Английские художники. 6 мастеров, покоривших мир – все о живописи
Table of Contents
Как начать разбираться в британской живописи
Книги, онлайн-курсы и фильмы для тех, кто решил подготовиться к выставке английского портрета в Третьяковке
В Год языка и литературы Великобритании и России, который стартовал на прошлой неделе, в Москву привезли собрание портретов из Национальной галереи Лондона — одного из немногих музеев с большой коллекцией работ английских художников. По этому случаю в новом выпуске нашей образовательной рубрики мы решили разобраться, что из себя представляет английская живопись и на каких её представителей стоит обратить особое внимание.
Алёна Григораш
искусствовед, старший преподаватель
Института искусств МПГУ
В России почитать английскую культуру стали в XVIII веке. Но если в то время любить короля Артура, Шекспира и Елизавету Тюдор в противовес распространённой франкофонии и преклонению перед Италией было делом избранных эксцентриков, то начиная с рубежа XIX–XX веков появилась мода на английский стиль жизни, который невозможно представить без знания золотого века английской живописи. У английского искусства в Новое время был период наибольшего расцвета.
Одним из первых, кто остроумно отразил в живописи и графике тему английского народного, а не придворного быта, был Уильям Хогарт. Он высмеивал пороки человечества на примере простых англичан. В числе других художников стоит упомянуть и Уильяма Блейка, который на свой лад переосмысливал тему сотворения мира, а также Обри Бёрдслея, который стилизовал образы самовлюблённых и, как вампиры, вечно голодных мужчин, женщин и сказочных персонажей среди роз и кувшинок.
Современником Бёрдслея был Джеймс Уистлер, прославившийся портретной и пейзажной живописью. В духе увлечения синтезом искусств он пытался вводить в свои картины музыкальные ассоциации (ноктюрны для пейзажей, симфонии в белом для портретов), унаследовать суховатый декоративизм прерафаэлитов и тонкие акценты пейзажей с поразительно сложными палитрами. Его предтечами в лиричных девичьих образах в белых платьях, автопортретах в сероватой дымке и строгих «аранжировках» в чёрном портретов матери были Джошуа Рейнолдс, Томас Гейнсборо и прерафаэлиты. Рейнолдс был президентом Английской академии художеств, он рисовал представителей аристократии второй половины XVIII века. Сочетая крупный формат и эффект академической законченности с антикизированной застылостью моделей, он тем не менее оживлял чопорные образы дам и джентльменов через острый психологизм. Иначе писал Гейнсборо, который при всей представительности портретов членов высокого общества на водах Бата добавлял через связь модели с пейзажем особые нотки лиризма. Лиризм Гейнсборо сменил эротизм в работах прерафаэлитов — при всей стилизации его манеры под суховатое, плотное, богато орнаментированное письмо «до Рафаэля». Обратите внимание
Нельзя также обойти вниманием достижения Джона Констебла и Уильяма Тёрнера. Констебл писал поразительно интенсивные подготовительные эскизы для крупноформатных полотен, которые он дорабатывал в мастерской, чтобы показать в академии. Его пейзажи поэтизируют течение размеренной жизни природы в Саффолке, Солсбери и прочих английских полях и предместьях. Тернер прославился экспериментами с резкими цветовыми акцентами в почти растворяющихся цветовых маревах восходов и закатов и выбором подчас максимально трагических тем — мародёры, снежные бури, кораблекрушения.
В каком-то смысле британское искусство в целом остаётся локальным. Оно важно для самой страны, но его вклад в мировой контекст оценить сложно. В классической книге Татьяны Ильиной, по которой учат базовый курс все искусствоведы, сказано, что английское искусство в XVIII–XIX веках выходит на мировую арену с отчётливо «локальными чертами». Большинство художников даже признавались сначала какими-нибудь французами, а уже потом самими англичанами.
В XVIII–XIX веках мы имеем дело с развитием локальных историй искусств. Без этих имён невозможно представить историю живописи и графики в Англии. К тому же без знания пейзажной и портретной живописи Англии XVIII и XIX веков трудно представить себе развитие названных жанров вообще. Эти художники являются яркими представителями сентиментализма, романтизма, предтечами импрессионизма и эстетизма.
Что читать
Питер Акройд
«Тёрнер»
Простой способ поближе познакомиться с историей живописи какой-либо страны — через творчество самых известных её художников. Это лёгкая в чтении биография, пожалуй, самого известного британского живописца и одного из лучших пейзажистов вообще.
«Мастера английской живописи»
История возникновения и развития английской школы живописи с примерами произведений самых известных её представителей. Как обычно бывает в альбомах такого плана, каждую картину сопровождает небольшой объяснительный текст.
William Vaughan
«British Painting: The Golden Age»
Историк Уильям Воган специализируется именно на британском искусстве. В этой книге он разбирается в классовой структуре и политической обстановке страны, которые повлияли на британское искусство и придали ему особые черты.
Что читать и смотреть в интернете
Аудиолекции «The Englishness of English Art»
Серия из семи получасовых лекций британского историка искусств Николаса Певснера, в которых он исследует английское искусство. После вводного урока об отображении национального характера в живописи Певснер подробно разбирает творчество Хогарта, Рейнолдса, Блейка и Констебла.
