квартиру открыли в 2010 году после смерти последней владелицы, которой пришлось спешно уехать из Парижа в 1942 году, спасаясь от немецкой оккупации.

Когда война закончилась, хозяйка жилья осталась на юге Франции, но за парижскую квартиру продолжала платить до самой своей кончины. Когда наследники решили оценить имущество, их глазам предстало удивительное зрелище –  оказалось, уникальная квартира полностью сохранила обстановку начала ХХ века.

В этой истории много таинственного. Например, зачем было оплачивать закрытую квартиру в течение 70 лет. Даже имя последней хозяйки осталось загадкой.  

Здесь как будто остановилось время. Квартира Марты де Флориан простояла нетронутой более 70 лет, а обстановка сохранилась с тех времён, когда Джованни Бальдини писал портрет знаменитой красавицы.
Подробнее об этой таинственной находке можно прочитать здесь.

Живопись о живописи (великие живописцы на полотнах разных художников.)

Имена художников, которые изображены на картинах их “товарищей по цеху”, безусловно, известны всем. Поэтому мне остается только назвать эти имена и представить вам очередной вернисаж из серии “Живопись о жизни великих”.

Кстати, в этой подборке представлены несколько новых картин итальянца Мило Манара, который написал целую серию картин, посвященных известным художникам, и которому в моем дневнике посвящено два материала.

Сандро Боттичелли (Sandro Botticelli, 1 марта 1445 – 17 мая 1510) — итальянский живописец, представитель флорентийской школы живописи.

Настоящее имя Алессандро ди Мариано ди Ванни Филипепи (Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi). Прозвище «Боттичелли» (бочонок) перешло к нему от старшего брата Джованни, который был толстяком. Eleanor Fortescue-Brickdale (English, 1871-1945) Boticcelli's Studio. The First Visit of Simonetta presented by Giulio and Lorenzo de Medici.

Бартоломео Венециано (Bartolomeo Veneziano, 1470 -1555) – итальянский художник родом из Кремоны. Работал в Венеции, в Ферраре, в Милане и Ломбардии, выполнял заказы Лукреции Борджиа. Milo Manara (Italian, born 1945) Lucrecia Borgia como Flora – Bartolomeo Veneziano.

Альбрехт Дюрер (Albrecht Dürer, 21 мая 1471 – 6 апреля 1528) — немецкий живописец и график, крупнейший европейский ксилограф. Один из величайших мастеров западноевропейского Ренессанса. Первый теоретик искусства среди североевропейских художников, автор практического руководства для художников на немецком языке.

Jozef Geirnaert (Belgian, 1791–1859) Albrecht Dürer visitant le tombeau de Hubert van Eyck (Альбрехт Дюрер посещает гробницу Хуберта ван Эйка). Хуберт ван Эйк (Hubert van Eyck, 1370 – 18 сентября 1426) – фламандский живописец эпохи Северного Возрождения, старший брат Яна ван Эйка. Правда, у историков существует мнение, что Хуберта ван Эйка вообще не существовало, его придумал Ян ван Эйк.

К этой гипотезе подтолкнуло малое количество фактов о художнике и то, что его имя не упоминается нигде, кроме известных работ самого Яна ван Эйка, которые тот подписывал обоими именами. Противники этой версии утверждают, что Хуберт с начала 1420-х годов жил в Генте и участвовал в создании Гентского алтаря в соборе Св. Бавона.

Рафаэль Санти (Raffaello Santi (Sanzio), 28 марта 1483 – 6 апреля 1520) — итальянский живописец, график и архитектор, представитель умбрийской школы.

Charles François Jalabert (French, 1819-1901) Raphael in his studio, working on “The Madonna of the Chair”. 1859 г.

Тициан Вечеллио (Tiziano Vecellio, 1488/1490 —27 августа 1576) — итальянский живописец, крупнейший представитель венецианской школы эпохи Возрождения. Тициану не было и тридцати лет, когда его признали лучшим живописцем Венеции.

Modesto Faustini (Italian, 1839-1891) Carlo V raccoglie il pennello a Tiziano (Карл V поднимает кисть Тициана). Карл V Габсбург (Karl V., 24 февраля 1500 – 21 сентября 1558) — король Испании с 23 января 1516 года, король Германии (1519-1556), император Священной Римской империи с 1519 года. Тициан, получивший признание при жизни, был официальным художником Венецианской республики. Долгие годы жизнь Тициана была связана с судьбой Карла V. Художник рисовал для него портреты и картины. Карл V оставил после себя много собственных портретов, но до встречи с Тицианом он не встречал такого мастера, который, не изменяя правде, мог бы его приукрасить. К Тициану император был очень предупредителен, что приводило в изумление его придворных. В 1548 году Тициан был вызван императором в Аугсбург, оказал итальянцу теплый прием, назначил его придворным художником, осыпал наградами и почестями, пожаловал графский титул, сделал рыцарем «Золотой шпаги» и назначил ему пожизненную пенсию в 200 золотых дукатов ежегодно. В том же 1548 году Тициан написал два портрета Карла V – огромный конный портрет в утро перед битвой при Мюльберге и портрет сидящего в кресле императора, закутанного в меховой плащ. Легенда гласит, что однажды, когда Тициан работал, из рук художника выскользнула кисть и скатилась к ногам императора. Тициан не успел даже наклониться, как Карл поднял кисть и вручил ее художнику. Позже в Инсбруке Тициан написал картину, изображающую Карла V с семьей перед святой Троицей. Увидев готовую работу, император был в восторге и выразил желание, которое многим показалось странным: «Когда я умру, произведение это повелеваю нести за моим гробом». Впрочем, согласно королевской воле, так и было сделано. Картину Тициана несли за гробом Карла V от Мадрида до усыпальницы испанских королей – Эскориала, все пятьдесят километров.

