Зачем разбираться в живописи или 3 истории о несостоявшихся богачах – все о живописи

Автор: abmusebloglogin · 12.11.2019

Table of Contents

Как научиться разбираться в живописи

Антонис ван Дейк (1599 – 1641)

Когда-то давно прочитал у американского писателя Курта Воннегута, что разбираться в живописи очень просто: для этого достаточно посмотреть один миллион картин.

Очень нравится эта мысль, до сих пор.

В самом деле, если все время смотреть и смотреть – даже просто глазами, не пытаясь ничего запомнить и «анализировать» – хорошую живопись, авангард, классику или халтуру (миллион – это очень много!) – то через какое-то время начнешь замечать картины, похожие друг на друга.

Сами собой начнут складываться какие-то группы, классы («о, это я уже где-то видел!»), появятся картины, которые захочется посмотреть чуть дольше (со временем начнешь их отличать) и те, в которых все ясно с первого взгляда.

Обратите внимание

Будешь отличать оригиналы от эпигонов (миллион – это очень много!) Примерно как фрукты-овощи человек ест с детства и отличает со временем абрикос от персика, антоновку от московской грушевки: только взглянул, понюхал – и все ясно. А когда ему дадут «обыкновенное» яблоко из магазина – то откусит его, удивится и положит на место.

(Конечно, если, нюхая яблоко, при этом не играть в тетрис, не отправлять смс-ки, не слушать что-то через наушники – если всерьез, по-честному нюхать).

Миллион – это очень много. Даже если большей частью в барахле роешься – все равно нет-нет, да и попадется что-нибудь стоящее, удивляющее, останавливающее глаз.

Это и есть вкус. Никакого ума тут не нужно. Чтобы разбираться в живописи – опыт гораздо надежнее, чем аналитические способности. Главное – посмотреть миллион картин (не 100, не 1000, а 1 000 000, тогда даже против воли усвоишь историю ИЗО. Миллион – это очень много).

А сколько, кстати, нужно времени, чтобы посмотреть миллион картин?

Допустим, мы смотрим на одну картину в течение 3,6 секунд.

Тогда, чтобы посмотреть миллион картин, потребуется 3 600 000 секунд.

Или 10 000 часов.

Или 2 000 дней (если смотреть живопись непрерывно по 5 часов в день).

Или 400 недель (два дня в неделю выходные)

Или 10 лет (16 недель отпуска, как у работников умственного труда).

Т.е., чтобы скоренько посмотреть миллион картин (по 3, 6 сек. каждую), потребуется 10 лет.

Я бы не советовал откладывать.

Если же этого визуального опыта нет, то никакой ум, никакая аналитика не сможет объяснить, почему одна картина лучше, а другая хуже (особенно если и тут и там женский портрет, всё более-менее похоже: там складки – и тут складки).

Нужно насмотреться, насмотреться и еще раз насмотреться, чтобы понять, чем еще картины отличаются кроме складок.

Александр Шилов (род. 1943 г.)

А то еси посмотрел в своей жизни 1000 картин, то запросто можешь и не знать художника Ван Дейка (просто не попался), и тогда с чем сравнивать? «Ну, так, вроде похоже…»

Кто из покупателей Ашана помнит, какая на вкус «антоновка» или «коричный»?

Как понимать картину

Многие думают, что изобразительное искусство — самое простое для восприятия из всех существующих искусств, но это далеко не так. Отсутствие труда, как, например, при чтении или длительном созерцании театрального действия, обманчиво.

Как правило, мы на бегу формируем своё мнение об увиденной нами картине, за доли секунды решая — нравится или нет. Я уже писал о том, что искусство и вообще интеллектуальная деятельность далеки от солёной рыбы, которая может быть кому- то не по вкусу.

Мы в первую очередь хотим изменить мир, ничего не меняя в себе. Рыбу подсолить, а картину заклеймить привычным «люблю — не люблю» и бежать дальше.

Важно

Многие ли задумывались над тем, что не простая эта простота, и одного взгляда мало, чтобы определить, какова ценность той или иной картины.

Картина — прежде всего плоскость, на которой показана имитация реального либо условного сюжета, и следует ли ориентироваться только на иллюзорность изображённого?

Вопрос на засыпку: надо ли есть нарисованную рыбу? Такую ли цель преследовал автор, пытался ли он нас обмануть, создав иллюзию реальности?

Многие думают, что творческий процесс — это лишь созидание, то есть подражание реальному миру. Но разрушение — тоже творчество, и кубизм Пикассо лучший тому пример. Разрушая форму, он творит, его образы неподражаемы, созданный им мир уникален.

Портрет Амбруаза Воллара, Пикассо.

Так ли легко понимать картины, как кажется на первый взгляд, и доступно ли изобразительное искусство для восприятия всем, кто мешает мух с котлетами, а картины с рыбой?

В отличие от кино, театра и других видов искусства, картина не существует во времени, то есть нам не нужно следить за действием, чтобы понять происходящее. Изображение на холсте статично. Простыми словами, картинка не движется, мы видим лишь остановленное автором мгновение, которое оцениваем сиюминутно, не вникая в детали.

Чтобы составить впечатление о фильме, нужно смотреть его целых два часа, а картина достойна одного взгляда. Довольно большой процент зрителей именно так и судит обо всём изобразительном искусстве.

Разве не так мы бежим по залам музея? Картины как слайды мелькают перед глазами, сливаясь в одну киноленту, а что в результате — каша из десятков образов, которые мы завтра и не вспомним.

В идеале музей следует посещать каждый раз ради одной картины, она сама по себе целый фильм, театральное представление, если хотите. Она достойна того, чтобы Вы уделили ей больше, чем одно мгновение.

Если говорить о классическом понимании изобразительного искусства, то картина имеет время и действие, которое она изображает, её сюжет развивается последовательно.

Совет

У картины, повторюсь, в её классическом понимании (мы сейчас не говорим о современном искусстве) есть вход в композицию и заданное автором движение. Зритель не просто созерцает сюжет, а движется по изображению так, как это задумал автор.

В картине есть как прошлое, так и будущее, мы с лёгкостью можем это представить, основываясь на том, что запечатлел художник. Конечно, всё это станет возможным, если мы перестанем относиться к изобразительному искусству как к самому лёгкому для восприятия.

Древние греки судили о мастерстве художника по тому, как он мог обмануть зрителя реализмом изображённого. В истории, рассказанной писателем Плинием Старшим (I в. н. э.), птицы путают изображённый виноград с реальным.

Будем ли мы сегодня восхищаться подобным сюжетом? Кто-то, конечно, будет из числа тех, кто путает рыбу с картиной и на бегу выносит суждения о тех или иных произведениях, но уверен, не все такие.

Возьмём, к примеру, меня, зачем далеко ходить? Меня не убеждает реалистично изображённый виноград, я не птица, мне этого мало. Восхищаться фотографичностью картинки в двадцать первом веке, по меньшей мере, странно.