Документальный фильм «Прерафаэлиты — викторианские революционеры»
Типичная образовательная лента канала BBC, в которой зрителям беспристрастно, зато основательно рассказывают историю создания «Братства прерафаэлитов», описывают их художественное новаторство и объясняют, за что их ругали современники. Ещё более глубокий разбор их творчества можно найти в документалке композитора Эндрю Ллойда Уэббера «А passion for the Pre-Raphaelites» — правда, как можно догадаться из названия, мнение Уэббера будет уже менее непредвзятым.
«Джон Констебл и английский пейзаж»
khanacademy.org Важно
В запасе у некоммерческой образовательной организации Khan Academy, пожалуй, одни из самых подробных путеводителей по истории искусства вообще. Среди них есть, например, курс лекций, посвящённый пейзажам Джона Констебла и даже подробный гид по викторианскому искусству — в частности, по творчеству прерафаэлитов.
«Прерафаэлиты: авангардисты или маргиналы?»
artguide.com
Три года назад в ГМИИ им. А.С. Пушкина привозили выставку «Прерафаэлиты. Викторианский авангард» с огромным собранием важных произведений английских прерафаэлитов. Историк искусства Екатерина Вязова коротко и по-русски объясняет, почему их работы называют авангардными.
Курсы галереи Тейт
khanacademy.org
Самое крупное собрание британского искусства можно найти в галерее Тейт в Лондоне. Но для тех, у кого нет возможности добраться до британской столицы в ближайшее время, музей запустил несколько образовательных курсов: один общий по всей истории британского искусства и ещё один по творчеству Уильяма Тёрнера. Кроме того, на сайте есть небольшой раздел, посвящённый известной картине «Офелия» прерафаэлита Джона Милле.
Куда ходить
Образовательная программа «400 лет истории Великобритании в портретах»
адрес: Третьяковская галерея в Лаврушинском переулке
стоимость: бесплатно, по регистрации
Параллельно с выставкой в Третьяковской галерее в Москве стартовала и образовательная программа, посвящённая ключевым историческим фигурам британской истории за 400 лет. Среди прочего будут говорить о роли женщины в искусстве XVIII века, сатире Лоренса Стерна и истории Королевской академии художеств.
Лекторий Пушкинского музея
arts-museum.ru
адрес: ул. Волхонка, д. 8–10
стоимость: 100–350 рублей за лекцию
Английский художник-реалист Уильям Хогарт и его картины
10 11 2014 гид Пока нет комментариев
Как зарождался реализм в английской живописи, можно проследить по картинам художника Уильяма Хогарта.
Путь его к известности и мировой славе был тяжел.
Хогарт – теоретик английского реализма, писавший сатирические, жанровые картины, бытовые зарисовки, портреты; создававший трактаты об искусстве, о понятии красоты в реалистических произведениях.
Становление художника Хогарта
Родившись в семье учителя 10 ноября 1697 года, Хогарт, тем не менее, школу не любил, посвящая все свое время рисованию. Отец отправил его в обучение к граверу; позже полученные знания и навыки очень пригодились будущему художнику – после смерти отца он своим ремеслом кормил семью.
Уильям Хогарт. Автопортрет, 1745
Скоро Уильям Хогарт понимает, что для настоящего творчества ему не хватает знаний. Он много и тщательно изучает основы мастерства художника, занимается в Академии искусств, приобретает опыт книжного иллюстрирования. В дальнейшем создает гравюры с сатирическим подтекстом, очень актуальным для его времени:
Замысел Компании Южных морей
Беспристрастный взгляд на британскую сцену
Карьера продажной женщины (цикл картин и гравюр)
Как самостоятельный художник Хогарт начинает работать с 1720 года. Четко определилось своеобразие устремлений молодого художника. Так появился первый сатирический цикл из 6 листов, названный «Карьера продажной женщины». Позже картины пропадут, а вот гравюры с них сохранились до нашего времени:
В ловушке сводницы: юная Молл Хэкэбаут становится содержанкой
Ссора с евреем-покровителем: детали говорят о достатке героини, а сюжет вызывает улыбку – ссорой она отвлекает внимание от второго любовника
Арест: детали показывают, что прежняя содержанка скатилась до проститутки, возможно связана с магией (шляпа на стене), живет бедно, по сравнению с предыдущим изображением, и арестована за свою деятельность
Сцена в Брайдвелле: героиня в тюрьме, черные точки на лицах – признак сифилиса
Умирает, пока доктора спорят
Похороны: по дате на крышке гроба можно посчитать, что героине было 23 года, ее окружение – такие же, как она – не очень переживают, а ее ребенок (на первом плане) совсем окажется брошенным
Вместе с писателями-просветителями XVIII века Хогарт своим глубоко демократическим искусством вступил в борьбу за искоренение пороков современного общества, считая, что мораль и нравоучение – лучшее средство исправления нравов.
А чтобы сделать свои замыслы доступными самым широким слоям людей, художник переводил воплощенные первоначально в живописных полотнах остросатирические серии в гравюры, массовость которых обеспечивала им широкое распространение.
Кстати, мастерство гравёра и тематика его произведений позволяла художнику неплохо зарабатывать.
Цикл картин “Модный брак” – сатира на английское общество
В 1742 – 1745 году возникает самый значительный по глубине замысла и совершенству художественного воплощения цикл «Модный брак», где в шести сценах ярко рассказана история брака по расчету, откровенной торговой сделки между обедневшим аристократическим родом и разбогатевшими буржуа.
