Музей русского импрессионизма в москве. 7 картин, которые стоит увидеть – все о живописи
Table of Contents
Импрессионисты в Москве: от Моне до Пикассо
Как за час в столице посмотреть легендарные картины
Импрессионистыв Москве:от Моне до Пикассо
Как за час в столице посмотреть легендарные картины
Чтобы познакомиться с историей импрессионизма и постимпрессионизма, вовсе не обязательно отправляться в путешествие по музеям Франции — родины этих течений. Достаточно зайти в Галерею искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков, особый отдел ГМИИ имени А.С.
Пушкина, где собраны оригиналы лучших работ легендарных мастеров: Пьера Ренуара, Клода Моне, Винсента Ван Гога и других. «Культура.РФ» составила путеводитель по импрессионизму, который поможет вам узнать самое важное о нем, даже если времени совсем мало.
Чтобы познакомиться с историей импрессионизма и постимпрессионизма, вовсе не обязательно отправляться в путешествие по музеям Франции — родины этих течений. Достаточно зайти в Галерею искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков, особый отдел ГМИИ имени А.С.
Пушкина, где собраны оригиналы лучших работ легендарных мастеров: Пьера Ренуара, Клода Моне, Винсента Ван Гога и других. «Культура.РФ» составила путеводитель по импрессионизму, который поможет вам узнать самое важное о нем, даже если времени совсем мало.
«Культура.РФ» рекомендует: установите приложение Артефакт перед посещением музея
«Культура.РФ» рекомендует: установите приложение Артефакт перед посещением музея
Обратите внимание
История масштабного собрания импрессионистов в Москве началась на рубеже XIX и ХХ столетий, когда коллекционеры Сергей Щукин и Иван Морозов познакомились с новым искусством Франции, начали покупать лучшие картины и перевозить их в Москву.
Они олицетворяли два подхода к собирательству импрессионизма: Щукин — яркий, экспрессивный, экспансивный, эмоциональный; Морозов — вдумчивый, фундаментальный, неторопливый.
А их приобретения, дополняя друг друга, соединились в коллекции, которую можно назвать энциклопедией импрессионизма.
Работа представляет поздний период творчества Эдгара Дега. Пожилой художник терял зрение, но продолжал творческий поиск, работал в основном большими цветовыми пятнами.
Танцовщиц для этой работы Дега писал не с натуры, а по фотографиям: художник снимал позировавших девушек в своей мастерской и затем, порой совмещая фотоотпечатки или даже просматривая их на свет, составлял целостную композицию, которую и переносил на картон.
Сергей Щукин приобрел «Голубых танцовщиц» вскоре после того, как Дега завершил работу над картиной: он хотел включить эту художественную новинку в свой личный зал импрессионистов, в котором на тот момент доминировал Клод Моне. Щукину работу прислал известный арт-дилер, галерист Поль Дюран-Рюэль, и получил от московского коллекционера письмо с просьбой заменить раму.
Дескать, оригинальная рама в стиле Людовика XVI не сочеталась с оформлением щукинского зала, и коллекционер просил заменить ее на раму в духе Людовика XV.
Дюран-Рюэль заказ выполнил, и сегодня «Голубые танцовщицы» выставлены в ГМИИ именно в той раме, которую заказал Сергей Щукин, — как и остальные работы из коллекций Щукина и Морозова: музейные сотрудники сохранили подлинные рамы всех картин собрания.
«Обнаженной» Пьера Ренуара критики восхищались еще в конце XIX века. Ренуара называли «живописцем женщины», и, будучи импрессионистом, своих моделей он писал не в абстрактном свете, а в реальных интерьерах реальной эпохи.
Важно
Его «Обнаженная» сначала шокировала публику необычным для того времени цветом тела: естественными синеватыми и зеленоватыми тенями, которые характерны для натурального освещения, но никак не для классического искусства.
Однако очень быстро ценители живописи разглядели в этом непривычном изображении талант Ренуара в частности и правду импрессионизма в целом.
Первым владельцем этой картины был Поль Дюран-Рюэль, и находилась она не в его парижской галерее на углу улицы Лафитт, а в личных апартаментах арт-дилера на улице Ром.
Там царила атмосфера приватности, эксклюзивности; Дюран-Рюэль выставлял в апартаментах работы, будто бы не предназначенные для продажи, — однако это был ловкий ход галериста, который помогал ему повышать цены на особые предметы искусства для частных клиентов.
Именно там картину Ренуара впервые увидел Сергей Щукин. Тогда он был лишь начинающим коллекционером и покупал картины вместе с братом Петром. Дюран-Рюэль пригласил щедрых и многообещающих клиентов из России в свои апартаменты, однако «Обнаженную» продавать им отказался.
Но Петр Щукин, буквально влюбившийся в эту прекрасную француженку, все же уговорил галериста и увез картину в Россию, отдав за нее не один десяток тысяч франков. Поначалу «Обнаженная» висела в приватной части его апартаментов вместе с другими любимыми картинами Щукина и не демонстрировалась публике.