Мне недостаточно того, что изображённый сюжет идентичен оригиналу. Я хочу видеть, а прежде всего, чувствовать, что переживал автор. Я хочу следить за тем, как он мыслит, как общается со зрителем, какие приёмы использует, технические и композиционные.

У меня есть и свои предпочтения, так как я живописец — это колорит, цвет. Это то, что меня завораживает. Подчеркну, именно цвет, а не краска, так как многие не видят никакой разницы. Следует обратить внимание, что живопись — это игра оттенков, а не раскрашенная колерами плоскость.

Меня восхищает и приводит в восторг дышащая цветом поверхность произведений мною любимых художников, я могу часами рассматривать фактуру на полотнах, источающих лёгкость и свежесть живописи.

Обратите внимание

Безусловно, мне интересно, почему автор выбрал тот или иной сюжет, что его побудило, и какую цель он преследовал. Мне импонирует открытость, честность художника и чуждо желание понравиться, приукрасить, угодить зрителю.

Я вижу в современной живописи чистый жанр, освобождённый от идеологических и угоднических смыслов. Для меня живопись самостоятельна, и порой мне достаточно одного только колорита, чтобы понять, почувствовать, сопереживать автору.

Конечно же, я пришёл к этому не сразу, тому виной годы творческого поиска и постоянно приобретаемые знания. Я писал, что все мы самоучки, иначе и быть не может. Мне трудно представить, что можно в какой- то момент завершить обучение и сказать, что мне достаточно знаний.

Именно в моих знаниях кроется нежелание быть обманутым, я не жду от художника идентичности изображаемого, мне важна его индивидуальность, его творческий язык, его честность.

Эти качества не может повторить ни одно техническое устройство.

Именно они уникальны и интересны зрителю подготовленному, которому близки, в первую очередь, свежие решения, а не заезженные штампы.

Вернёмся к поставленному нами вопросу — как понимать картину? Самое первое — остановитесь, уделите ей чуть больше времени, нежели обычно. Пережив эмоционально первое впечатление, задайте себе вопрос, какие задачи ставил перед собой автор и достиг ли он их?

Если картина сюжетная, историческая, концептуальная, Вам следует знать подтекст.

Важно

Помимо понимания сюжета Вам очень бы помогли принципы художественного видения, например, как автор манипулирует пятном на плоскости.

Обладая знаниями, Вы бы по-иному увидели мир, а знакомые ранее произведения открылись Вам заново.

Подведя итог, скажу, что художественного произведения без зрителя не существует, понимать картину — значит участвовать вместе с автором в её создании.

Конечно же, я не говорю, что Вам следует взять в руки кисти и что-то исправить или дописать.

Нет, участвовать — значит принимать содействие в предложенном автором ассоциативном ряде, считывать образы, видеть единство замысла и т.д.

Будьте внимательны к картине. В спешке можно так и не увидеть главного. Аппетит приходит во время еды, так и страсть к изобразительному искусству растёт по мере того, как Вы открываете новые горизонты там, где раньше стеной стоял туман непонимания.

Желаю всем творческих успехов и хочу напомнить, что на блоге в правом верхнем углу есть форма подписки. Рекомендую подписаться, будете в курсе обновлений блога.

Краткий экскурс в историю живописи

Живопись родилась практически одновременно с появлением самого человечества. Пещерный человек обрел способность ходить прямо, использовать орудия труда и обустраивать для себя элементарное жилище. Вместе с этим он почувствовал потребность изображать окружающий мир.

Первые рисунки были созданы примерно 30 000 – 10 000 лет до н.э. Их нашли археологи в пещерах на Юге Франции и в Испании. Древние художники рисовали то, что видели вокруг себя – животных, природу, сцены сражений.

Уже в те времена они использовали некоторое подобие красок, которые делали из природных материалов, и кисти из волоса животных.

Вслед за периодом древности пришел античный период. Живопись продолжала развиваться. В это время ее рассматривали как нечто общее с другими эстетическими направлениями – скульптурой, архитектурой. Произведения искусства использовались для украшения жилищ, религиозных и погребальных центров. В период античности зародились многие приемы живописи – объемно-пространственное изображение, принцип светотени, элементы перспективы. Следующий значимый период в истории живописи – Средневековье. В эту мрачную эпоху любые направления искусства были связаны с религией. Однако полотна, написанные в том время, поражают нас и сегодня своей экспрессией, игрой цвета, выразительностью очертаний. Символика – также характерная черта средневековой живописи. Более поздние художники, чье творчество было связано с иконописью и другими религиозными мотивами, черпали вдохновение именно в этом периоде.

На смену мрачному Средневековью пришел светлый период Ренессанса – эпохи Возрождения. В это время появляется множество новых техник и необычных веяний в живописи. Портрет и пейзаж становятся самостоятельными жанрами. Появляются новые приемы выразительности, которые художники используют для отображения внутреннего мира человека, его эмоций.

Женский портрет (эпоха Ренессанса)
В 17 – 18 веках живопись становится еще более серьезным искусством. Это период, когда католическая церковь утрачивает свои позиции. Ее безраздельное господство ставится под сомнение. Художники начинают все больше обращаться к реальным образам. Они рисуют людей, природу, бытовые сцены и события повседневной жизни. В это время формируется ряд направлений авторской живописи – маньеризм, барокко, рококо, классицизм. Появляются национальные школы в Италии, Нидерландах, Германии, России и других крупных странах. В 19 веке изобразительное искусство становится принадлежностью развитого общества. Особенности того или иного направления живописи зависят от настроений в массах. Появляется романтизм – стремление к идеалу и совершенству. Позже на смену ему приходит импрессионизм – более реалистичный, беспристрастный, эффектный.

С приходом технического прогресса в 20 веке, глобально меняется и живопись. Техничность, жесткость форм, некоторое утрирование – вот характерные черты направлений, возникших в начале столетия. Абстракционизм, авангардизм, андеграуд – это течения, которые относятся к абстрактной живописи.

Совет

К концу 20 века и по сегодняшний день в живописи продолжают происходить изменения. С одной стороны – это появление инновационных цифровых технологий, позволяющих создавать уникальные современные произведения.

Но современные художники не менее охотно обращаются и к истокам – масляной и акварельной живописи, потому как классическое искусство, созданное при помощи кисти красок и холста, и по сей день не утрачивает своей актуальности.

Почему важно разбираться в искусстве

Почему важно разбираться в искусстве и как это помогает в путешествиях, об общении с детьми и выборе своего стиля рассказала Анна Пожидаева, кандидат искусствоведения, доцент кафедры Всеобщей истории факультета истории искусства РГГУ и преподаватель курса История искусств в Школе Seasons of life

Умение видеть

Многие обладают природным вкусом, но не знают об этом, потому что их «видящий» глаз дремлет. Нужно его будить. Как? Дать ему альтернативу: показать пятьсот картин, объяснить, чем они отличаются и в чем сходны, рассказать об их значении.