Бенвенуто Челлини (Benvenuto Cellini, 3 ноября 1500 – 13 февраля 1571) — выдающийся итальянский скульптор, ювелир, живописец и музыкант эпохи Ренессанса, представитель флорентийской школы.

William Fettes Douglas (British, 1822–1891) Benvenuto Cellini selling Plate (Бенвенуто Челлини продает блюдо). 1856 г.

Якопо Робусти, известный как Тинторетто (Jacopo Robusti (Tintoretto), 1518 или 1519 – 1594) – итальянский живописец, представитель венецианской школы позднего Ренессанса. Прозвище «Тинторетто» художник унаследовал от отца, который был красильщиком – tintore.

Henry Nelson O'Neil (British, 1817–1880) Tintoretto painting his Dead Daughter. 1873 г. Дочь художника, Мариетта Робусти (Marietta Robusti, 1560-1590) – изучала живопись под руководством отца, была успешной портретисткой. Немецкий император Максимилиан и король Филипп II Испанский приглашали её к себе на службу, но она не захотела расставаться с отцом, которому суждено было вскоре после того оплакивать её безвременную кончину. Важно

Диего Родригес де Сильва-и-Веласкес (Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, 6 июня 1599 – 6 августа 1660) — испанский художник, представитель Золотого века испанской живописи.

Ignacio de Leon y Escosura (Spanish, 1834-1901) The Studio of Velasquez. 1869 г.

Арнольд Бёклин (Arnold Böcklin, 16 октября 1827 – 16 января 1901) — швейцарский живописец, график, скульптор. Один из выдающихся представителей символизма в европейской живописи XIX века, представитель Дюссельдорфской художественной школы.

Giancarlo Zucconelli (Italian) Omaggio all'Isola dei Morti di Böcklin (Посвящение “Острову мертвых” Бёклина). 2001 г.

Эдвард Бёрн-Джонс (Edward Coley Burne-Jones, 28 августа 1833 – 17 июня 1898) — английский живописец и иллюстратор, близкий по духу к прерафаэлитам, один из наиболее видных представителей движения искусств и ремёсел.

Milo Manara (Italian, born 1945) Il pittore e la modella – Burne-Jones.

Пьер Огюст Ренуар (Pierre-Auguste Renoir, 25 февраля 1841 – 3 декабря 1919) – французский живописец, график и скульптор, один из основных представителей импрессионизма.

В середине 1880-х годов фактически порвал с импрессионизмом, вернувшись к линейности классицизма.

Albert André (French, 1869-1954) Renoir and His Model 1952-53 гг. The Metropolitan Museum of Art

Нико Пиросмани (1862 – 5 мая 1918) — известный грузинский художник XX века, самоучка, представитель примитивизма. Настоящее имя – Николай Асланович Пиросманашвили (Пиросманишвили).

Монин Олег Вадимович (Германия, род. 1964) Нико Пиросманашвили. 2008 г.

Николай Константинович Рерих (27 сентября (9 октября) 1874 – 13 декабря 1947) — русский художник, сценограф, философ-мистик, писатель, путешественник, археолог и общественный деятель. Основатель международных культурных движений «Мир через культуру» и «Знамя Мира», кавалер российских и иностранных наград.

Быкова Юлия Викторовна (род. 1984) Н.К.Рерих в Кулу. 2006 г. После путешествия в 1923-1926 годах по Алтаю, нагорьям Тибета, Монголии и Индии, Николай Константинович Рерих с женой Еленой Ивановной в 1928 году, после окончания пятилетней гималайской экспедиции, возвратились в Индию и поселились в живописной долине Кулу на границе Лахуля и Тибета, среди могучих гор над стремительной речкой Биас. На вершине городка Нагар Рерих приобрел усадьбу, где и провел последние 18 лет своей жизни. Главный дом усадьбы был построен в 1880-х годах английским полковником Ренником, крупным землевладельцем и самым влиятельным из британских поселенцев в долине Кулу.

Амедео Модильяни (Amedeo Modigliani, 12 июля 1884 – 24 января 1920) — итальянский художник и скульптор, яркий представитель экспрессионизма. Полное имя художника – Иедидия Клементе Модильяни.

Калита Николай Иванович (род. 1926) Модильяни и Ахматова. 1989 г. Совет

Тамара де Лемпицка (Tamara de Łempicka, 16 мая 1898 – 18 марта 1980) — польская и американская художница, в историю вошла, как «первая художница, которая была гламурной дивой». Настоящее имя – Мария Гурвич-Гурска.