Но в 1912 году купец разорился и был вынужден расстаться со многими произведениями — и полотно Ренуара купил у брата Сергей Щукин. Так «Обнаженная» стала экспонатом его открытой галереи и больше никогда не попадала в «заточение».
Эта картина Клода Моне экспонировалась на той самой выставке «Анонимного общества живописцев, скульпторов и граверов» 1874 года, во время которой импрессионисты и получили свое имя.
На холсте Моне изобразил вид из окна фотоателье Надара в доме № 35 на бульваре Капуцинок, где и проходила первая выставка «впечатленцев», и тем самым бросил публике своеобразный художественный вызов: посетители экспозиции могли сравнить видение художника с реальным миром.
Совет
И сравнение это оказалось не в пользу Моне: ни зрители, ни критики не были знакомы с такой смелой живописной манерой и не смогли по достоинству оценить работу мастера.
Однако картина запомнилась и прославилась, и в 1909 году на одном из парижских аукционов, где ее и заприметил Иван Морозов, «Бульвар Капуцинок в Париже» продавался за значительную сумму как общепризнанный шедевр.
Морозов, возможно, купил «Бульвар» из сантиментов: на картину попало и здание Гранд-Отеля, где коллекционер неизменно останавливался во время каждой поездки в Париж. Полотно Моне всегда напоминало ему о месте, которое он действительно любил.
Поль Сезанн был художником-философом, и в работе «Пьеро и Арлекин» — мощной, масштабной — он отразил собственные размышления над дуализмом человеческих характеров.
На холсте разворачивается извечный спор двух темпераментов: меланхоличного, мечтательного Пьеро и агрессивного, в чем-то демонического Арлекина. А сочетание разных геометрических форм вносит в изображение особую гипнотическую динамику, которую можно рассматривать бесконечно.
Сезанн создавал эту работу в тиши своей мастерской, в таинственной атмосфере, а позировали ему сын художника Поль и его друг Луи Гийом.
Мир узнал Сезанна в начале ХХ столетия, и интерес к его творчеству у русских коллекционеров возник на этой же волне. «Пьеро и Арлекина» приобрел в 1904 году Сергей Щукин и привез картину в столицу, где она заворожила многих художников.
Острый на язык Валентин Серов называл персонажей картины «деревянными болванами», однако, как он признавался, эти образы действительно зацепили его, заставляли вновь и вновь размышлять над ними.
Обратите внимание
Серов часто приводил Сезанна в пример своим ученикам из Московского училища живописи, ваяния и зодчества, и под влиянием философии французского мастера родился так называемый «русский сезаннизм».
«Пейзаж в Овере» Винсент Ван Гог написал в июле 1890 года, за несколько недель до своей трагической гибели. На нем изображена часть тех самых полей, где живописец выстрелил себе в грудь из револьвера — и это ранение стало для него смертельным.
Картин Ван Гога в московских собраниях Щукина и Морозова было не так много. Для этих коллекционеров он никогда не был центральной фигурой экспозиции, а его работы лишь дополняли более важные для них произведения. У такого отношения к безумно популярному в наши дни художнику было несколько причин.
Во-первых, оба коллекционера начали «собирательную» деятельность уже после всплеска интереса к творчеству Ван Гога в 1890-х годах, во многом вызванного смертью художника.
Во-вторых, в начале ХХ века абсолютное большинство работ мастера принадлежало его семье, так как сам Ван Гог за свою жизнь сумел продать лишь одну картину — «Красные виноградники в Арле», — которая также находится в коллекции ГМИИ. А наследники живописца расставалась с его наследием очень и очень неохотно, и у галеристов в Европе было мало картин Ван Гога на продажу.
Однако «Пейзаж в Овере» Ивану Морозову заполучить удалось. Он был человеком размеренного, спокойного темперамента и очень любил такие же «тихие» пейзажи: горизонтальные, спокойного сюжета, в зеленоватых тонах. И картина Ван Гога как раз пришлась ему по вкусу, а история ее создания не оставила коллекционера равнодушным.
В статус королевы Поль Гоген возвел собственную возлюбленную, его таитянскую жену.
Однако эта картина была не просто ее портретом, а соединением различных мифов и сюжетов, в том числе религиозных: так, на холсте рядом с красавицей изображены древо познания добра и зла, беседующие старцы и змей-искуситель.
Фигура же самой женщины, ее поза отсылают к «Олимпии» Эдуарда Мане и «Венере Урбинской» Тициана. В видении Гогена она и искусительница, и обольстительница, и искупающая жертва одновременно.
В Париже Поля Гогена по-настоящему узнали уже после того, как на далеких островах в Тихом океане завершилась его жизнь. Чтобы любоваться его экзотическими работами, ценители искусства стекались к коллекционеру и знатоку его творчества Гюставу Файе.