Помочь не только понять, но и прочувствовать значительность того, что кажется абсолютно условным. Только альтернатива способна открыть, возможно, спящий, но способный отличать прекрасное глаз. Она дает шанс полюбить то, что выглядело несуразным и бессмысленным, потому что просто было непонятным.

Нельзя полюбить Бетховена, если всю жизнь слушал только игру на гармошке. Чтобы его полюбить, необходимо слушать.

Причем слушать систематически, с нужным объяснением. Тогда появится симпатия, а может, впрочем, и не появится, но зато можно будет с уверенностью сказать, что предпочитаешь игру на гармошке — с уверенностью, потому что знаком и с другой музыкой.

Парадигмы узнавания шедевров нет, и нельзя за несколько занятий стать профессионалом-антикваром, но знакомиться с историей искусств необходимо хотя бы для того, чтобы понять, что действительно нравится, чтобы полюбить неожиданно для себя Андреа Палладио и Джованни Беллини, когда казалось, что симпатию вызывали только шишкинские «мишки».

Этот приобретенный вкус, конечно, не будет пылиться в ожидании того, пока вы решите купить домой картину. Он незаметно станет помогать в обустройстве дома, выборе ресторана для ужина и даже во время шоппинга.

Воспитание детей

Разбираться в искусстве — значит иметь возможность развить вкус и у ребенка. Дети впитывают то, что их окружает. Все, что они видят в детстве, вспоминается потом с нежностью. Поэтому важно следить за тем, чтобы то, что они видят и слышат, было прекрасным не только в их восприятии.

Знакомить детей с сюжетами мирового искусства можно с полуторогодовалого возраста.

Обратите внимание

Сложные семейные отношения греческих богов и основы христианской морали могут сперва показаться сложными для детского восприятия. Но это не так. Фрески Джотто, например, станут прекрасными иллюстрациями к евангельским рассказам.

В них нет наводящего страх натурализма северного возрождения или эмоциональности барокко, но есть по-настоящему детская целомудренность, серьезность, а главное — понятность и занимательность.

С населением античного пантеона детей знакомьте по пересказам Николая Куна, иллюстрации к которым легко подобрать самостоятельно. Например, на сайте theoi.

com, где есть роскошная подборка греческих и римских памятников, прежде всего вазописи и мозаики на все мифологические случаи.

А еще устройте экскурсию в мир мифов по экспонатам музеев.

Сложно, конечно, найти человека, который может долго удерживать внимание ребенка. Но только если этот человек не вы сами!

Никакой экскурсовод так не увлечет ребенка, как мама или папа, рассказывающие увлекательные истории о том «огромном белом дяденьке».

Скульптуру, кстати, смотреть исключительно в музее, не на компьютере. Там интереснее: они большие и завораживающие.

Свобода путешествий

Путешествовать по Европе, не зная ничего об античном и средневековом искусстве — все равно, что ходить по музею с закрытыми глазами.

Важно

Некомпетентные туристические агентства строят маршруты, руководствуясь своими интересами, которые не совпадают с интересами нашими, о которых, правда, мы очень часто просто не знаем. Едем, куда везут, смотрим, куда показывают.

Человек подготовленный вряд ли будет тратить время на протоптанные туристами тропинки.

Чтобы посмотреть, например, на французскую готику, он не станет толпиться у Нотр-Дама, а отправится в Сен-Кантен, Амьен, Нуайон, Бове, Санлис, Суассон и Санс (все недалеко от Парижа), соборы которых ни в чем уступают пристанищу Квазимодо. Знакомство с Замками Луара для него не будет ограничено Шомоном и Шенонсо (есть еще Тавант, Пуатье, Гартанп, Амбуаз, Сомюр, Блуа — и это даже не половина).

Юг Франции перестанет быть только морем, Марселем и Ниццей, а откроет старые римские города Арль, Ним, Фрежюс, Камарг, с массой антикизирующих памятников и, конечно, Авиньонсий дворец, где больше ста лет жили Папы.

Итальянской романтикой же он поедет любоваться на север Италии: из Милана в Венецию через Павию, Модену, Парму, Феррару и Брешиа. И для него не секрет, что в Венецианской лагуне, кроме острова Мурано, куда все отправляются за стеклом, есть еще Бурано и Торчелло, где византийские памятники и мозаики сохранились лучше, чем в самом Константинополе.

Сам себе экскурсовод

Средняя экскурсия — рассказ назывного жанра: «посмотрите налево, посмотрите направо, это написано в таком-то году таким-то художником, а это таким-то в таком-то». Мы смотрим на картины, может быть, даже запоминаем авторов и время создания, но эти знания повисают в воздухе и быстро улетучиваются.

Знание истории искусств дает возможность понять, что любая картина встроена в исторический контекст, что у живописи в разное время были разные функции.

Рассматривая картину на музейной стене, нужно понимать, для какого места ее создавали: алтаря, светской комнаты, выставки или для эпатажа.

Совет

А как приятно уметь восстанавливать среду, в которой произведение искусства было создано. Знать, где вырос заказчик картины, чего он требовал от художника, как этот художник работал: в чем он был ограничен, а в чем свободен.

Все знают, что был когда-то Леонардо, и что он написал Джоконду.

Но почему именно ее? Почему именно в начале XVI столетия? Почему люди не писали таких картин за сто лет до него и почему перестали через сто лет после? А главное, почему в голове не осталось ничего из того, что вы когда-либо слышали и читали об этом? Ответ прост: знания об искусстве нуждаются в системе (основные реалии, периодизация, история) — в сетке, «ячейки» которой легче заполнить конкретными знаниями. Зная основу (достаточно просмотреть конкретные факты), вы сможете отделиться от группы и провести куда более занимательную персональную экскурсию для своих друзей.

Увидеть связь

Хочется «читать» картину — чтобы ее детали говорили, чтобы персонажи оживали и рассказывали о себе, раскрывая символические и не очень смыслы. А это невозможно без понимания и узнавания сюжетов.

Классическое искусство, на самом деле, практически целиком посвящено либо библейским сюжетам, либо мифологическим. Важно научиться увидеть разницу в том, как они подаются, как их видят художники разных эпох.

Проследив метаморфозы сюжета во времени, не сложно становится извлекать смысл и вникать в задумку автора.

Желание уметь отличать стили и знать их последовательность тоже заставляет нас обратиться к истории искусств.

Греческий храм — это не только колонны и фронтон, это и скульптуры внутри, и посвященный Афине гимн, и одежда жрицы, и роспись вазы, которую она несет в руках. Так же как модерновый особняк — это и стихотворение Блока, и картина Врубеля.

Все, от витража до шпильки в волосах дамы, которая входит в это здание, все связано одним общим чувством стиля определенной эпохи.

Понимание этого,умение увидеть общее и объединяющее все произведения искусства, созданные в это время, даст возможность по-новому посмотреть на фасад, мимо которого ходишь каждый день или раскрыть с неожиданной стороны любимую читанную-перечитанную книжку.Обратите внимание

Стоит ли говорить об искусстве современном, которое настолько аллюзивно, что понять его без бэкграунда практически невозможно.