Сцена 1. Брачный контракт: жених – обедневший аристократ, невеста – дочь богатого торговца, они уже не смотрят друг на друга
Сцена 2. Вскоре после свадьбы: масса деталей говорит о разгульном образе жизни мужа и вовсе не скучающей без него жене, а управляющий в ужасе от неоплаченных счетов (только один оплачен)
Совет
Сцена 3. Визит к шарлатану: черные точки означают сифилис, герой пришел в надежде от него избавиться, но лекарь – шарлатан, увы…
Сцена 4. Будуар графини: сама героиня, ее любовник, которому она улыбалась в первой сцене, масса гостей, детали жизни, от герба графа (значит, отец умер и герой получил титул) до соски на ленточке (на стуле) – знак рождения ребенка
Сцена 5. Дуэль и смерть графа: все-таки граф обнаружил любовников, дуэль была, и он проиграл, картины (Суд Соломона и Портрет куртизанки) намекают на сюжет
Сцена 6. Смерть графини: в брошенной газете сообщение о казни любовника, графиня отравилась ядом, ей принесли ребенка попрощаться, это девочка, значит титула графа наследовать некому (мужчин в роду не осталось), а про черную точку мы уже знаем, и это тоже ранняя смерть… картины фламандцев изображают жизнь простых людей – семье так и не удалось пробиться в знать, собака дополняет сюжет
Цикл картин Уильяма Хогарта “Мот”
Были и другие циклы картин, например “Мот”, рассказывающий о том, как юноша, начав светскую разгульную жизнь, докатился до тюрьмы должников, полной нищеты и смерти в больнице для сумасшедших. Вот лишь три картины, но сюжет уже ясен:
Том Рэйквелл получил наследство…
Вот он его проматывает…
И конец неудавшейся жизни
Цели и стремления зрелого художника
В своих зрелых произведениях Хогарт перестает быть просто моралистом. Избираемые им темы становятся все более значительными, его сатира – все более острой. В таких гравюрах, как «Улица пива», «Переулок джина»:
Улица пива
Переулок джина (Водочный переулок)
В четырех картинах серии «Парламентские выборы» уже не отдельные пороки отдельного человека, а мораль верхушки общества и правящих кругов, положение в армии, нищенское существование городских низов становятся предметом его «исследований».
Парламентские выборы: триумф избранных в парламент (свиньи уже говорят о многом)
Немногочисленные, изображающие только близких или чем-то заинтересовавших художника людей, они привлекают удивительной теплотой и сердечностью. В лучшем произведении позднего периода «Продавщица креветок», поражающем красотой и огромной свободой живописного решения, изображена цветущая юная продавщица морской снеди, девушка из народа.
Продавщица креветок
Это яркое свидетельство того, что искусство Хогарта не только выносит приговор порокам людей современного общества, но и утверждает красоту и достоинство человеческой личности.
Топ-10 самых известных художников мира
Ниже представлен список десяти самых известных художников в истории. Также рекомендуем, ознакомится с рейтингом самых известных картин в мире.
10
Леонардо да Винчи
Леонардо ди сер Пьеро да Винчи (15 апреля 1452—2 мая 1519) — знаменитый итальянский живописец, архитектор, философ, музыкант, писатель, исследователь, математик, инженер, анатом, изобретатель и геолог.
Известен своими картинами, наиболее знаменитыми из которых являются «Тайная вечеря» и «Мона Лиза», а также многочисленными изобретениями, намного опережавшими своё время, но так и оставшимися только на бумаге.
Кроме того, Леонардо да Винчи внёс немаловажный вклад в развитие анатомии, астрономии и техники.
9
Рафаэль Санти
Рафаэль Санти (28 марта 1483—6 апреля 1520) — великий итальянский художник и архитектор, работающий в эпоху Ренессанса, охватывающий период с конца XV и первые годы XVI века.
Традиционно Рафаэль считается одним из трёх великих мастеров этого периода, наряду с Микеланджело и Леонардо да Винчи. Многие из его работ находятся в Апостольском дворце в Ватикане, в помещении под названием станцы Рафаэля.
Среди прочих, здесь находиться самая знаменитая его работа — «Афинская школа».
8
Диего Веласкес
Диего Родригес де Сильва-и-Веласкес (6 июня 1599—6 августа 1660) — испанский художник, портретист, придворный художник короля Филиппа IV, величайший представитель золотого века испанской живописи.
Помимо, многочисленных картин, изображающих исторические и культурные сцены из прошлого, он написал множество портретов испанской королевской семьи, а также других известных европейских деятелей.
Наиболее знаменитой работой Веласкеса считается картина «Менины» (или «Семья Филиппа IV») 1656 года находящаяся в музее Прадо в Мадриде.
7
Пабло Пикассо
Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо (25 октября 1881—8 апреля 1973) — всемирно известный испанский художник и скульптор, основоположник направления в изобразительном искусстве — кубизм. Считается одним из величайших художников повлиявшим на развитие изобразительного искусства в XX веке. Экспертами, был признан лучшим художником среди живших за последние 100 лет, а также самым «дорогим» в мире. За свою жизнь Пикассо создал около 20 тыс. работ (по другим данным 80 тысяч).
6
Винсент Ван Гог
Винсент Виллем Ван Гог (30 марта 1853—29 июля 1890) — знаменитый нидерландский художник, приобретший известность лишь после смерти. По мнению многих экспертов, Ван Гог является одним из величайших художников в истории европейского искусства, а также одним из самых ярких представителей постимпрессионизма.