К нему обратился в 1908 году и всерьез увлекшийся Гогеном Сергей Щукин. Для коллекционера середина первого десятилетия ХХ века оказалась крайне сложным временем: Щукин год за годом терял близких людей, а первая русская революция и последовавшие за ней общественные волнения только усугубили его душевное состояние.
Важно
Именно в это время его поразил талант Поля Гогена, его тропические грезы — и композиция художника, которую Щукин создал в своем доме, имела для него особое духовное значение. Современники коллекционера даже прозвали ее «иконостасом».
Щукин мечтал заполучить «Жену короля» для своего «иконостаса», однако предложение о покупке работы сделал Файе не сразу: долго консультировался с французским коллекционером, который не хотел так просто уступать ему картину, присматривался к полотну и в итоге приобрел его за целых 30 тысяч франков.
Сам Файе позже признавался, что на приобретение всех картин из его собрания Поля Гогена он не потратил столько, сколько «этот русский» заплатил ему лишь за «Жену короля».
20-й зал галереи — самый крупный, репрезентативный, сохранивший частичку подлинной атмосферы особняка Сергея Щукина: его для коллекционера в свое время оформил лично Анри Матисс.
Художник долгое время мечтал о покровителе, который бы позволил ему, мастеру французского авангарда, украсить монументальными картинами стены своего дома — и такой покровитель нашелся в заснеженной России.
Во время совместной работы над особняком художник и коллекционер сблизились, крепко подружились, и в итоге Матисс стал писать картины специально под определенные места в щукинском доме.
Весной 1912 года Матисс вернулся из Северной Африки, откуда привез образ красных рыбок, движущихся в замкнутом пространстве, как олицетворение медитации, сосредоточенности сознания.
Искусство и философия Востока в то время были важной темой для Матисса, он хотел осмыслить полученный в поездке опыт неспешно, вести диалог с написанными под вдохновениями от нее картинами долгое время — но летом к нему в гости приехал Сергей Щукин.
Совет
И, увидев «Красных рыбок», уже не мог с ними расстаться, увез картину в Москву, а вскоре еще и попросил написать к ней пару — настолько работа ему полюбилась. Матисс был не в восторге от того, что ему пришлось так быстро расстаться с полотном, но отказать другу не мог.
«Субботний день» Андре Дерен написал в свой так называемый «готический» период. Творческий поиск художника на этом этапе развивался в сторону работы с традицией: Дерен хотел вновь постичь секреты искусства раннего Ренессанса и французских средневековых миниатюристов, соединить эти опыты с готическим искусством, искусством Древнего Востока, Африки — и создать из своих произведений своеобразную энциклопедию традиционного искусства, осмысленного сквозь призму авангарда. В основе «Субботнего дня» лежит, на первый взгляд, обыденный сюжет: сидящие за столом женщины. Однако их деформированные пропорции, застывшие в напряжении позы и напоминающие ритуальные маски лица явно отсылают к мотивам и образам духовной и церковной живописи прошлых столетий.
Изначально у картины Дерена не было названия, однако его друг, поэт Гийом Аполлинер, как и многие другие зрители ощутивший сильное сакральное настроение полотна, дал этой работе немного ироничное название «Субботний день», возможно подразумевая под ним Страстную субботу, — и так прославил Андре Дерена как нового «готика» ХХ века.
Дерен стал одним из последних художников, которых начал поддерживать Сергей Щукин. Скорее всего, коллекционер познакомился с его работами в галерее Даниеля Анри Канвейлера, весьма авангардного и смелого парижского арт-дилера, который стал внедрять оригинальные способы привлечения внимания к новому на тот момент искусству.
Он создал не просто постоянную клиентуру своей галереи, а настоящий интеллектуальный клуб, куда входили коллекционеры и ценители из самых разных стран — в том числе и#nbspСергей Щукин.
И Канвейлер с превеликим удовольствием помогал интернациональной компании ориентироваться во французском авангарде и снимать с него сливки стоящих новинок.
Картина «Девочка на шаре» относится к «розовому» периоду творчества Пикассо, когда тональность его живописи стала мягче, а почти монохромную синюю гамму работ разбавили новые розовато-пепельные оттенки.
И эта работа, пожалуй, полнее других отражала смысл творчества юного Пикассо, размышлявшего о судьбе человека искусства.
В изящной и хрупкой, почти невесомой фигуре девочки воплотились мечта художника о поэзии, его видение мимолетности прекрасного, а мощный атлет стал словно защитником прекрасного и возвышенного от грубой реальности.
Одними из главных популяризаторов творчества Пабло Пикассо в Париже были писательница Гертруда Стайн и ее брат Лео. Они скупали произведения молодых художников за небольшие деньги и выставляли их в своей квартире на улице Флёрюс, которая была неформальной и постоянно обновлявшейся выставкой нового искусства.