Milo Manara (Italian, born 1945) Il pittore e la modella Suzy Solidor – Tamara de Lempicka. Сюзи Солидор (Suzy Solidor, 18 декабря 1900 – 31 марта 1983) — французская певица, актриса, модель и писательница. Настоящее имя Сюзанна Луиза Мария Марион (Suzanne Louise Marie Marion). Сценическую фамилию Солидор Сюзанна взяла по названию квартала в Сен-Серване, где одно время жила её семья. Сюзи была одной из ярких фигур Парижа 1920-1930-х годов, пела в кабаре, была моделью для многих художников и скульпторов. Ее, кроме Тамары Лемпицкой, писали и ваяли Жорж Брак, Фрэнсис Бэкон, Вламинк, Кеес ван Донген, Дюфи, Кислинг, Кокто, Мари Лорансен, Пикабиа, Пикассо, Ман Рэй, Фужита и другие. В шутку Солидор называли “самой портретируемой женщиной всех времен и народов”.

Бальтюс (Balthus, 29 февраля 1908 – 18 февраля 2001) — французский художник, обращался ко всем традиционным жанрам европейской живописи (пейзаж, натюрморт, портрет, жанровые сцены), насыщая их тревожно-эротической атмосферой и провокационным фрейдистским подтекстом. Настоящее имя – Бальтазар Клоссовски де Рола (Balthasar Kłossowski de Rola).

Milo Manara (Italian, born 1945) La habitación (Комната) – Balthus.

Эдгар Дега

Дега Эдгар (1834-1917) – французский живописец, график и скульптор. Полные неизъяснимого пластического очарования, его “Голубые танцовщицы” появились в 1897 году. Этот как бы лучом прожектора выхваченный из жизни балерин фрагмент стал одним из величайших произведений не только самого Эдгара Дега, но и всего мирового искусства.

Дега любил изображать не столько сами спектакли – праздник театральной жизни, сколько их прелюдии. В часто фрагментарных, но всегда динамичных, с очень точным и гибким рисунком композициях он показывал всю напряженность каждодневного утомительного труда артистов и в то же время восхищался неповторимым очарованием их даже будничной закулисной жизни.

Под пристальным взглядом художника она тоже превращалась в своеобразное сценическое действо. Картина “Голубые танцовщицы”, в отличие от ранних произведений увлеченного импрессионизмом Дега, более декоративна и даже плоскостна. Художник выполнил ее в технике пастели, которая изумительно передает вибрацию цветов.

В 90-е годы у Дега начало падать зрение, и он практически перестал писать маслом.

Дега был аристократом, он вырос в богатой благополучной семье, и, как говорят современники, его, очень уравновешенного, а порой ироничного, редко охватывало душевное смятение.

Ипподром, театр, да еще женщины, которых он любил изображать в обыденной, повседневной жизни,- вот, казалось бы, и весь круг его тематических пристрастий. Но бесчисленные вариации этих тем давали Дега возможность показать жизнь во всей ее полноте и правдивости.

Один из самых тонких ценителей искусства художественный критик Поль Валери писал в свое время о нем: “Как истинно верующий видит в Боге высшего судью, с которым бесполезны уловки, сделки и комбинации, так и Дега оставался безупречным и неизменным, исключительно преданным абсолютной идее своего искусства. Он стремился только к тому, что было трудно достижимым”.

Эдгар Дега родился 19 июля 1834 года в Париже в семье банкира. Его мать была креолкой из Нью-Орлеана.

Обратите внимание

Еще во время учебы в лицее Людовика Великого Эдгар Дега увлекся рисованием, и отец разрешил ему превратить одну из комнат в мастерскую и познакомил его с коллекционерами Лаказом, “папашей Марсилем”, Эдуардом Вальпинсоном, а также с гравером и живописцем Грегорио Сутзо.

Получив степень бакалавра, Дега в 1853 году поступил в мастерскую живописца Жозефа Барриса, начал копировать гравюры Мантеньи, Дюрера, написал свое первое живописное произведение – портрет деда по матери Жермена Мюссона.

В этом же году Дега поступил на факультет права Парижского университета, который через год оставил. Это было причиной его ссоры с отцом, которая, правда, длилась недолго. Дега путешествовал по Провансу, занимался в мастерской Луи Ламота, учился гравировать у Г. Сутзо.

В 1855 году он поступил в парижскую Школу изящных искусств и в этом же году посетил мастерскую Энгра, перед которым преклонялся с детства. Уважаемому академику было тогда около восьмидесяти лет. “Вот художник, который мог бы посвятить всю жизнь тому только, чтобы нарисовать одну женскую руку!” – сказал Дега об Энгре.

И всю жизнь, как и его кумир в искусстве, он испытывал особое преклонение перед рисунком, создавал свои образы не столько с помощью цвета, сколько светотени.

Именно пример Энгра вдохновил молодого Дега совершить несколько поездок в Италию, где он изучал и копировал старых мастеров (например, сделал копию правой части фрески Рафаэля “Пожар в Борго”).