Автор более 2100 произведений искусства, в том числе 870 картин, 1 тыс. рисунков и 133 эскизов. Его многочисленные автопортреты, пейзажи и портреты являются одними из самых узнаваемых и дорогих произведений искусства в мире.
Наиболее известной работой Винсента Ван Гога, пожалуй, считается серия картин под названием «Подсолнухи».
5
Микеланджело
Микеланджело Буонарроти (6 марта 1475—18 февраля 1564) —всемирно известный итальянский скульптор, художник, архитектор, поэт и мыслитель, наложивший неизгладимый отпечаток на всю мировую культуру.
Самой известной работой художника, пожалуй, являются фрески на потолке Сикстинской капеллы. Среди его скульптур самыми знаменитыми считаются «Пьета» («Оплакивание Христа») и «Давид». Из произведений архитектуры — дизайн купола базилики Святого Петра.
Интересно, что Микеланджело стал первым представителем западноевропейского искусства, чья биография была написана ещё при жизни.
4
Мазаччо
На четвёртом месте в списке самых известных художников мира находится Мазаччо (21 декабря 1401—1428) — великий итальянский художник, оказавший огромное влияние на других мастеров.
Мазаччо прожил очень короткую жизнь, поэтому биографических свидетельств о нём немного. Сохранились лишь четыре его фрески, которые, без сомнения, являются работой Мазаччо. Другие, как полагают, были уничтожены.
Наиболее известной работой Мазаччо считают фреску «Троица» в церкви Санта-Мария-Новелла во Флоренции, Италия.
3
Питер Пауль Рубенс
Питер Пауль Рубенс (28 июня 1577—30 мая 1640) — фламандский (южнонидерландский) живописец, один из величайших художников эпохи барокко, известен своим экстравагантным стилем. Считался самым универсальным художником своего времени.
В своих работах Рубенс подчёркивал и воплощал жизненную силу и чувственность цвета. Он написал многочисленные портреты, пейзажи и исторические картины с мифологическими, религиозными и аллегорическими сюжетами.
Самой знаменитой работой Рубенса является триптих «Снятие с креста» написанный в период с 1610 по 1614 год и принёсший художнику всемирную известность.
2
Караваджо
Микеланджело Меризи да Караваджо (29 сентября 1571—18 июля 1610) — великий итальянский художник периода раннего барокко, основатель европейского реалистической живописи XVII века. В своих работах Караваджо умело использовал контрасты света и тени, фокусируясь на деталях.
Часто изображал простых римлян, людей с улиц и рынков в образах святых и мадонн. Примерами могут служить «Евангелист Матфей», «Вакх», «Обращение Савла» и др.
Одной из самых знаменитых картин художника считается «Лютнист» (1595), которую Караваджо называл наиболее удавшимся ему фрагментом живописи.
1
Рембрандт
Рембрандт Харменс ван Рейн (1606—1669) — знаменитый нидерландский живописец и гравёр, который считается величайшим и самым известным художником мира. Автор около 600 картин, 300 офортов и 2 тыс. рисунков.
Характерной его особенностью является мастерская игра с эффектами света и глубокими тенями.
Наиболее известной работой Рембрандта считается четырёхметровая картина «Ночной дозор», написанная в 1642 году и хранящаяся сейчас в Государственном музее Амстердама.
Живопись Англии: краткий экскурс в историю
Живопись Англии, как и вся ее культура, отличается сдержанностью, но при этом полна сюрпризов. Художники Великобритании не настолько известны, как, например, их голландские или итальянские коллеги, но англичане, несомненно, внесли огромный вклад в развитие живописи, обогатив не менее талантливыми и интересными работами.
Выдающиеся художники Англии
Одним из самых известных художников Англии 18 века был Уильям Хогарт. Творчество этого мастера открывает новый, самостоятельный путь живописи как искусства в Великобритании. Хогарт основал национальную школу живописи, которая со временем собрала много последователей.
Он также широко известен как создатель новых жанров в графике, талантливый иллюстратор и карикатурист. Картины Уильяма Хогарта пользовались большим успехом еще при его жизни, а король Георг II даже назначил его придворным живописцем.
Сегодня многим известны его много серийные картины «Модный брак», «Выборы в парламент» и «Четыре стадии жестокости».
Обратите внимание
Следующими на пути развития английской живописи стоят два молодых ученика Хогарта – Рейнольдс и Лауренс. Они стали основателями портретного искусства в Англии, а Рейнольдс даже был назначен первым президентом Королевской академии художеств.
Немного позже, в середине 18 века, популярными становятся полотна с пейзажами. Самым искусным мастером в данном жанре был Томас Гейнсборо. После него в этом жанре также прославились Вилке, Лэндсир, Муррэй и другие.
Одним из излюбленных материалов стала акварель, которая давала возможность создать легкие и прозрачные образы. Также особое развитие получили и батальные сюжеты ввиду участия Англии во многих войнах. Среди создателей исторической живописи стоит упомянуть о В. Кастлэке и Дж.
Ромни с его знаменитой картиной «Смерть генерала Вулфа».
Направления в английской живописи
Развитие английского искусства отличается от стандартной поэтапной смены стилей европейской традиции. В несколько запоздалой, но все же стремительно менявшейся истории живописи Англии нет четких границ и рамок, обозначающих начало или конец того или иного периода, точно так же здесь не найти стилей в чистом виде.