Обратите внимание
Многие картины там не задерживались: их быстро приобретали коллекционеры, но были в собрании Стайнов и «бессменные» жемчужины — в том числе и «Девочка на шаре», купленная братом и сестрой у самого Пикассо. В 1913 году Стайны решили переехать и расстались с частью коллекции: так «Девочка» отправилась в галерею Даниеля Анри Канвейлера.
Там ее и купил Иван Морозов, давно выжидавший случая приобрести картину, с которой ранее Стайны очень не хотели расставаться. Это была крупная, серьезная и известная работа — и коллекционер не мог упустить такой шанс.
«Девочкой на шаре» Морозов завершил свою коллекцию Пикассо из трех его произведений, каждое из которых было знаковым для разных периодов творчества художника.
Портал «Культура.РФ» благодарит за помощь в подготовке спецпроекта Алексея Петухова, старшего научного сотрудника ГМИИ имени А.С. Пушкина
Главное изображение: Эдгар Дега. Голубые танцовщицы. 1897
Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина, Москва
Музей русского импрессионизма в Москве
Александр Герасимов “Летний День”
Импрессионизм – это рождение света в живописи
Роберт Делоне
Дорогие друзья! Наверное, многие слышали об открытии Музея русского импрессионизма в Москве. Конечно же, я не смогла пропустить это событие)) И с удовольствием хочу поделиться впечатлениями и фотографиями с этой выставки.
Музей русского импрессионизма на фабрике “Большевик”
Серебристое здание Музея русского импрессионизма находится на территории кондитерской фабрики «Большевик». Цилиндрическая форма хранилища муки была закована в блестящий металл по проекту английского архитектора Aidan Potter.
Смотрится очень современно и как-то неожиданно на территории фабрики. В Музейном комплексе 5 этажей (более тысячи квадратных метров), на которых находятся помимо выставочных залов, мультимедийный кинотеатр, книжный магазин, учебная студия. На крыше музея – летние террасы.
В 2015 году Музей русского импрессионизма вошел в состав Международного совета музеев.
Видеоинсталляция «Дышащие полотна»
В фойе все останавливаются перед видеоинсталляцией «Дышащие полотна», на которой мазок за мазком собираются воедино шедевры экспозиции. Автор видеоинсталляции – американский художник Jean Christophe. На фото трудно показать этот процесс расщепления – создания, надо было заснять на видео, но не сообразили.
Перед инсталляцией – скамейки, некоторые посетители удобно располагаются на них и не отрывают глаз от завораживающего зрелища, разворачивающегося перед ними. Хочу отметить прекрасную и дружелюбную атмосферу, царящую в Музее.
Считаю это заслугой молодой и доброжелательной команды девушек и юношей, многие из которых являются волонтерами.
Билеты недорогие (200 рублей). Детям и студентам вроде бы даже бесплатно. Каждому посетителю выдается небольшой буклет с расписанием запланированных выставок, а на запястье прикрепляется оранжевый бумажный браслетик (вдруг захочешь выйти, подышать свежим воздухом, потом сможешь легко зайти). В общем, всё очень мило)
Порадовали детские экскурсии. Оказалась свидетелем вдохновенного рассказа симпатичной девушки-гида о том, как рождаются картины. Дети слушали с большим интересом, возможно потому, что невольно сами участвовали в нем).
В буклете прочитала, что в музее предусмотрены экскурсии и творческие игровые программы не только для детей, но и курсы для взрослых (в виде лекций). Короче говоря, всё очень понравилось. Единственное, показалось, что маловато… Хотелось бы увидеть побольше работ.
Но, с другой стороны, была возможность прочувствовать каждую картину.
Русские художники-импрессионисты
Импрессионисты на верном пути, их искусство здоровое, оно основано на ощущениях и оно честное.
(К. Писсарро)
В Музее русских импрессионистов планируется выставлять временные экспозиции несколько раз в год. Картины будут предоставлять частные коллекции и фонды зарубежных и российских музеев. Так, в сентябре-ноябре ожидается премьера проекта Валерия Кошлякова “Элизии”, а в декабре – “Серебряный век” – выставка Елены Киселевой.
Сейчас в музее на двух верхних этажах – выставка картин Арнольда Лаховского, которая называется “Очарованный странник”. Для меня это новое имя, предполагаю сделать отдельную статью о творчестве А. Лаховского. Этот же пост посвящен работам художников из основной композиции.
Важно
Оказывается и у русских художников есть картины, которые заслуженно могут находиться в Музее русского импрессионизма! Многие картины были возвращены в Россию из-за рубежа. Некоторые работы раньше нигде не выставлялись. Самая ранняя картина датирована 1887 г. («В парке» К. Коровина).
А знаете, кто считается основателем русского импрессионизма? Василий Поленов и Илья Репин! Вот уж никогда бы не подумала. Основную композицию Музея русского импрессионизма составляют более 70 работ.
Это картины Игоря Грабаря, Константина Юона, Валентина Серова, Константина Коровина, Петра Кончаловского и других известных российских художников.