Развенчание мифов

Знание истории искусств позволяет критически смотреть на информацию: отличать ценные знания от того, что можно воспринимать как игру и фантазию.

Изучение истории искусств – это хорошая прививка от всякого рода вульгарных, оккультных теорий.

Человек, который прикоснулся к гуманитарному знанию, уже никогда не поверит, что при помощи радиоуглеродного анализа (теория новой хронологии Фоменко) можно фальсифицировать историю. Он понимает, что у истории есть еще тысяча средств, доказать свое поступательное развитие.

Прослушав несколько лекций по истории искусств, можно сшибить одним пальцем все теории популярного Дэна Брауна.

К примеру, он говорит, что в «Тайной вечери» Леонардо Иоанн это женщина, и скорее всего, Мария Магдалена. Стоит посмотреть еще десять тайных вечерей, которые были до Леонардо и почитать кусочек из Евангелия, как сразу станет ясно, что поза и внешность Иоанна абсолютно обусловлены традицией. И что Леонардо здесь вообще не сделал никакого открытия.

Теория эта, построенная на неправильной посылке, упадет под взглядом человека, хоть чуть-чуть знакомого с ренессансом.

Узнать историю искусств — это заставить заговорить до этого полностью немой мир, увидеть прекрасное в обыденном и несуразном.

Важно

Понять не только причудливое прошлое, но и кажущуюся ясной современность, в которой так много посланий и символов мудрых праотцов.

10 способов понять любую картину

“Что хотел сказать автор?” – наверняка, каждый хотя бы раз задавался этим вопросом. Sayhi делится опытом и представляет 10 способов понять любую картину.

Мы уже писали о том, как узнать художника по стилю. Теперь поговорим о расшифровке картин.

Прочитайте название. Подойдите максимально близко к изображению. Всмотритесь в мазки, особенно, если это масляная фактурная живопись. Затем опять отойдите на некоторое расстояние, чтобы смог сложиться целостный образ для удобного восприятия. Далее следуйте нашей инструкции.

1. Узнайте год написания картины, биографию художника и направление, в котором он работал.

Тогда станет понятно, почему автор выбрал именно эту тему и сюжет, как отразились исторические события в произведении.

2. Отметьте «точку входа» в картину

Это место, на которое сразу падает взгляд, с него начинается осмотр произведения. “Точка входа” несет важную эмоциональную и смысловую нагрузку. Все знают картину А.И. Куинджи “Лунная ночь на Днепре”. Луна – “точка входа”, главный образ и центр картины.

3. Прислушайтесь к своим эмоциям.

Посмотрим на гравюру Альбрехта Дюрера “Меланхолия”. Что Вы чувствуете? Горе, печаль, уныние – меланхолию. Анализируя работу, мы видим, что перед нами 3 уровня познания. Двигаемся из правого нижнего угла влево: гвозди, пила, линейка – символы ручного труда.

Завершает “физический уровень” шар – в XV веке вершина мастерства рабочего. Смотрим в центр картины: ангел читает книгу, перед нами уровень познания. И, наконец, верхний уровень – истина и просвещение, к котором приходит автор. Чем больше знаешь, тем глубже видишь. Многие знания преумножают скорбь – вот причина душевной раны девушки.

Но о душевной ране мы понимаем и из эмоционального анализа картины.

4. Мысленно начертите диагонали картины.

Просто выделите главные образы и проведите линии сквозь них. Получился крест? Отлично! Перед Вами смысловой центр картины, обычно в него вкладывается важный смысл. Теперь смотрите на композицию.

Какая геометрическая фигура лежит в изображении? Круг – символ гармонии, бесконечности, космического единства. Квадрат – 4 стихии, мистическая символика земли.

Треугольник – единство, жизнь, триада богов (Отец, Сын, Святой Дух), воскрешение.

Смысловые диагонали в картине Сурикова “Вид памятника Петру I на Сенатской площади в Санкт-Петербурге”

5. Присмотритесь к пропорциям.

Соблюдены ли они? Если нет – это авторский акцент. Посмотрим на “Скачки в Эпсоме” Жерико. Художник удлиняет тела лошадей, чтоб подчеркнуть их скорость.

6. О чем говорит колорит или цветовая гамма?

У каждого цвета есть значение, смысл. До начала XX века цвет связан с формой: яблоко красное или желтое, море синее, облака белые или серые.

Казимир Малевич своим “Черным квадратом” совершает революцию. Теперь цвет самодостаточен, он имеет самостоятельное содержание. Появляется целое направление – супрематизм.

Например, красный – страсть, динамика, кровь, революция. Голубой – спокойствие, чистота, небо.

7. Обратите внимание на время дня и года.

Зима символизирует застой, возможно, смерть. Весна – начало жизни, надежда. Ночь – всегда тайна, мистика, чувственность.

8. Всмотритесь в сюжет.

Видите библейский, литературный или исторический контекст? Узнайте всю историю. Это крайне важно для понимания картины.

9. Расшифруйте аллегории.

Просто перечислите все образы картины: ночь, луна, дым, скалы и подумайте, что значит каждый из них. Воспользуйтесь справочной литературой, например, словарем символов Трессидера.

10. Исследуйте картину на наличие надписей и чисел.

Ни один художник не будет рисовать слова и числа просто так. Переведите непонятные выражения, узнайте, что значит каждое число. Ведь вы знаете, что каждое число имеет скрытый смысл? Все часы Сальвадора Дали, например, показывают 6 часов. А 6 – это совершенство, истина, удача.

Краткая история живописи

Подобный материал:

Краткая история живописи, 99.09kb.
Врассказе «Краткая история парикмахерского дела», 191.64kb.
Вальтер Беньямин краткая история фотографии, 762.75kb.
Лазарев в. Н. История византийской живописи, 7261.89kb.
Библиографический указатель книг, поступивших в библиотеку, 514.67kb.
Азимов Айзек Краткая история биологии. От алхимии до генетики, 1588.97kb.
Гусейнов А. А., Иррлитц Г. Краткая история этики, 332.7kb.
Программы кандидатских экзаменов «история и философия науки» («История науки») «Науки, 50.92kb.
Серия “Всемирная история живописи” приглашает совершить увлекательное путешествие, 46kb.
План: Введение стр История государства Египет стр Религия Древнего Египта стр Смерть, 154.57kb.

История живописи началась тогда, когда человек впервые что-то изобразил на первой попавшейся ему поверхности при помощи краски. Скорее всего, произошло это еще до того, как он в полной мере осознал себя человеком.

И поскольку все время, пока человечество развивалось, его сопровождала живопись, то описать всю историю живописи в одной короткой статье – задача, сложность которой граничит с невозможной. Поэтому эта статья ни в коем случае не претендует на всеобщий охват всемирной истории живописи.

Наша скромная цель будет достигнута, если изложенное ниже разожжет в читателе искренний интерес, который он сможет удовлетворить с помощью разнообразной доступной литературы.