В 1856-1860-х годах появились такие картины Дега, как “Римская нищая”, “Старуха в желтой шали”, “Портрет семьи Беллели”, “Семирамида”, офорты “Портрет Турни” и “Автопортрет в мягкой шляпе”. С 1861 года Дега начал коллекционировать японские ксилографии. В это же время он познакомился с Э. Мане. В 1865 году Дега впервые выставился в Салоне.

Первой показанной там картиной стал “Эпизод средневековой войны”. Во второй половине 60-х годов Дега посещал кафе Гербуа, где часто бывали Э. Мане, Ренуар, К. Моне, Базиль, Сислей, Э.Дюранти, которые в будущем стали основателями импрессионизма – нового течения в живописи, которое ставило главной задачей изображение видимого мира в его постоянной изменчивости.

Важно

Дега перестала интересовать историческая живопись. Он ныставил в Салоне “Сцену во время скачек с препятствиями (Раненый жокей)”, написал “Портрет м-м Гожлен”, “Женский портрет” и увлекся театром. После поездки с Э. Мане на побережье, где Дега сделал серию пленэрных пейзажей, он заинтересовался образами прачек и гладильщиц.

Осенью и зимой 1870-1871 годов Дега участвовал в обороне Парижа от пруссаков, служил в артиллерии под началом Анри Руара. Это было очень тяжелое время в его жизни. Он застудил глаза, зрение начало ухудшаться. К тому же погиб его близкий друг Кювелье, у которого он учился скульптуре. Когда Париж капитулировал, Дега вынужден был поехать к своим друзьям Вальпинсонам в Мениль-Юбер.

Возвратившись в Париж, Дега увлекся кафешантанами и балетом. Посещая фойе театра на улице Лепелетье, он написал “Балет монахинь в опере “Роберт-Дьявол”, “Танцкласс Меранта в Опере на улице Лепелетье” и другие работы. С братом Рене Дега съездил в своим родственникам в Нью-Орлеан.

В 1873 году в кафе “Новые Афины” зародилась идея создания независимого “Салона реализма”. На первой выставке “Анонимного общества живописцев, скульпторов и граверов”, которых с легкой руки критика журнала “Шаривари” окрестили импрессионистами, Дега выставил десять своих работ.

В 1874 году у Дега умер отец, оставив дела в довольно запутанном состоянии, а в 1875 году обанкротился брат Эдгара Ашиль Дега. Чтобы спасти его, Дега вынужден был распродать свою коллекцию произведений старых мастеров.

В 1876 году художник написал свои известные картины “В кафе. Абсент”, “Танцкласс. Адажио”, “Танцовщица на сцене. Звезда”, а в 1877 – серию картин на тему кафешантана, “Танцовщицы у штанги”, “Прачки, несущие белье” и принял участие в постановке комедии Алеви и Мейака “Кузнечик”. Он все чаще работал в технике пастели.

В 1879 году на IV выставке “Анонимного общества” Дега выставил 25 работ. В этот же год он познакомился с Гогеном и создал серию пастелей и монотипий, где изображалась жизнь обитательниц публичных домов. В это же время композиции картин Дега изменились – они вытянулись по горизонтали, сделались как бы “широкоэкранными”.

В начале 80-х годов художник экспериментировал с различными эстампными техниками, работал над восковой скульптурой “Четырнадцатилетняя танцовщица”, все чаще начал изображать женщин, которые моются, вытираются или причесываются. Вместе с Писсарро, Кайботтом, М. Кассет он планировал издание журнала “День и ночь”.

Совет

А в VII выставке “Анонимного общества” участвовать наотрез отказался, потому что на нее приняли работы Ренуара и Моне, которые выставлялись и в официальном салоне.

Несмотря на резкое ухудшение зрения, Дега продолжал работать, и в 1885 году появились серии “Модисток” и “Обнаженных женщин, купающихся, моющихся, обсыхающих, вытирающихся, причесывающихся или дающих себя причесывать”. Впервые в истории мирового искусства Дега начал изучать и показывать образы женщин во время подготовки их к одеванию – так, как уже показывал готовящихся к танцу балерин.

“До сих пор,- говорил Дега,- нагота изображалась в таких позах, которые предполагали присутствие свидетелей.

Мои же женщины – честные человеческие существа, не имеющие никаких других интересов, кроме тех, что вытекают из их физического положения”.

В образах истощенных, болезненных женщин Тулуз-Лотрека современники видели “пролетарок любви”. А женщины Дега выглядели как любовницы и жены респектабельных буржуа.

Зрение Дега продолжало ухудшаться, в 1904-1906 годах он почти ослеп, но продолжал писать крупноформатные изображения балерин. А в 1908-1912 годах вынужден был оставить живопись. Единственным посильным видом творчества для него осталась скульптура. Изображая балерин, купальщиц, лошадей, Дега стремился как можно выразительнее передать остановленное на мгновение движение.