Василий Поленов, “В овраге” , 1879 г
Русский импрессионизм – звучит необычно, то ли дело – французский! Клод Моне, Эдгар Дега, Ренуар, Поль Сезанн – картины этих мастеров не нуждаются в представлении: они известны и любимы во всем мире. “Русский – не копия и не повторение его, хоть и родился на десять лет позже.
Русские художники не столько восприняли живопись и легкость мазка зарубежных мастеров, сколько самостоятельно вышли на нее в собственных творческих поисках. И оказалось, что импрессионизм – естественная стадия развития европейского искусства, причем в каждой новой стране он получал свой особый национальный характер.
Иван Крамской писал об увиденном во Франции искусстве Владимиру Стасову: «…во всех таких вещах есть бездна и поэзии, и таланта, только знаете, нам оно немножко рано» Но будущее показало, что не рано.
Мало кто из российских художников оставался верен импрессионизму всю свою жизнь, но подавляющее большинство мастеров рубежа 19 и 20 века прошли через увлечение этой стилистикой.” …и подарили нам свои чудесные творения.
Предлагаю Вашему вниманию небольшую подборку работ художников из постоянной экспозиции музея.
Картины художников из Музея русского импрессионизма
В природе нет никаких линий, только контрастные пятна цвета.
(Э. Мане)
Валентин Серов, Окно, 1887 г
Владислав Потехин, “Деревня осенью”, 1960
Вячеслав Федоров “Туман”
Горлов Николай, “Натюрморт с виноградом и чайником”
Иван Коваленко, “Платановая аллея”, 1964 г
Константин Юон, “Ворота Ростовского Кремля”, 1906
Николай Клодт. ” Заросший пруд”, 1910
Николай Тархов, 1910
Петр Кончаловский “Натюрморт. Четыре Букета На Столе И Лейка”
Станислав Жуковский “Осенний лес”
Станислав Жуковский, “Интерьер комнаты”
Николай Богданов-Бельский, “Лето” 1911
Дмитрий Налбандян, “Портрет Димитриуса Лонге”
20 самых известных картин в музеях Москвы
Над картиной «Богатыри», знакомой каждому со школьной скамьи, Виктор Васнецов работал около 20 лет. Полотно, на котором запечатлены былинные защитники Древней Руси Илья Муромец, Алёша Попович и Добрыня Никитич, в 1898 году было приобретено Павлом Третьяковым. Хрестоматийное произведение можно увидеть в Третьяковской галерее в зале № 26.
«Девочка с персиками» — одна из самых известных работ Валентина Серова. На картине изображена румяная 12-летняя Верочка Мамонтова — дочь мецената Саввы Мамонтова. Действие происходит в легендарной усадьбе Абрамцево, где в своё время собирались Виктор Васнецов, Василий Поленов, Илья Репин, Михаил Врубель, Исаак Левитан. Произведение экспонируется в Третьяковской галерее в зале № 41.
Всю стену зала № 10 Третьяковской галереи занимает масштабное полотно Александра Иванова «Явление Христа народу». Остальное пространство заполнено многочисленными эскизами к картине: художник трудился над произведением не один десяток лет. Любопытный факт: прообразами двух персонажей стали сам автор и Николай Гоголь.
«Радугу» — одно из знаковых творений Ивана Айвазовского — можно увидеть в зале № 19 Третьяковской галереи. Картина передаёт всю мощь морской стихии, перед которой человек совершенно беззащитен. Впрочем, автор всё-таки даёт терпящим кораблекрушение героям надежду на спасение: сквозь серое небо пробивается едва заметная радуга.
Над картиной «Утро в сосновом лесу» работали два художника — Иван Шишкин и Константин Савицкий. Первый написал пейзаж, второй — медвежат. Впоследствии подпись Савицкого с холста исчезла.
Совет
Возможно, её убрал сам Константин Аполлонович, по каким-то причинам решив отказаться от авторства. Другая версия гласит, что фамилию художника стёр купивший произведение Павел Третьяков.
Картина висит в Третьяковке в зале № 25.
«Апофеоз войны» Василий Верещагин написал под впечатлением от военных действий в Туркестане. Гора из черепов, возвышающаяся на фоне разорённого города, олицетворяет смерть и опустошение. На раме можно прочесть надпись: «Посвящается всем великим завоевателям — прошедшим, настоящим и будущим». Полотно представлено в зале № 27 Третьяковской галереи.
В качестве сюжета Илья Репин выбрал исторический эпизод, произошедший в 1581 году. На картине запечатлён обезумевший от горя царь, осознающий случившееся. К груди он прижимает умирающего сына, на лице которого — кротость и прощение. Произведение висит в зале № 30 Третьяковской галереи.
Михаил Врубель неоднократно обращался за вдохновением к поэме Михаила Лермонтова «Демон». «Демон сидящий» — апофеоз творчества художника. Полотно создано при помощи мастихина — тонкой металлической пластины, которой наносится краска. Грубоватые крупные мазки напоминают смальту, из которой складывается мозаичное панно. Картину можно увидеть в зале № 33 Третьяковской галереи.