Живопись

Однако прежде чем разбираться в перипетиях истории, давайте выясним, что такое живопись. БСЭ дает такое определение:

^ Живопись, – вид изобразительного искусства, художественные произведения, которые создаются с помощью красок, наносимых на какую-либо твёрдую поверхность.

Толковый словарь русского языка Ушакова краток:

^ Живопись, – искусство изображать предметы красками.

Малый энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона наоборот, многословен:

Живопись, – искусство изображать предметы на поверхности красками, с целью произвести на зрителя впечатление, подобное тому, какое он получил бы от действительных предметов природы, также совокупностью и характером изображаемых предметов вызвать в зрителе определенное настроение или выразить какую-либо художественную идею.

Ну а если не вдаваться в подробности (и не говорить об этом искусствоведам), то живопись – это все, изображенное красками на чем-то твердом, и представляющее собой хотя бы какую-то художественную ценность. Последняя оговорка говорит о том, что намалеванная на заборе краской похабщина, увы, живописью считаться не может.

Петроглифы

Как мы уже говорили вначале, живопись появилась в тот момент, когда первое человечество впервые что-то изобразило на твердой поверхности. Поскольку в начале своего развития люди обитали в пещерах и скалах, то и первые произведения живописи были сделаны именно там, при помощи подручных средств.

Такие изображения называются наскальной живописью, или петроглифами. Техника первобытных художников может показаться примитивной, но с другой стороны не стоит забывать о том, что те, кто их рисовал, вполне могли быть предками homo sapiens, а потому наскальная живопись является еще и примером эволюции человека.

В качестве красок использовались минеральные красители – в основном, разноцветная охра и окиси марганца. Петроглифы отражаются разнообразием сюжетов, начиная от охоты, и заканчивая ритуальными и мемориальными мотивами. Наиболее часто встречаются изображения животных.

Наскальная живопись Испания, пещера Альтамира

Живопись Древнего Египта

Однако шло время, и развивалось человеческое общество. Следующим этапом развития после первобытной стала древнеегипетская цивилизация, внесшая неоценимый вклад во всемирную историю живописи. Яркой особенность живописи Древнего Египта была преданность традициям предков и соблюдение определенных художественных принципов.

История живописи Древнего Египта во многом испытывала большое влияние со стороны религии. Более того, тогдашнее искусство вообще трудно отделить от религии, и большая часть сохранившихся памятников египетской живописи имели религиозное назначение.

Поэтому их авторам приходилось следовать определенным устоявшимся канонам, которые происходили из ряда условностей первобытного искусства.

Примерами этого являются изображения предметов и животных, невидимых ни зрителю, ни художнику, но которые определённо могут присутствовать в данной сцене (например, рыбы и крокодилы под водой); изображение предмета с помощью схематического перечисления его частей (листва деревьев в виде множества условно расположенных листьев или оперение птиц в виде отдельных перьев); сочетание в одной и той же сцене изображений предметов, сделанных в разных ракурсах (например, птица изображалась в профиль, а хвост сверху; у фигуры человека — голова в профиль, глаз в фас, плечи и руки в фас, а ноги — в профиль). Разумеется, наличие такой строгой системы канонов потребовало создания того, что через несколько тысяч лет назвали бы «руководством для художника». И такие письменные свидетельства обнаружились. Однако позднее соблюдение канонов сыграло консервативную, тормозящую роль, мешая развитию реалистических тенденций.

2. Фрагмент росписи гробницы Тутанхамона. Египет, ок 1450 г. до н.э.

Живопись Древней Греции

Шло время, и египетская цивилизация пришла в упадок. Как все прекрасно помнят, на смену ей пришла древнегреческая, и это не могло не отразиться на истории мировой живописи. Специфика древнегреческого искусства отчасти состоит и в том, что греки предпочитали использовать для росписи керамический изделия.

Поэтому часто древнегреческую живопись называют еще вазописью. Древние греки далеко продвинулись в направлении реалистической живописи. Открытое ими искусство светотени позволило наполнить произведения живописи невиданным доселе объемом и чувственностью, и оказало большое влияние на историю развития живописи.

Первым, кто стал использовать новую технику, был Аполлодор Афинский, за что ему было дано прозвище Тенеписец. За ним последовали другие известные живописцы, применившие этот прием: Зевкеис, Паррасий и Тиманф.

Их творчество по сравнению с обычной графикой наполнено эмоциональностью, однако, несмотря на это, монументальная живопись не получила такого распространения, как вазопись. Техника вазописи была достаточно проста: изделия из глины покрывались орнаментами и разнообразными сюжетами.

Изначально использовался только черно-фигурный стиль, который представлял из себя черные изображения на красном фоне (обожженная глина). Позднее появился красно-фигурный (чернолаковый) стиль, в котором черным лаком наносился фон между росписями, а сами фигуры оставались цвета глины, на которой это все изображалось.

Все рисунки были плоскостного, графического характера. Рисунки на вазах расширяют наше представление о греческом искусстве, интерьерах, быте, костюмах людей, об особенностях видения мира.

^ 3. Чернофигурная аттическая амфора Живопись Древнего Рима.

Говоря о всемирной истории живописи, нельзя не рассказать об искусстве Древнего Рима. Завоевательных характер римской политики привел к тому, что в древнеримском искусстве оказались переплетены художественные традиции многих народов. Кроме того, в отличие от греков, прагматичные римляне относились более прозаически к искусству. Особенностью искусства Рима является его теснейшая связь с жизнью. С перенесением акцента на интерьер и появления парадных комнат в римских домах и виллах на основе греческой традиции развивается система высокохудожественных росписей. Помпейские росписи знакомят с основными чертами античной фрески. Римляне применяли роспись также для украшения фасадов, используя их как вывески торговых помещений или ремесленных мастерских. В истории живописи Помпейские росписи принято делить на 4 группы, условно называемыми стилями. Первый стиль, инкрустационный, распространенный во 2в. до н. э. Имитирует облицовку стен квадратами разноцветного мрамора или яшмы. С 80-х годов 1в. до н. э. применялся второй стиль – архитектурно-перспективный. Стены оставались гладкими и расчленялись живописно – иллюзорно исполненными колоннами, пилястрами, карнизами, и портиками. Интерьер приобретал парадность благодаря тому, что между колоннами часто размещалась большая многофигурная композиция, реалистически воспроизводившая сюжеты на мифологические темы, из произведений знаменитых греческих художников. Тяготение к природе, присущее римлянам, побуждало их иллюзорно воспроизводить на сценах с помощью линейной и воздушной перспектив пейзажи и тем самым как бы расширить внутреннее пространство помещения. Третий стиль, оритезирующий, характерен для эпохи империи. В противоположность пышности второго стиля, третий стиль отличается строгостью, изяществом и чувством меры. Уравновешенные композиции, линейный орнамент, на ярком фоне, подчёркивают плоскость стены. Иногда выделяется центральное поле стены, где воспроизводятся картины какого-нибудь знаменитого древнего мастера. Четвёртый декоративный стиль распространяется в середине 1-ого в. н.э. Пышностью и декоративностью пространственно-архитектурного решения он продолжает традицию второго стиля. Вместе с тем богатство орнаментальных мотивов напоминает росписи третьего стиля.