Зарождение национальной школы живописи в 17-18 веке обусловлено промышленной революцией в стране, а вот на художников-пейзажистов вместе с развитием реалистического искусства во многом повлиял значительный культурный рост английского общества в 19 веке.
Вторая половина этого же столетия подарила миру творчество эпохи «Братства прерафаэлит». Члены этой организации были ярыми противниками буржуазной культуры и приверженцами искусства раннего Возрождения.
Братство оказало мощное влияние на всех последующих художников, отодвинув на второй план академичность и консервативность, которую одобряла Королевская академия художеств.
Это дало шанс многим молодым художникам Англии выйти за рамки привычного и начать создавать современные сюжеты, максимально приближенные к реальности, в которой они жили. Благодаря «Братству прерафаэлитов» в Англии стал развиваться символизм и модернизм – как протест против консервативного подхода Королевской академии.
10 художников, которые покорили цвет
Яркие пятна, брызги света, искрящийся воздух — эти художники видят мир трогательно красивым и восхитительно цветным.
Предлагаем взглянуть на мир глазами этих волшебников. Вашему вниманию подборка картин современных импрессионистов, мастерски владеющих цветом и светом.
Цвиатко Кинчев
© Tzviatko Kinchev
© Tzviatko Kinchev
© Tzviatko Kinchev
Работы болгарского художника Цвиатко Кинчева в стиле импрессионизма — это цифровая живопись: они выполнены на компьютере, в программе Photoshop. Невероятно сочные творения художника подчеркивают красоту и яркость окружающего мира.
Вильям Хенритс
© Willem Haenraets
© Willem Haenraets
© Willem Haenraets
Голландский художник Вильям Хенритс работает акварелью, акрилом и пастелью. Его творения — это удивительная нежность, звенящий воздух, которым дышат его краски, его изящные линии. Работы Вильяма известны во всем мире в виде высококачественных постеров и литографий.
Юрий Петренко
© Юрий Петренко
© Юрий Петренко
© Юрий Петренко
Юрий Петренко родился в Сочи. Профессионально занимается живописью около 20 лет. Сочные цвета, милые домики, корабли и море. От его картин веет жарким солнцем и соленым ветерком. Работы находятся в частных коллекциях практически во всех странах мира.
Овик Зограбян
© Овик Зограбян
© Овик Зограбян
© Овик Зограбян
Армянский художник Овик Зограбян появился на свет в семье известного художника и скульптора Никогоса Зограбяна. За характерными для импрессионизма штрихами проступает уникальный стиль самого художника. Его уютные цветные города, яркие домики наполнены солнцем и счастьем.
Линда Вайлдер
© Linda Wilder
© Linda Wilder
© Linda Wilder
Линда Вайлдер — канадская художница. Линда обожает писать пейзажи, а мастихин — один из любимых ее инструментов. Яркие, точные мазки, тонко подмеченные оттенки и линии — картины Линды есть в корпоративных и частных коллекциях в Канаде и по всему миру.
Кен Хонг Лунг
© Ken Hong Leung
© Ken Hong Leung
© Ken Hong Leung
Китайско-американский художник Кен Хонг Лунг тонко чувствует цвет и умеет передать магию покоя. Его рыбацкие деревни и пейзажи берегов стали сенсацией в художественных кругах Гонконга. Кен считается одним из лучших мировых художников-неоимпрессионистов. Его называют хозяином заколдованных пейзажей, мечтательных настроений и магических отражений света и цвета.
Йохан Мессели
© Johan Messely
© Johan Messely
© Johan Messely
Йохан Мессели живет и работает в Бельгии. Его картины отражают уютный мир тенистых провинциальных двориков, старинных калиточек и добрых окошек. Йохан умеет передать небрежными штрихами умиротворение и тихое счастье. Работает художник маслом и пастелями.
Джилл Чарук
© Jill Charuk
© Jill Charuk
© Jill Charuk
Джилл Чарук — современная канадская художница. Двадцать лет творила в индустрии одежды и интерьера. Она обожает утрировать цвета, усиливать контрасты. Ее яркие картины получили международное признание, они есть в коллекциях современного искусства в Северной Америке, Мексике и Европе. Джилл пишет в основном маслом и акрилом.
Леонид Афремов
© Леонид Афремов
© Леонид Афремов
© Леонид Афремов
Леонид Афремов — всемирно признанный художник-импрессионист. Уроженец города Витебска, Республика Беларусь. Художник использует мастихин, работает в основном масляными красками. Вдохновение, по его собственным словам, черпает из многочисленных путешествий. Леонид видит мир ярким, сочным и умеет поделиться своим чудесным видением.
Эжен Джей Папроски
© E. J. Paprocki
© E. J. Paprocki
© E. J. Paprocki
Эжен Джей Папроски родился в Чикаго. Большинство картин импрессиониста написаны на пленэре. Он любит быстро уловить суть, поймать настроение города и выплеснуть точно подмеченную эмоцию на холст. Некоторые картины художника находятся в стенах Белого дома, американских посольствах в Кувейте и Уругвае.
Новости : Какие известные художники покорили мир
10 наиболее ярких представителей современного наивного и псевдо-наивного искусства, которые не боятся нарушать сложившиеся стереотипы и поднимают данный жанр на совершенно новый уровень восприятия.