«Троица» Андрея Рублёва — одна из самых известных в мире русских икон. В её основе — ветхозаветный сюжет «Гостеприимство Авраама».
Фигуры ангелов, склонившиеся над чашей с головой тельца, визуально составляют замкнутый круг. Произведение экспонируется в Третьяковке в зале № 60.
От всякого внешнего воздействия его защищает специальный стеклянный шкаф, в котором поддерживается нужная температура и влажность воздуха.
«Купание красного коня» — монументальное полотно Кузьмы Петрова-Водкина, написанное в 1912 году. Могучая алая лошадь олицетворяет судьбу России, которую не в силах удержать юный хрупкий ездок. Прототипом всадника выступил ученик художника Сергей Калмыков. Картина, без которой невозможно представить русский авангардизм, демонстрируется в зале № 13 Третьяковской галереи на Крымском Валу.
«Чёрный квадрат» Казимира Малевича в своё время ознаменовал разрыв художника с предметностью и его уход в супрематизм. Эта картина — не только одно из самых известных произведений мастера, но и символ русского авангарда.
Полотно является частью триптиха, также включающего в себя «Чёрный крест» и «Чёрный круг». Всего существует пять версий «Чёрного квадрата», и одну из них можно увидеть в зале № 6 Третьяковской галереи на Крымском Валу.
На картине «Над городом» изображены парящие над Витебском Марк Шагал и его жена Белла. Выполненная на стыке примитивизма, кубизма и экспрессионизма работа — соединение возвышенного и приземлённого: в небе — влюблённая пара, под ними — реалии обыденной жизни. Картина располагается в Третьяковской галерее на Крымском Валу в зале № 9.
«Композиция VII» — одно из канонических произведений Василия Кандинского. Тема картины — Страшный суд, который рассматривается художником не как катастрофа, но как освобождение, некий переход из материального мира в мир духовный. Как и всегда, особое внимание мастер уделил работе с цветом. Полотно экспонируется в Третьяковской галерее на Крымском Валу в зале № 9.
«Мадонна с младенцем», также известная как «Мадонна в винограднике», — один из трёх шедевров Лукаса Кранаха Старшего в коллекции Пушкинского музея. Богородицу мастер изобразил как обычную земную женщину, не забыв при этом наполнить картину общехристианскими символами. Произведение представлено в зале № 8.
«Девочка на шаре» была создана Пабло Пикассо в 1905 году и обозначила переход художника от «голубого» периода к «розовому». Полотно строится на контрастах: хрупкая фигура девочки-гимнастки противопоставляется массивному телу атлета, шар — кубу, унылый пейзаж — весёлому цирку. Картина представлена в Галерее искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков в зале № 22.
Как известно, Эдгар Дега очень любил писать хрупких воздушных балерин. Художник оставил после себя десятки полотен на эту тему. Одно из самых известных демонстрируется в зале № 8 Галереи искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков. Существует версия, что на картине запечатлены не четыре танцовщицы, а всего одна девушка, готовящаяся к выходу на сцену.
Обратите внимание
Актриса Жанна Самари была одной из любимых моделей Пьера Огюста Ренуара. Знаменитое изображение обаятельной француженки представлено в Галерее искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков в зале № 10. Интересно, что произведение задумывалось как подготовительный этюд к парадному портрету девушки, однако в результате именно этот «набросок» покорил художественный мир.
Произведение «А, ты ревнуешь?» относится к «полинезийскому» периоду в творчестве Поля Гогена, считающемуся одним из самых плодотворных. Героини картины — две сестры, отдыхающие на песке после купания и рассуждающие о любви — настоящей и будущей. Наполненную солнцем работу постимпрессиониста можно увидеть в Галерее искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков в зале № 15.
Городской пейзаж был излюбленным жанром импрессиониста Камиля Писсарро. Особенно хороши его полотна на парижскую тему — светлые, лёгкие, динамичные, выразительные. К ним относится и «Оперный проезд в Париже», впечатляющий мастерством передачи световоздушной среды. Эта картина экспонируется в Галерее искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков в зале № 10.
Произведение «Бульвар Капуцинок в Париже» впервые было представлено на легендарной первой выставке импрессионистов в 1874 году и, как и многие другие, подверглось жёсткой критике.
На знаменитую улицу французской столицы зритель смотрит через окно ателье Надара. Пёстрые мазки рождают ощущение постоянного движения и той мимолётности момента, к передаче которой и стремились импрессионисты.
Полотно висит в зале № 9 Галереи искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков.
Если вы нашли опечатку или ошибку, выделите фрагмент текста, содержащий её, и нажмите Ctrl+↵
Музей русского импрессионизма, Москва – Афиша-Выставки
Tatiana Dmitrieva
9
Очень понравилось. Особенно экспозиция на -1м этаже, где представлены в том числе картины для слепых. Музей оставляет очень приятное послевкусие от просмотра картин.