4. Древнеримская фреска.

История русской живописи

Говоря об истории развития живописи, нельзя не упомянуть о русской живописи. Исследователи считают, что корни русской живописи лежат в традиция восточнославянского народа, который был хорошо известен в Европе VI в. И назывался анты.

Как и все прочие государства Европы, ко второй половине XI столетия Русь пережила период национальной раздробленности, и именно тогда русское искусство приобрело свои неповторимые, характерные черты.

Искусство Киевской Руси находилось на достаточно высоком уровне, однако его трудно назвать самобытным, поскольку, приняв крещение в X столетии, князь Владимир заодно позаимствовал и художественные традиции Византии, которые причудливо переплелись с языческими художественными принципами.

Конечно, восточные славяне обладали высокоразвитой культурой, а потому византийские традиции достаточно быстро видоизменялись в соответствии с исконными русскими. Собственно русское искусство развилось из византийско-русского искусства Киевской Руси. Далее оно развивалось как искусство отдельных княжеств, отделившихся от галицко-волынских, ростово-суздальских и новгородских земель.

Совет

К XII столетию русское искусство можно считать сложившимся окончательно. Увы, но развитие русской живописи сильно затормозилось из-за тяжелого татарского ига, продлившегося более трехсот лет. Новый подъем в истории русской живописи начался в XV столетии, когда большинство земель объединилось вокруг Москвы. Этот век часто называют золотым веком древнерусского искусства.

В это время были созданы произведения, которые стали классическими образцами московской школы. Развитие русской культуры происходило по пути, общему для стран Европы. Как на Западе, так и на Востоке живопись являлась, прежде всего, церковной, поэтому в первую очередь это иконопись и монументальная живопись – фрески. Русская иконопись унаследована приемы византийских мастеров.

В то же время на Руси зародились свои традиции. Русские иконы не были простой имитацией, но имели свой собственный стиль, а такие мастеры как Андрей Рублёв подняли уровень иконописи на новые высоты. Первые реалистические портреты появляются в России в XVII веке, в середине-конце XVIII века в России появляются такие крупные живописцы, как Левицкий и Боровиковский.

С того времени история русской живописи следовала общемировым тенденциям. Выдающиеся художники первой половины XIX века стали Кипренский, Брюллов, Иванов («Явление Христа народу»). Во второй половине XIX века произошёл расцвет реалистической живописи. Было основано творческое объединение российских художников «Товарищество передвижных художественных выставок (Передвижники)», в которое входили такие великие художники, как Васнецов, Крамской, Шишкин, Куинджи, Суриков, Репин, Саврасов.

5. Картина Васнецова «Богатыри».

Разумеется, история искусства не исчерпывается тем, что мы рассказали. Шло время, и менялась история. Человеческая цивилизация развивалась, а вместе с ней развивалось и живопись. Средневековье, Эпоха Ренессанса, Реформации, Новое и Новейшее время принесли много новых стилей и течений в живопись. К счастью, в настоящее время издается множество литературы, в которой можно найти подробный рассказ о каждой из этих великих эпох.

Вифания – Как научиться разбираться в живописи

Антонис ван Дейк (1599 – 1641)

Очень нравится эта мысль, до сих пор.

Обратите внимание

Будешь отличать оригиналы от эпигонов (миллион – это очень много!) Примерно как фрукты-овощи человек ест с детства и отличает со временем абрикос от персика, антоновку от московской грушевки: только взглянул, понюхал – и все ясно. А когда ему дадут «обыкновенное» яблоко из магазина – то откусит его, удивится и положит на место.

(Конечно, если, нюхая яблоко, он при этом не играет в тетрис, не отправляет смс-ки, не слушает что-то через наушники – если всерьез, по-честному нюхает).

Это и есть вкус. Никакого ума тут не нужно. Чтобы разбираться в живописи – рефлексы, опыт гораздо надежнее, чем аналитические способности. Главное – посмотреть миллион картин (а не 100, не 1000, а 1 000 000, тогда даже против воли усвоишь историю ИЗО. Миллион – это очень много).

А сколько, кстати, нужно времени, чтобы посмотреть миллион картин?

Допустим, мы смотрим на одну картину в течение 3,6 секунд.

Тогда, чтобы посмотреть миллион картин, потребуется 3 600 000 секунд.

Или 10 000 часов.

Или 2 000 дней (если смотреть живопись по 5 часов в день).

Или 400 недель (два дня в неделю выходные)

Или 10 лет (16 недель отпуска, как у работников умственного труда).

Т.е., чтобы быстро посмотреть миллион картин (по 3, 6 сек. каждую), потребуется 10 лет.

Я бы не советовал откладывать.

Обратите внимание

А если этого визуального опыта нет, то никакой ум, никакая аналитика не сможет объяснить, почему одна картина лучше, чем другая (особенно если и тут и там женский портрет, всё более-менее похоже: там складки – и тут складки).

Александр Шилов (род. 1943 г.)

Но зритель может не знать художника Ван Дейка (если тот не попался в те 100 картин, которые зритель видел в своей жизни), и тогда с чем сравнивать? «Ну, так, вроде похоже…»

Кто из покупателей Ашана помнит на вкус «антоновку» или «коричный»?

Константин Сутягин

Не самый серьезный самоучитель: как научиться разбираться в беларуской живописи

Уроки МХК прогуляли, до музеев не дошли — культурное образование прошло мимо? Хотите разбираться в живописи, но ради новых знаний неохота отрываться от танчиков? Как с лету научиться узнавать полотна беларуских художников и их авторов, если хочется произвести впечатление, а времени на книги не осталось? The Village отобрал работы тринадцати авторов и подготовил краткий самоучитель. С его помощью вы не станете знатоком живописи, но по крайней мере профана в вас раскусят не сразу.

В Интернете уже почти десяток лет гуляют краткие советы по повышению культурной грамотности: мол, если видишь на картине много маленьких людишек, занимающихся непонятной ерундой, — то это полотно Босха. Есть похожие советы в стихах, а есть и про русских художников. Только про беларуских — нету. Точнее, не было до сих пор.

Наследие изобразительного искусства Беларуси и ее земель всех прежних этапов государственности огромно. В одном только кратком справочнике «Википедии» перечислены сто двадцать художников — а сколько еще в него не попало! После прочтения самоучителя отправляйтесь в музей. В последнюю среду каждого месяца Национальный художественный музей пустит вас приобщиться к искусству бесплатно.

Если на картине изображены дворцы, усадьбы, храмы и развалины, причем изображены слегка в отдалении, как будто зритель только-только вышел из леса или из-за угла и остановился, пораженный величием архитектуры, — картину писал Наполеон Орда (1807–1883).

Мирский замок, 1880 Вид на Клеваньский замок, конец 19 ст.