В 1912 году умер один из самых близких друзей художника Анри Руар. В этом же году картина Дега “Танцовщицы у штанги”, находившаяся в его собрании, была продана за 435 000 франков. Дега покинул свою мастерскую на улице Виктор-Массе, где жил последние годы, и переселился на бульвар Клиши. Больше он не работал и умер 27 сентября 1917 года.

А уже в 1918-1919 годах состоялось четыре распродажи его работ.

Ренуар как-то признался, что сделанная углем “Обнаженная” Дега кажется ему похожей на осколок прекрасного Парфенона.

После смерти друзья Дега с особой остротой ощутили, как он был одинок. Амбрауз Воллар вспоминал, что однажды Дега сказал ему:

– Легче привыкнуть к собакам и, пожалуй, даже к цветам на столе, чем к одиночеству.

– Почему же вы сами не женились, месье Дега? – спросил Воллар.

– Я слишком боялся,- ответил Дега, – что жена скажет про мою новую работу: “Как это мило у тебя вышло!”

Такая оценка звучала бы для него оскорбительно.

Бoгдaнoв П.С., Бoгдaнoвa Г.Б.

Эдгар Дега, «Голубые танцовщицы», «В ожидании выхода на сцену»

Эдгар Дега – живописец, график и скульптор, выходец из старинной банкирской семьи, – получил блестящее художественное образование. Окончив Школу изящных искусств в Париже (1855-1856 гг.), молодой Дега увлекается творчеством Энгра – ведущего художника-консерватора первой половины XIX в. В 1854 г.

он уезжает в Италию, где на протяжении пяти лет изучает искусство Раннего Возрождения. Эта поездка привносит в творчество Дега и классические формы, и холодную ясность композиции, свойственные историческим картинам и портретам (таким, как «Семейство Беллелли»), которые художник писал на ранних этапах творчества.

Самостоятельный творческий путь Дега начал в 60-е гг. XIX в. В это время он сблизился с Мане и другими последователями батиньольской школы. Молодой художник работал без всякой надежды на успех, терпел презрение публики.

Обратите внимание

Тематика картин Дега была обращена главным образом к современной городской жизни; изображение улицы, будней театра, ипподрома, кафе («Площадь Согласия», «Абсент») перемежается с изображением женщины за туалетом и сцен труда прачек, модисток, гладильщиц («Женщины на террасе кафе», «Гладильщицы»)-Дега нельзя назвать строгим последователем импрессионизма. Он, например, никогда не обращался к пейзажу, на основе которого и возник импрессионизм. Дега старался запечатлеть на своих картинах все самое выразительное, стремился подчеркнуть что-то особенное, характерное, тогда как импрессионистов упрекали в мимолетности изображаемого. Обладая тонким ироническим, даже саркастическим умом, Эдгар Дега привносит некий сарказм и в свои произведения. Его картины, всегда воспроизводящие будни, наполнены грустью, утомленностью напряженного труда. Эти трудовые будни скучны; танцовщицы, жокеи, прачки и гладильщицы усталы, замкнуты в своих трудах и проблемах («Урок танцев», «Проездка скаковых лошадей», «Танцовщицы на репетиции», «Голубые танцовщицы», «Гладильщицы», «Прачки»).

Дега сумел увидеть не поверхностные связи изображенного, а внутренние и глубокие. В этом ему очень помогло увлечение модной тогда первой моментальной фотографией. Это позволило картинам художника воплотить в себе такие качества, которые в дальнейшем приведут к возникновению кинематографа. Дега старался передать на холсте ощущение пространства, пластичность и весомость форм.

Это и служило причиной того, что в качестве тем к своим картинам он более охотно выбирал сюжеты из жизни балета, чем что-либо другое. Очень часто он присутствовал на репетициях, а потому имел возможность детально изучить фигуры и одежду балерин.

Обычно Дега располагался на некоторой высоте, а потому наблюдал за жизнью за кулисами с высоты, изучая сложные ракурсы и эффекты сценического освещения.

В своем наброске «В ожидании выхода на сцену», сделанном пастелью, Дега изобразил танцовщиц в момент, когда вот-вот откроется занавес. Композиционное построение рисунка весьма своеобразно: у одних танцовщиц зритель видит только ноги, у других – только туловище.

Полностью показана всего одна балерина, но и та располагается в сложной позе. Ракурс также выбран весьма удачно: зритель как бы рассматривает эту девушку сверху.

Видно, что танцовщица полностью расслаблена, она отдыхает, ее голова опущена, а левая рука сжимает лодыжку.

Интересно, что в картинах и рисунках Дега, изображающих балерин, невозможно обнаружить любование художника хорошенькими девушками и очарованием юности.

Важно

Дега абсолютно беспристрастен и изображает танцовщиц с той же холодностью, с какой импрессионисты смотрели на окружающий их пейзаж.

Для Дега первоочередное значение имели игра света и тени, формы человеческих тел, методы, с помощью которых художник мог бы передать формы или пространство.

Дега доказал тем, кто сомневался в талантах молодого поколения художников, что и художники-новаторы не только не отрицают искусство рисования, но и ставят перед собой задачи, решить которые может лишь настоящий мастер рисунка.