На верхнем этаже есть очень приятное кафе с верандой, кофе-чаем.
Расположение музея в архитектурном ансамбле “Большевик” дает возможность прогуляться по внутреннему дворику бывшей фабрики и ознакомиться также с продукцией фабрики начала-середины прошлого века
22 июля 2018
Юлия Прокопчук
9
Великолепный музей!!! Тот случай, когда вложены не только средства для достойного современного оснащения, но и душа, что чувствуется в том, насколько тщательно подготовлены выставки, насколько интересна работа кураторам и хранителям музея. Обязателен к посещению! И посмотрите на сайте, какое у них большое количество программ для детей и людей с ограниченными возможностями, а также с особенностями развития, что достойно отдельной похвалы!
19 апреля 2018
Anna Martynuk
9
Важно
В Музее русского импрессионизма (http://www.rusimp.su) сейчас проходит выставка «Жены». Они очень разные, у каждой своя судьба, свои тайны. Юлии, жене Кустодиева, пришлось решать, что сохранить художнику: руки или ноги (только таким образом врачи могли добраться до найденной у художника опухоли).
За последующие 11 лет, проведённые в инвалидном кресле, Борис написал свои самые яркие картины. Супруга Ильи Репина, Наталья Нордман-Северова была убежденной вегетарианкой, боролась за права прислуги. Для гостей накрывали круглый стол, на котором стоял круглый поднос с блюдами, слуги сидели за столом вместе с гостями.
Самым оригинальным нововведением хозяйки были суп и котлеты из сена. Наталия Борисовна даже написала “Поваренную книгу для голодающих”. Она отказалась от одежды из меха, поэтому зимой носила пальто из мешковины, набитое все тем же сеном. В итоге, заболев чахоткой, уехала в Швейцарию, в больницу для бедных, где и скончалась.
Покидая дом, не взяла ни денег, ни ценностей.Очень интересна судьба Маргариты Коненковой. Ей приписывают романы с Фёдором Шаляпиным и его сыном, композитором Сергеем Рахманиновым и поэтом Александром Блоком. Самой известной стала ее связь с Альбертом Эйнштейном (его скульптуру можно встретить в Музее Сергея Коненкова).
Говорят, что она была советской шпионкой.Впервые для меня чтение дополнительной информации об авторах и персонажах выставки было не менее увлекательно, чем ее посещение. Отдельно об организации. С выставочным пространством музея мы знакомы довольно давно, всегда в выставках присутствует что-то новаторское.
В этот раз изюминкой стали ароматы, создающие утонченную и изысканную атмосферу и затрагивающие все органы чувств.
За приглашение спасибо любимому сообществу https://moskva-lublu.livejournal.com .
9 февраля 2018
Михаил Заикин
9
Музей протресающий, одни эмоции, он современный, красивый с элементами мультимедиа, но самое классное это аудиогид с отличными эффектами.
4 февраля 2018
sova-nesplushka
9
Москву можно любить только за одно: вращаясь в людской бесконечности, торгашестве и вечной стройке, как-то умудряешься осознать, что ты в столице. Вот пример. Объявление: в Музей русского импрессионизма привезли картины армянских импрессионистов. “Куда привезли?..
Совет
В Музей, простите, какого импрессионизма?.. ” И просто из любопытства шагаешь. А между тем музей – чья-то личная коллекция, с тонким вкусом подобранная, выхоленная.
Гуляешь по суперсовременным залам, слушаешь аудиогид со своего телефона, который за минуту скачиваешь тут же, в музее, вместе с детьми рисуешь электронную бабочку, а потом в трехмерном изображении наблюдаешь ее полет и понимаешь, что тебя уже расплющило от удовольствия.
Конечно, импрессионизм – французское явление, но что он такое по силе эмоций рядом с русским?
7 апреля 2017
(no title)
?
Category:
Музей русского импрессионизма
Официальный сайт: Музей русского импрессионизма rusimp.su
Масштаб впечатлений: Борис Минц рассказал Forbes о своем музее
Финансист Борис Минц открыл Музей русского импрессионизма. Для этого ему пришлось разделить свою коллекцию и потратить $16,5 млн.
Некогда на этом месте хранились запасы масла, сахара и какао, теперь здесь выставляется живопись XIX — начала XXI века. Весной 2012 года группа O1 Properties Бориса Минца купила здание фабрики «Большевик» в Москве. Через год Минц решил открыть здесь помимо бизнес-центра Музей русского импрессионизма.
Здание по проекту архитектурного бюро John McAslan + Partners возведено на месте склада кондитерского сырья. Строительство обошлось в $16,5 млн. Основа экспозиции — картины из коллекции Бориса Минца: живопись и графику он собирает с 2001 года.
Цель бизнесмена — показать русский импрессионизм во всей его временной и стилистической палитре и доказать миру искусствоведения, что такое определение имеет право на жизнь.