Наивное искусство – это форма визуального самовыражения, в которой художник испытывает недостаток художественного образования или намерено абстрагируется от него, предпочитая спонтанное, интуитивное создание произведений искусства, подобное детскому.
«Наивные» художники могут иметь профессиональное образование или нет, но определенно точно ими становятся только те, кто на всю жизнь остался чувствительным и мечтательным ребенком в душе.
Основными характерными особенностями этого необыкновенного направления в искусстве является преимущественное использование ярких цветов, высокая степень деталировки и несоблюдение канонов академического рисунка, вследствие чего получаются совершенно неожиданные результаты, поражающие даже самого разборчивого зрителя.
Важно
В большинстве своем «наивные» картины отличаются жизнерадостностью сюжетов, в которых господствует некая идиллия природы и человека, окружающей действительности и вымышленных миров. Мы собрали 10 наиболее ярких представителей современного наивного и псевдо-наивного искусства, которые не боятся нарушать сложившиеся стереотипы и поднимают данный жанр на совершенно новый уровень восприятия.
Эдди Хара (Индонезия)
Эдди Хара – художник из Индонезии, базирующийся в Швейцарии. Вдохновившись нео-примитивизмом, изучал детское искусство, что повлияло на формирование его стиля, обладающего наивным качеством исполнения и обилием ярких красок.
В большинстве своем работы Хары наделены юмором и радостью, чем вводят зрителя в состояние праздника. Вместе с тем, некоторые из его полотен связаны с трудными периодами его жизни, поэтому порой выглядят драматично или даже трагично. В начале карьеры искусство Хары не пользовалось интересом у коллекционеров.
Это было обусловлено тем, что работы художника радикально отличались от большинства творений его индонезийских коллег, живопись которых носит традиционный характер. Диковинные существа, изображенные на полотнах Хары, больше обязаны поп-арту, чем его яванской культуре.
Поддержание идеи веселья и беззаботности для Эдди являются важнейшими аспектами в искусстве, так как, по его словам, он создает его для того чтобы абстрагировать человека от ежедневных забот. Спустя некоторое время искусство художника все-таки завоевало любовь и признание.
Сегодня Эдди Хара – поп-икона современного искусства в Индонезии. Его работы были широко представлены на выставках в Китае, Нидерландах, Швейцарии и других странах.
Стэфан Фэлтон (США)
Стэфан Фэлтон закончил институт искусств в Сан-Франциско. Как и остальным художникам, представляющим жанр современного псевдо-наива ему не интересно создавать свои работы используя существующие нормы.
На первый взгляд может показаться, что искусство Стэфана Фэлтона чрезмерно просто, так как состоит из незамысловатых образов, представляющих собой цветные линии на крупных белых полотнах. Художник же ставит перед собой довольно понятную и четкую цель − разработать новый язык живописи. И его язык тотального минимализма в искусстве разрушает все существующие традиционные барьеры.
Фэлтон видит в своих картинах не просто символы и формы, но и действия. Одним из примеров его экспериментов является выставка «Это кит», впервые показанная в Париже в 2014 году и посвященная роману «Моби Дик».
Совет
Художник представил зрителям серию работ, на которых изображены основные события, разворачивающиеся в романе, образы кита, лодки, паруса, течения, волн, стрел, кинжала, гарпуна и чайки. При такой простой подаче, не содержащей абсолютно никаких отвлекающих факторов, художник обращает внимание зрителя на конкретные моменты, описанные в известном романе Германа Мелвилла.
Стейси Лавджой (США)
Стейси Лавджой из Портленда, штат Орегон, находит вдохновение в чопорных людях и создает свои работы с целью разбудить в них детей, мотивировать для поиска своей уникальной миссии. Художница получила признание благодаря неповторимому стилю, в котором гармонично слились жанр псевдо-наивного искусства, абстракции и футуризма.
Также на формирование уникального почерка оказало полученное архитектурное образование, которое находит явное проявление в прямых линиях и замысловатых формах, подобных футуристическим сооружениям. На первый взгляд картины художницы напоминают набор абстрактных фигур, но при детальном рассмотрении в них отчетливо читаются привычные образы перьев, растений, животных.
Создается ощущение, что работы мастера являются неким отражением привычного мира, увиденным в абстрактном зеркале. Работы Лавджой отличаются высокой интенсивностью цвета. Такого эффекта художница добивается с помощью особой техники, которая усиливает яркость красок и придает им характерное свечение.
По словам Лавджой, искусство возвращает ее во время беспечного детства, где все были счастливы и простодушны, именно этим состоянием художница делится со зрителями через свои уникальные работы.
Рафа Макеррон (Испания)
Художник-самоучка Рафа Макеррон в прошлом был профессиональным велосипедистом и обучался на физиотерапевта. Сейчас же он является признанным мастером, создающим свои работы под влиянием комиксов и искусства 1950-х и 60-х годов, обладателем сугубо индивидуального стиля.
Маккерона вдохновляют события и воспоминания, идущие из детства.
В своих картинах художник использует насыщенные краски, изображая длинноногих, чужеземных существ, которые, несмотря на некий драматизм, совсем не выглядят агрессивными, скорее невинными и уязвимыми, находящимися в состоянии самоанализа и рефлексии.
Художник также добавляет изображения трехмерных элементов и архитектурных форм, что создает сложные конструктивные пространства. Полотна Макеррона были представлены на многочисленных выставках, включая Art Miami. Художник является лауреатом премии в области живописи BMW.