«Голубые танцовщицы» считаются настоящим шедевром, они также принадлежат к тому периоду творчества Дега, когда он изображал полуобнаженные фигуры балерин, освещенные резким светом.

На этой картине показан уже закончившийся спектакль, окончание театрального действа. Луч театрального прожектора на миг выхватывает из темноты фигуры балерин, свет оживляет рисунок, заставляя фигуры двигаться.

Примечательно, что Дега не окрашивает воздух светом, все действо у него заключено в особую среду театральной сцены.

Четыре танцовщицы в картине образуют неразрывное целое, своею пластикой передавая идею гармоничного, слаженного и развивающегося движения. Трудно даже сказать, изображены ли на полотне четыре балерины. Это может быть фигура одной и той же танцовщицы, но в разных поворотах.

В конце 1900 – начале 1910 г. Эдгар Дега переключился с живописи на скульптуру. Он изображал фигуры лошадей, купальщиц, балерин.

В своих скульптурах Дега также добивался выразительной передачи мгновенного движения, остроты и неожиданности позы и при этом умел сохранять пластичность и цельность фигур.

Совет

Дега ставит перед собой невыполнимые задачи, пытаясь найти невозможное равновесие и гармонию персонажей, и направляет всю силу своего таланта на их решение. В своих ранних записных книжках он писал: «Необходимо научиться запоминать формы и выражения и никогда не рисовать и не писать непосредственно с натуры». Этому своему принципу Дега остался верен до конца жизни.

В зрелые годы у художника начала развиваться тяжелая болезнь глаз, однако это не помешало ему наслаждаться красками жизни в Новом Орлеане. Дега писал об Америке: «Солнечный свет здесь так силен, что я еще ничего не мог написать на реке». С 1891 г.

Дега полностью отгораживается от внешнего мира, не читает даже газет. Он впитывает в себя красоты природы и живет своими старыми мыслями.

Дега оказался замечательным учеником старых мастеров, считавшим, что самое существенное – «это овладеть и суметь передать господствующий на котором основана гармония картины».

Егор 02/10/2016

интересная статья , если хотите посмотреть репродукции работ Дега и его биографию рекомендую: http://art-for-you.ru/biografii/edgar-dega-fr-edgar-degas1834-1917.html

Эдгар Дега

Эдгар Илэр Жермен де Га родился 19 июля 1834 года в Париже в семье банкира. Став художником, Эдгар в 1870 году решил соединить свою дворянскую приставку «де» с фамилией Га.

Отец, Август де Га, в молодости попал в столицу Франции и организовал здесь филиал неаполитанского торгового дома. Познакомившись в Париже с французской креолкой Селестиной Мюссон, он вскоре женится на ней.

Будучи старшим сыном, Эдгар должен был пойти по стопам отца. Поэтому, окончив лицей Людовика Великого (1845-1852), он поступает в 1853 году на факультет права Парижского университета. Однако благодаря своему упорству добивается разрешения отца обучаться живописи.

Оставив юриспруденцию, Эдгар близко сошелся с одним из учеников Делакруа — Эваристом де Валери. Некоторое время он занимается в мастерской Барриаса, а в 1854 году начинает обучение у Луи Ламотта, художника школы Энгра.

Обратите внимание

В 1855 году Эдгар поступает в Школу изящных искусств. Тогда же он пишет одну из первых картин — «Рене де Га с чернильницей». Большое значение имела для Дега встреча с Энгром.

В его памяти навсегда остался совет, данный мастером: «Рисуйте линиями по памяти или с натуры, и как можно больше».

В 1856 году Дега уезжает к родственникам в Италию, где посещает Флоренцию, Рим, Неаполь. Он изучает картины мастеров Возрождения, копирует Рафаэля, Беллини, Тициана и других художников, делает зарисовки натурщиков. Появляются его первые работы — «Портрет г-жи Морбилли, сестры художника», «Нищенка». Особенно часто в это время художник пишет автопортреты.

По возвращении на родину Дега открывает в 1859 году в Париже мастерскую. В своем дневнике он набрасывает программу действий: «Претворять академические штудии в этюды, запечатлевающие современные чувства. Рисовать любые предметы обихода, неразрывно связанные с жизнью современных людей, мужчин или женщин: например, только что снятые корсеты, еще сохраняющие форму тела, и т.д.».

Безусловно, лучшее произведение раннего Дега — великолепный «Портрет Семьи Беллелли» (около 1860). «У Дега фигуры не позируют как на современных ему фотографиях и среднего качества салонных портретах, — пишет Э. Хюттингер. — Только Джованна, одна из дочерей, смотрит на воображаемого зрителя, остальные фигуры сосредоточены друг на друге.

Баронесса стоит свободно, у нее гордая, прямая и чопорная осанка. Черный цвет ее платья — траур по умершему в 1862 году молодым сыну Джованни — создает впечатление благородства и замкнутости.

Маленькая Джулия сидит на краешке стула, левая нога скрыта — прием мастера, которым он передает спонтанную непосредственность, что для академической живописи того времени это было явным осквернением святыни».