Беларускую архитектуру изображал и польский художник Юзеф Пешка (1767–1831), но у него замки-усадьбы-костелы зачастую показаны совсем издали. Несвиж, около 1800

Если люди летают над покосившимися домиками, какой-нибудь персонаж кривоног, криволиц и разрисован в синий или зеленый цвет, а полотно в целом напоминает подводную съемку, — это Марк Шагал (1887–1985). Над городом, 1918 Скрипач, 1913

Когда на картине изображены лунные города, марсианские пустыни, сатурнианские закаты и высоколобые инопланетяне, то автор полотна наверняка Язеп Дроздович (1888–1954). А еще он делал портреты деятелей беларуской истории, земные пейзажи аквамариновых тонов и черно-белые зарисовки памятников архитектуры. Сустрэча вясны на Сатурне, 1932 Царква ў Серніках, 1926 Важно

Вы видите бородатого еврея за работой — портного с иглой или утюгом, штукатура с мастерком, пекаря с хлебами, стекольщика, сапожника, толкователя Талмуда и прочих представителей почетных профессий, — значит автор полотна, без сомнения, Юдель Пэн (1854–1937). Старый портной, 1910 Часовщик, 1914

Видите портрет, полный разноцветных пятен, причем у героя кривое лицо и узловатые пальцы? Значит, портрет писал Хаим Сутин (1893–1943). И если вместо портрета — натюрморт с такими же кривыми селедками, то это тоже Сутин. Портрет Мадлен Кастен, около 1929 Натюрморт с селедкой и луком, около 1917

Если видите пейзаж и непременно с речкой, озером, заливным лугом или хотя бы большой лужей, а деревья все такие тонкие и изогнутые, как у Левитана, — то это Витольд Бялыницкий-Бируля (1872–1975). Голубой весной, 1943 Весна, 1899

А если видите такие же левитановские чахлые деревца (причем листва выполнена широкими бесформенными мазками), но вместо рек и озер — частенько заснеженные холмы, а сам художник стоит как будто не на земле, а на табуретке или даже на стреловом подъемнике, — то это наверняка будет работа Виталия Цвирко (1913–1993).

Когда на холсте поле с во-о-от такенными огромными многоэтажными облаками и избушками рядом с покосившимися от ветра деревьями, — это Фердинанд Рущиц (1870–1936). Земля, 1898 Пустота (Старое гнездо), 1901

Если на полотне вы видите натюрморт с цветами и фруктами, или портреты людей с идеальными прическами и ровнюсенькими проборами, или комбинацию таких портретов и натюрмортов, — то можете биться об заклад, что картину писал Иван Хруцкий (1810–1885). Плоды, дыня, 1830–е Портрет неизвестной в белом платье с книгой, 19 в.

Если на картине яркими красками изображены усадьбы среди деревьев или интерьеры с огромными окнами, то смело можно называть имя автора — это Станислав Жуковский (1873–1944). Мартовский вечер, 1904 Интерьер библиотеки в помещичьем доме, до 1944

Картина полна мрачных красок и темных тонов, которые изображают солдат, узников концлагерей, беженцев, трупы, женщин с грудными младенцами? Это работы Героя Беларуси Михаила Савицкого (1921–2010). Народный художник СССР сам пережил ужасы концлагерей. Летний театр, 1974–1979 Партизанская Мадонна (Минская), 1978 Совет

А если на картине, наоборот, все жизнерадостно и куча маленьких людишек, как у Брейгеля, разбросаны по всему полотну (да притом все персонажи носатые), — значит, картину написал мастер наивного искусства Валентин Губарев (род. в 1948-м). Он жив-здоров и радует нас своими выставками.

Фотографии: 1–3, 8–11, 16–21, обложка — Википедия, 4–5 — Flickr, 6–7 — Drazdovich.by, 12–13 — Artpoisk.info, 14–15, 22–25 — Delaemvmeste.by

Почему художники ХХ века так «плохо» рисовали и еще 5 вопросов о живописи, ответы на которые вы хотели знать

Высокое искусство — вещь сложная и для многих непонятная.

Живопись эпохи Возрождения с ее идеальным изображением привлекает множество почитателей, а вот поверить в то, что работы Пикассо и Кандинского действительно могут стоить баснословных денег, легко далеко не всем.

Обилие обнаженных людей на картине — еще одна загадка, как, впрочем, и парадокс того, что хорошие картины необязательно должны быть красивыми.

AdMe.ru узнал ответы на несколько любопытных вопросов о живописи, заглянув в работы искусствоведов и культурологов.

1. Действительно ли живопись так дорого стоит?

То и дело мы слышим о бешеных суммах, выложенных за ту или иную картину. Но на самом деле такие деньги — удел очень немногих работ. Большинство художников огромных сумм и вовсе никогда в глаза не видели. Искусствовед Джонатан Бинсток считает, что в мире всего около 40 авторов, чьи картины оцениваются суммой с многими нулями.

Искусством правят бренды

Приведем, пожалуй, самый яркий пример. Наверняка вы слышали о художнике-граффитисте Бэнкси.

Остросоциальная направленность работ и биография, покрытая ореолом тайны, сделали свое дело. Сегодня Бэнкси — художник, работы которого оцениваются многозначными суммами.

Его картина «Девочка с воздушным шаром» была продана за £ 1,042 млн. А о перформансе по ее уничтожению сразу после продажи заговорил весь мир.

Бэнкси — это бренд, а бренды отлично продаются. Таким образом, стоимость картины во многом определяется известностью ее автора.

Успешная продажа одной картины — залог успеха других

Художнику может долго не везти, он будет прозябать в бедности и неизвестности, не имея возможности выгодно продавать свои работы. Но как только он сумеет продать одну из своих картин за немалые деньги, будьте уверены, цена на другие его работы резко взлетит.

Редкость, малочисленность, уникальность

Голландского художника Яна Вермеера сегодня называют бесценным. Его кисти принадлежит не так уж много картин — всего 36.

Художник писал довольно медленно. Пропавшая в 1990 году картина голландца «Концерт» сейчас оценивается примерно в $ 200 млн.

Редкость и малочисленность полотен влияет на то, что цены на них просто заоблачные.

Легендарный Ван Гог — это супербренд. Картин художника насчитывается немного, и очевидно, что больше он уже ничего не создаст. Его работы уникальны.

Обратите внимание

10 лет назад «Супрематическая композиция» Малевича была продана за $ 60 млн. Возможно, если бы не кризис, она бы ушла и вовсе за $ 100 млн. Картины Малевича в частных коллекциях наперечет, и когда в следующий раз на рынке появится вещь подобного класса — неизвестно. Может, через 10 лет, а может, через 100.

В общем, очевидно: покупатели готовы платить баснословные деньги за предметы исключительно редкие.

Новаторство стоит дорого

Одна из работ Ричарда Принса в направлении «художественное заимствование».

Фотохудожник Ричард Принс придумал переснять из журнала чужое фото ковбоя в рекламе, убрав все надписи. Такая несусветная наглость получила широкий резонанс и… признание.