Мисаки Каваи (Япония)
Обратите внимание
Работы японской художницы Мисаки Каваи, живущей в Бруклине, пронизаны абсурдными мотивами и гротеском. Художница поясняет это тем, что ее детство прошло в Осаке – центре японской комедии, жители которой даже плохие новости воспринимают с юмором.
Также карикатурный характер ее работ тесно переплетается с эстетикой и графикой, которые очень распространены в Японии и широко применяются в рекламе продуктов, афишах и вывесках.
В своих картинах Каваи исследует повседневные ситуации, изображая роботов, занимающихся тяжелой атлетикой, команду по спасению, состоящую из кошек, собак и людей с разноцветными лицами и др.
Такая комичная интерпретация окружающей нас действительности помогает зрителю по-новому взглянуть на мир и постараться рассмотреть в нем нечто большее, чем привычные образы, которые он ежедневно наблюдает.
Наиболее часто используемыми в работе художницы материалами является фольга, куски ткани, папье-маше, дерево и бумага. Стиль Мисаки Каваи можно охарактеризовать как современный псевдо-наив в сочетании с неоэкспрессионизмом, с вкрапленными в него элементами направления хета-юма – с японского переводящегося как «плохо-хорошо», и означающего, что с одной стороны работа выглядит примитивной, но при рассмотрении выполнена искусно и детализировано.
Жюль де Балинкюр (Франция)
Художник Жюль де Балинкюр известен своей способностью объединять совершенно разные предметы и пространства в единый сплоченный образ. В своих картинах он преимущественно поднимает темы политического, социального или религиозного характера и интересуется двоякими физическими и метафизическими свойствами окружающих нас образов.
Его работы делятся на два типа, порой передавая совершенно противоположные друг другу настроения. В одних мастер изображает абсолютную утопию и гармонию, другие же вселяют чувство хаоса. Полотна Балинкюра создаются с позиции постороннего, подвергая сомнению структуру власти, обнажая несправедливость и лицемерие, сохраняя при этом чувство юмора и самоиронии, что принесло ему известность.
Подход Балинкюра к живописи, основанный на народном искусстве, отличается непревзойденным сочетанием сразу нескольких направлений: абстракционизма, наива, поп-арта, фольклора. В своей работе художник применяет уникальные методы, смешивая традиционные масляные краски с аэрозольными, а также используя трафареты и другие материалы.
Важно
Для основы Балинкюр выбирает деревянные панели с зернистой фактурой, которой он добивается с помощью самостоятельно разработанной технологии.
Мари Джонcон-Харрисон (Швеция)
Несмотря на то, что Мари родилась в семье творческих людей, талант и тяга к созданию произведений искусства проснулись в ней в зрелом возрасте. Вдохновением послужил ее отец − скульптор, купивший будущей художнице необходимые инструменты и лично сделавший деревянную коробочку для их хранения.
На полотнах художницы разворачивается множество забавных сюжетов, которые всегда складываются в одну увлекательную историю и являются наивным отражением происходящего вокруг. Мари создает свои работы в традиционном жанре наивного искусства. Её полотна детализированы, но вместе с тем обладают простотой проработки и облегченностью образов.
Выбор художницей наивного стиля обуславлен её желанием наиболее красочно описать повседневные ситуации, вкрапив в них элементы юмора и ощущения легкости бытия. Мари считает, что даже самый простой предмет заслуживает пристального изучения, а человеческие эмоции являются безграничным источником вдохновения.
Помимо создания уникальных произведений искусства Мари Джонсон-Харрисон ведет арт-блог с названием «Наивный взгляд» (Naïve view). В нем художница делится подробностями творческого процесса с подписчиками со всего мира.
Евгений Лещенко (Украина)
Евгений Лещенко живет в городе Кривой Рог, считает себя отшельником. Писать яркие насыщенные картины художник стал еще в 1970-е, которые в то время не принимались арт-сообществом из-за нетрадиционности и чрезмерной наивности образов.
В поисках персонального стиля художник выработал свое собственное направление, в последующем назвав его «райский арт» (paradise art). Сложные узоры, переплетение геометрических форм, флоры и фауны, несчетное количество оттенков и ярких красок поражают высокой степенью деталировки, которая завораживает зрителя и дарит ему гармонию и умиротворение.
На своих оригинальных полотнах Лещенко изображает больших насекомых и рыб, разноцветные деревья, добрых животных − фантастический мир, который, по словам мастера, полностью отражает его внутреннее мироощущение. В работах художника гармонично сочетается сюрреализм и наивные образы.
Лещенко использует уникальную технику живописи, в которой сначала используется акрил, а потом, поверх него, масло. Каждое полотно обладает нарративной составляющей, которая легко читается при детальном рассмотрении работ художника.
Тэл Эр (Дания)
Совет
Художник Тэл Эр родился в Израиле. В детском возрасте переехал с родителями в Данию, мальчику было сложно адаптироваться в школе из-за необычного имени. Он нашел себя в занятиях живописью, что стало неким побегом из не приносящей удовольствия реальности.
Художник обучался в Королевской датской Академии изящных искусств, но, несмотря на это, его работы больше напоминают искусство аутсайдеров и детей, а также содержат в себе элементы экспрессионизма, символизма, фовизма и традиционных скандинавских мотивов.