Молодой художник, желающий выставляться в Салоне, в первой половине шестидесятых годов обращается к историческим сюжетам: «Молодые спартанки, вызывающие на состязание юношей» (1860), «Семирамида закладывает город» (1861), «Александр и Буцефал» (1861-1862), «Дочь Иеффая» (1859-1860), «Эпизод средневековой войны» (Бедствия Орлеана) (1865). Картины — темные по колориту, суховаты по форме.

Важно

В дальнейшем Дега обращается к сценам современной жизни. Появляются многочисленные изображения скачек, гладильщиц и т.д. Всего несколько штрихов порой достаточно художнику, чтобы схватить характерную позу, профессиональный жест: «Стиппльчез» (1866), «Жокеи перед трибунами» (ок. 1869-1872), «Скачки в провинции» (ок. 1870-1872), «Молодой жокей» (ок. 1866-1868).

Во время франко-прусской войны, когда Дега хотел вступить в пехотную часть, обнаружилось, что один глаз у него плохо видит. Он был зачислен в артиллерию и после окончания войны уехал в поместье друзей.

Там он находился и во время Коммуны. Большие революционные события, потрясшие Париж и всю Европу, не нашли отражения в его искусстве.

Это равнодушие к социальным проблемам, ограниченность интересов характерны были для всего творчества Дега».

Осенью 1872 года вместе с братом художник отправляется через океан в США. Посетив своих родственников в Новом Орлеане, Дега пишет картину «Контора по приему хлопка в Новом Орлеане», вызвавшую естественной жизненностью и общей правдивостью своего решения восхищение Э. Гонкура.

В 1861 году Дега знакомится с Эдуардом Мане, а позднее начинает посещать кафе Гербуа, пристанище импрессионистов — Моне, Ренуара, Сислея и других. Хотя Дега всегда считался независимым художником, он присоединяется к импрессионистам и выставляется на их выставках, начиная с первой (1874) и кончая последней (1886), хотя не все принимает в их методах работы.

В центре внимания художника не пейзаж, а жизнь современного города. В таких картинах, как «Абсент» (ок. 1876), ему замечательным образом удалось — через выражение лиц и позы персонажей, а также композиционными средствами — выразить одиночество и отчужденность людей в большом городе.

Первые из знаменитых изображений танцовщиц и театральных сцен Дега появились в 1867 году. «Это фойе балетной школы, где на фоне освещенного окна фантастическими силуэтами вырисовываются ноги танцовщиц, сходящих по маленькой лесенке, и ярко-красные пятна ткани среди всех этих белых раздувающихся облаков, и забавная фигура учителя танцев.

Совет

И прямо перед нами, схваченные на месте, грациозные, извивающиеся движения и жесты маленьких девушек-обезьянок.

Художник показывал нам картины, время от времени подкрепляя свои объяснения движениями, имитируя то, что на языке балета называется арабеск, — и в самом деле очень забавно видеть его, показывающим балетные движения, соединяющего с эстетикой учителя танцев эстетику художника», — писал Э. Гонкур.

Дега заинтересовался балетом, его притягивают танцовщицы. Художник показывает только уголки театра: части сцены, фойе или уборной, но даже там, где у Дега всего лишь две или одна танцовщица, легко читается целое, чувствуются все характерные грани балета: «Урок танца» (1874),

“Звезда”, пастель, линотипия

«Репетиция (1874), «Звезда» (ок. 1876), «Танцовщицы за кулисами» (1880), «Танцовщицы», (1883), «Балетный класс» (1891), «Голубые танцовщицы» (ок. 1897-1899).

Однажды, отвечая на вопрос, почему он любит писать балет, Дега пробурчал: «Меня называют живописцем танцовщиц; не понимают, что танцовщицы послужили мне предлогом писать красивые ткани и передавать движения».

Дега работает в самой разной технике, он пробует пастель и гравюру и даже ищет себя в скульптуре.

До 1874 года Дега не имел проблем с деньгами. Однако после смерти отца художника выяснилось, что дела банка де Га находятся в незавидном положении. Эдгар отказывается от значительной части своего состояния, чтобы спасти братьев от банкротства; в результате оказывается в затруднительном материальном положении и вынужден сосредоточиться на живописи, пользующейся спросом, расписывает веера.

Художник, особенно начиная с восьмидесятых годов, часто пишет обнаженную натуру: «Женщина, выходящая из ванной» (1883), «Купанье» (1886), «Ванна» (1886), «Женщина в ванной» (1895-1900). Дега мастерски передает движения человека в быту, взгляд его здесь порой ироничен и насмешлив: «После ванны» (ок. 1883); «Перед сном» (ок.

1883); «Причесывающаяся» (ок. 1887-1890). Дега тонкий колорист, его пастели то гармоничные, светлые, то, напротив, построены на резких цветовых контрастах.

Обратите внимание

Картины его кажутся случайно выхваченными из потока жизни сценами, но «случайность» эта — плод продуманной композиции, где срезанный фрагмент фигуры, здания подчеркивает непосредственность впечатления.

В 1886 году на последней выставке импрессионистов Дега представил пять картин и десять пастелей из «Серии обнаженных женщин, купающихся, моющихся, обсыхающих, вытирающихся и причесывающихся».