Принс стал считаться создателем нового направления в искусстве — Appropriation Art (художественное заимствование).

Смелый жест фотографа превратился в $ 3 млн —именно за столько был продан снимок «Ковбой».

Если бы «Черный квадрат» Малевича вдруг оказался на рынке, за него бы развернулась нешуточная борьба кошельков. И бились бы покупатели не за схематичную геометрическую фигуру на холсте.

Они сражались бы за революционную идею, свежую и ранее неизвестную вещь, икону авангарда, которая определила дальнейшее развитие живописи ХХ века.

В 1915 году, когда была создана картина, дамы еще носили шляпки, бюстгальтер считался эпатажной новинкой, а на престолах Европы сидели короли. И тут — вы только представьте! — появляется Малевич со своим шокирующим квадратом.

Живопись берет на себя функцию достопримечательности

Сегодня растет уровень культурного туризма, и живопись выполняет функцию достопримечательности. В известные музеи выстраиваются многочасовые очереди из туристов. И чтобы заявить о себе и претендовать на славу мирового уровня, галерее нужно непременно владеть подлинниками знаменитых и популярных живописцев.

Растут и искусственно создаваемые центры культурного туризма, например на Ближнем Востоке и в Китае. Недавно королевская семья Катара заключила частную сделку на сумму $ 250 млн — все ради того, чтобы страна обладала картиной Сезанна «Игроки в карты».

Когда есть все, начинает тянуть на искусство

В 2017 году миллиардер Дмитрий Рыболовлев продал эту картину Леонардо да Винчи за $ 450 млн. Теперь это самая дорогая сделка в мире живописи.

Когда у тебя есть 4 дома и самолет G5, то что еще остается делать? Остается только вкладывать деньги в живопись, ведь это одна из самых прочных «валют».

Согласно данным за 2015 год, в мире насчитывается 34 млн долларовых миллионеров. И даже если представить, что только 1 % из них интересуется искусством, то получится, что на свете живут 340 тыс.

Важно

человек, готовых выкладывать круглые суммы за картины. А самих картин известных авторов, как мы писали выше, совсем немного, особенно по сравнению с количеством миллионеров.

Кроме того, даже те, кто не интересуется живописью, готовы вкладываться в нее ради престижа или стабильности такого вложения.

Вот и выходит, что дороговизна живописи во многом обусловлена тем, что слишком большое количество денег охотится за малым количеством товара.

2. Всем ли картинам нужны рамы?

Картина Жоржа Сёра «Канал в Гравлине, Большой Форт-Филипп».

В книге Сьюзи Ходж «Почему в искусстве так много голых людей» говорится о назначении рам. Так, они защищают края картины и привлекают к ней внимание. Некоторые рамы вычурные, другие совсем простые, они не отвлекают от созерцания. Предназначение рамы — дополнять картину и показывать ее наилучшим образом.

А вот художник-абстракционист Пит Мондриан сравнивал рамы со стеной, которая стоит между зрителем и картиной. Ему хотелось убрать это чувство дистанции. И художник писал на самых краях полотен и даже на боковине.

Жоржу Сёра не нравилась тень,которую отбрасывают рамы на картину. И он часто сам изображал рамы из крохотных точек разных цветов. Кстати, по похожему принципу картин Сёра через полвека станет работать цветной телевизор.

3. Почему на картинах так много голых людей?

Фрагмент фрески Микеланджело «Сотворение Адама».

Еще древние греки считали, что обнаженное тело — это невероятно красиво.

В искусстве чаще всего нагота — это символ. Символ новой жизни, искренности, беспомощности живого существа, а также жизни и смерти.

Кроме того, ничто не вызывает такие сильные эмоции у зрителя, как нагота. Это может быть интерес, неловкость, стыд или восхищение.

4. Почему все такое плоское и вообще нереалистичное?

Картина чешского художника Богумила Кубишты «Гипнотизер».

Пожалуй, одно из самых частых обвинений в адрес современных мастеров звучит так: художники разучились похоже передавать действительность. Отсюда и заблуждение, будто предметы выглядят плоскими.

Но посмотрим, например, на полотна кубистов. Они ломают перспективу, но изображают предметы одновременно под разными углами и даже в разный момент времени. Поэтому нельзя сказать, что изображение на полотне двухмерное.

Рисовать «похоже» уже не надо — это может сделать фотография. Поэтому искать ответ на вопрос, почему художник на той или иной картине изобразил реальность плоской, нужно в самой задумке автора. Убирая одни детали изображения, художник акцентирует внимание на других. Упрощая изображение, он делает его более выразительным.

5. Художники XIX–XX веков не умели «нормально» рисовать? Или они это нарочно?

В XIX веке зародился стиль живописи под названием примитивизм, или наивное искусство. Его представители упрощали картину и делали формы примитивными, будто детские рисунки или первобытное искусство.

Картины некоторых примитивистов вошли в сокровищницу мирового искусства и произвели сильное впечатление на своих современников. И это несмотря на то, что у художников наивной живописи не было академического образования.

Пиросмани и Руссо были всего лишь самоучками, но их картины привлекли тех, кто повидал уже все и кому наскучила традиционная живопись. Такие картины были как глоток живительной простоты.

А вот профессиональные художники-авангардисты XIX–XX веков имели за плечами художественное образование и сильную базу.

Они умели писать как угодно,но в какой-то момент решили это делать вот так, подражая примитивистам.

Как говорится, так было задумано, ведь это совершенно новый (а значит, интересный для тех, кто устал от старого) способ воздействия на зрителя.

Художники прекрасно справились бы с картиной в духе академического классицизма, и именно поэтому для них это было скучно. Юный Пикассо писал трогательные и довольно реалистические портреты. А вот зрелый художник выбрал для себя путь, который шокирует, бодрит глаз, который помогает продемонстрировать крутое колористическое чутье и ощущение формы.

6. Должны ли картины непременно быть красивыми?

Красиво не значит искусство, и само искусство не всегда изображает красоту. Представление о прекрасном у каждого разное, и мнение отдельно взятого человека не может считаться эталоном.

Отвлечемся от живописи и проведем параллель с кино. Среди искусствоведов встречаем такое мнение: утверждать, что картины непременно должны быть красивыми, — то же самое, что говорить, будто настоящее кино — это только романтическая комедия или мелодрама с хеппи-эндом. А психологические драмы, боевики, триллеры — это и вовсе не кино. Согласитесь, логика в этом есть.

Искусство (и живопись в том числе) должно говорить на языке своего времени. И чтобы насладиться любой картиной, даже реалистичной, нужно знать, что на ней изображено. На выставках мы обычно читаем подписи к полотнам и даже пользуемся аудиогидом.

А какая живопись близка вам?

Фото на превью East News, Album / Kocinsky / East News

Зачем разбираться в живописи или 3 истории о несостоявшихся богачах – все о живописи

Как научиться разбираться в живописи

Как понимать картину

Краткий экскурс в историю живописи

Почему важно разбираться в искусстве

10 способов понять любую картину