Его авторский стиль проявляется в чрезвычайно красочных палитрах и игривых образах, а также постоянных экспериментах с различными медиа. Что не могло остаться незамеченным.
Куратора Музея Луизианы Андерс Колд, разглядев в Эре индивидуальность, пригласил художника с выставкой, повлияв на стремительное развитие его карьеры. Ярко выраженная особенность работ Эра заключается в том, что с одной стороны они легко читаются, а с другой − являются загадочными.
В них прослеживается дуальность образов, которые одновременно являются праздничными и зловещими, а насыщенные цвета всегда скрашиваются тяжелой тенью. Тэл работает с различными медиа, чаще всего останавливаясь на коллажах, скульптуре, инсталляции, живописи.
Сачио Икеда (Япония)
Основные особенности художницы Сачио Икеды – наличие чувства тонко подмечать прекрасное и способность с легкостью передавать едва уловимые моменты.
Рассматривая работы художницы, можно почувствовать дуновение ветра, шорох листвы и другие мелочи, которым в повседневной жизни не уделяется большого внимания.
Этот прием позволяет зрителю почувствовать себя главным героем произведений Икеды, перенестись в детство и вспомнить то прекрасное ощущение абсолютного восторга, беззаботности и любопытного отношения к окружающему миру.
Обратите внимание
Колористически богатые, практически лишенные черного цвета, полотна художницы тщательно проработаны и напоминают непосредственные образы, красочно переданные в аниме фильмах Хайяо Миядзаки. Цель Сачио Икеды – постоянно удивлять себя и сохранять свежий взгляд на окружающую действительность.
8 фактов из биографии акварели
Сегодня, выйдя на улицу, я обратила внимание на небо. Оно, уже такое осеннее, тяжёлыми тучами нависало над городом. Через час тучи немного рассеялись и появились голубые прозрачные облака, через которые пробивались лучи солнца.
Небо приобрело сложный цвет: где-то воздушный голубой, где-то тяжелый серый, где-то ярко золотой от света солнца.
В голове мелькнула мысль: “бросить бы все дела, взять акварельные краски и запечатлеть эту красоту!” И вот тогда я и решила поговорить с вами об акварели….
Чтобы все понимали, о чём идёт речь, обратимся к Википедии ? Она гласит, что Акварель – это живописная техника, использующая специальные акварельные краски, которые при растворении в воде образуют прозрачную взвесь тонкого пигмента, и позволяющая за счёт этого создать эффект лёгкости, воздушности и тонких цветовых переходов.
А теперь хватит умных определений, давайте обратимся к голосу нашего сердца:) Какие впечатления у Вас вызывают картины, написанные акварелью? Я вижу в них чистоту…Они настолько невесомые и лёгкие, будто наполненные воздухом изнутри! За это чувство я и люблю акварель:)
Хочу поделиться с Вами интересными фактами об этой технике:
1. Созданию акварели мы обязаны….Китаю! Она появилась в этой стране вслед за изобретением бумаги. Вскоре акварель стала популярна и в Японии. Она никогда не теряла своей популярности в этих странах. Акварелью рисовали на шелке, дереве и других материалах.
2. В Европе акварель появилась позже других видов живописи: только в XIII веке. Однако она чрезвычайно быстро развивалась и к 16 веке стала такой же популярной, как живопись маслом. Считается, что предшественниками акварельной живописи в Европе являются фрески, расписанные по сырой штукатурке.
3. Одной из самых знаменитых акварельных работ в мире является “Заяц” (1502 год) известного художника эпохи Ренессанса Альбрехта Дюрера. Этот мастер живописи внёс значительный вклад в развитие акварели на Западе.
4. Не всегда мастера акварели стремились к лёгкости и некоторой “размытости” при работе с акварелью. Вплоть до 18 века прорисовка деталей, в особенности переднего плана – была каноном, от которого не принято было отходить.
В конце 19 века два замечательных английских художника Томас Гёртин и Джозеф Тёрнер решили нарушить это представление о живописи. Они отходят от активной прорисовки переднего плана при работе с акварелью.
В их картинах присутствует та акварельная легкость и прозрачность, к которой мы стремимся сейчас.
5. В России акварель становится популярной только в 19 веке. Эта новая техника особенно привлекает аристократов и членов царской семьи, которые заказывают себе портреты у мастеров акварели.
Такие портреты можно было взять с собой в дорогу, легко перевезти из одного дома в другой, так как они были гораздо легче картин, написанных маслом на холсте, и достаточно неприхотливы.
Важно
Иметь свою коллекцию акварелей считалось признаком хорошего тона и благосостояния.
6. Если бы в составе акварельных красок не было бычьей желчи, то они бы скатывались в капли при рисовании, то есть не получился бы эффект красивого перехода одного цвета в другой.
7. В состав акварели входит мёд! Именно он делает акварель мягкой и позволяет ей оставаться в полужидком состоянии в течение достаточно длительного времени.
8. А вы замечали, что в профессиональных акварельных палитрах нет белого цвета? Да, белая краска бывает в детских наборах, но не в наборах для профессиональных художников. Для получения белых частей картины, мастера просто не закрашивают их. Этот приём только кажется простым на первый взгляд, на самом деле, он требует большого опыта и аккуратности!
Источники: http://blogproart.ru/
https://ru.wikipedia.org
http://samsebehudoznik.ru/index.php/other/28-interes
http://art.dubna.ru/facts/aquarelle.html