Последняя выставка, на которой Дега показал публике свои работы, была открыта в 1892 году. После этого двадцать пять лет, до самой своей кончины, мастер ни разу не выставлял свои полотна и скульптуры. Одной из причин этого было резко ухудшившееся зрение. Дега живет в это время очень замкнуто.

Последние годы Дега обратился к скульптуре, оставив ряд прекрасных произведений, посвященных любимым и хорошо знакомым темам: «Большая арабеска» (ок.1882-1895), «Танцовщица» (ок. 1896-1911).

Умер Дега 27 сентября 1917 года.

«Всю жизнь живопись была его единственным удовольствием, единственным вдохновением»,-так писал знаменитый торговец картинами Амбруаз Воллар о своем друге. – презентация

1

2

3 «Всю жизнь живопись была его единственным удовольствием, единственным вдохновением»,-так писал знаменитый торговец картинами Амбруаз Воллар о своем друге ОГЮСТЕ РЕНУАРЕ ( ). Художник родился в многодетной семье провинциального портного. В доме часто не было даже куска хлеба, и чтобы скопить денег на обучение живописи, Ренуар расписывал чашки, тарелки, веера. Постоянная нищета (в Школе изящных искусств он подбирал тюбики с остатками краски, выброшенные другими учениками) не угнетает мастера, по-настоящему он счастлив только сидя за мольбертом.

4 Всегда в центре внимания живописца человек. Отдыхающие, оживленно переговаривающиеся или лениво наблюдающие за происходящим вокруг люди на его полотнах естественны и непринужденны. Гуляния Мулен де ла Галетт (1876)

5 Чаще всего Ренуар пишет женщин и детей, считая их наиболее совершенными творениями природы. Его привлекают не холодные светские красавицы, а веселые и живые «настоящие» француженки. Такова любимица парижан 20-летняя актриса «Комеди Франсез» Жанна Самари. Ренуар писал ее несколько раз. Молодость и красота воплощены в облике девушки на портрете. Но не только очарование юности запечатлел художник. Перед нами личность: талантливая актриса, остроумная и блистательная собеседница. Жанна Самари

6 Совсем иной образ создан в портрете «Девушка с веером», изображающем дочь владельца пригородного ресторанчика, где Ренуар писал летние пейзажи. Юную, смешливую девушку художник усаживает в глубокое кресло с ярко-красной обивкой. Чистые, мягкие оттенки составляют несложную, но прелестную мелодию. Нежными тонами написано лицо, густые черные волосы отливают сиреневым и лиловым; на белой плоскости веера отражаются красноватые блики кресла, золотисто-желтые – фона, сине-сиреневые – платья девушки. Девушка с веером

7 Автопортрет

8 Наблюдательность и интерес к современной жизни сближают с импрессионистами ЭДГАРА ДЕГА ( ), хотя художник не писал, как они, с натуры, а основой своего искусства считал рисунок. Дега не привлекали пейзажи, гораздо больше ему нравился мир людей. Балерины на репетиции, жокеи во время тренировок, гладильщицы и прачки, заняты тяжелым трудом, – вот пестрый мир полотен Дега. Поражает виртуозное мастерство в передаче движений, жестов, сложных ракурсов, необычных поворотов. Феноменальная зрительная память помогает запоминать позы и движения.

9 Любимая тема Дега – театр, но не его парадная сторона, а удивительная атмосфера кулис. Балерины за кулисами на картине «Голубые танцовщицы» показаны «крупным планом». Профессиональная отточенность их движений, грация и непринужденность, особый музыкальный ритм композиции создают иллюзию вращения. Плавны и точны линии, тончайшие нюансы голубого цвета окутывают тела танцовщиц, придавая им поэтическое очарование.

10 Голубые танцовщицы

11

12 Новые веяния затронули и скульптуру. Огюст Роден ( ) стремился найти пластические приемы, которые помогли бы зрителю проникнуть во внутренний мир героев. Его привлекают незаурядные люди. Роден одержим идеей воплотить в мраморе могучий гений Бальзака. Отметается все второстепенное: никаких деталей, скульптору мешают даже кисти рук. Фигура задрапирована одеждой, ниспадающей складками, все внимание сосредоточено на лице.
Важно

13 Большой удачей для Родена был заказ на оформление главных дверей в музее декоративного искусства в Париже. «Врата ада» навеяны поэзией Данте. Сложнейшая многофигурная композиция, по замыслу автора воплощает противоречивость человеческой жизни. Композиционный центр сооружения – монументальная скульптура погруженного в думы человека. Фигура Мыслителя вылеплена с титанической мощью. Руки рабочего и лицо философа – облик новой эпохи, ХХ века.

14 Среди многочисленного творческого наследия мастера особо выделяются композиции «Вечная весна», «Ромео и Джульетта», выполненные в импрессионистической манере. Эти фигуры как бы рождаются из необработанной глыбы мрамора. Плавная текучесть форм, сложная игра света и тени на поверхности скульптуры будоражит воображение зрителя. Вечная весна

15 Ромео и Джульетта