Борис Кустодиев, «Венеция”
Здание сильно выделялось из общего архитектурного ансамбля и имело цилиндрическую форму. Архитектором, создающим музей, было принято решение сохранить само здание в виде цилиндра, но придать ему современный вид. Его заковали в перфорированный метал.
При этом полностью перестроили внутренности, сделали перекрытия, винтовые лестницы, просторные галереи. Здание действительно выглядит очень современно и модно и продолжает выделяться от остальных зданий комплекса. Общая площадь музея – более 1 000 м2.
В музее три этажа, 2 из которых заняли галереи.
Внутри это просторное и высокотехнологичное помещение. Есть интересные примеры интерактивной навигации.
На первом, этаже входа, расположена только касса и интересное интерактивное панно – Дышащие полотна. Это инсталляция, создаваемая несколькими проекторами, воспроизводит все собранные в музеи полотна в увеличении. Неприглядное на первый взгляд, оно притягивает к себе внимание на долго!
Обратите внимание
Честно говоря, занявшись три года тому назад концепцией музея, я совсем не задумывался, что настанет момент — и лучшие работы из моей коллекции нужно будет изъять.
Когда вывозили очередную партию картин из нашей квартиры, моя дочь-школьница не выдержала и сказала: «Папа, ты не можешь закрыть этот свой музей?» «Как? Я же тебе рассказывал, зачем его создаю и столько сил потратил».
Она в ответ: «Что же, мы наши картины будем смотреть в музее?» Я пожал плечами и резюмировал: «Теперь так и будет, да».
Для любого коллекционера это болезненно — расставаться, пусть условно, с вещами, которые привык видеть дома, с которыми сжился. Но я такой человек: если принял решение, то действую, исходя из целеполагания, а не того, что мне нравится или не нравится. Поэтому сразу сказал искусствоведам, формировавшим экспозицию: я перечить не буду, отбирайте все, что необходимо.
В итоге я передал в музей порядка 100 работ. Постоянно будут выставлены около 80, остальные — про запас, основная экспозиция должна частично ротироваться. Жена очень расстраивается по поводу некоторых уехавших картин. Но у нас все же осталось много хорошего, что не подпадает под тематику музея — например, коллекция графики, живопись участников «Мира искусства».
Новые приобретения в последние три года я на 90% делал только для музея. Купил картину Валентина Серова, о котором давно мечтал, «Окно», работу 1887 года, когда он создал «Девочку с персиками». Купил случайно, на антикварном салоне в Москве у человека, которого знал, но он прежде не показывал своего Серова. И цена была адекватная — несколько сотен тысяч долларов.
Приобрел на аукционе «Венецию» Кустодиева — очень нетипичную для него работу. Кустодиев всем известен своими купеческими сюжетами, а тут совершенно другая живопись. Та же история с Петром Кончаловским. Он был активным участником «Бубнового валета», но у нас есть «Каток «Динамо» — великолепный почти двухметровый импрессионистический пейзаж.
Мы его еще не выставляли, в музее покажем в первый раз («Венеция» Кустодиева продана в ноябре 2013 года на MacDougall’s за £751 200, «Каток «Динамо» — в июне 2014 года на торгах того же аукционного дома за £325 500. — Forbes). Или возьмем Александра Герасимова. Первая ассоциация — «Два вождя после дождя». Но он на самом деле совершенно разный.
Важно
Для выставки Герасимова в Историческом музее мы давали несколько работ, в том числе «Монмартр ночью» — тоже импрессионизм.
Валентин Серов, «Окно”
Герасимова, а также Налбандяна, Грабаря, Серова, Поленова и много кого еще — всего 50 работ — мы показывали весной прошлого года в Венеции, в палаццо Франкетти. После этой выставки у меня не осталось никаких сомнений в идее музея.
В Венеции мы работали с факультетом искусств Университета Ка’Фоскари, и они очень грамотную выставку сделали, абсолютно профессиональную.
Но в Венеции очень искушенный зритель, и там столько всего одновременно проходит! А у нас была средняя посещаемость 60 человек в час — два с лишним месяца, причем без тенденции к снижению.
Представление о русском искусстве у итальянцев такое: знают Рублева, Сурикова, передвижников, а потом у них сразу авангард — Кандинский, Малевич. Русский импрессионизм был для них настоящим открытием! Вот это и есть моя задача — сделать так, чтобы словосочетание «русский импрессионизм» попало в искусствоведческие каноны, стало привычным для людей, интересующихся живописью.
Петр Кончаловский, “Каток «Динамо”
“
Юрий Пименов, “Мокрые афиши”
Владимир Баранов-Россине, “Дорожка в саду»
Следующее дело очень важное — надо находить молодые таланты и выставлять их. Но ни в коей мере не в коммерческих целях.
Мы не будем заниматься продвижением, продажей и так далее того, что показываем. Это нормальная схема для дилера — развесить Коровина или Ларионова, а рядом современных художников. Но для музея это невозможно. Это вообще табу, иначе никто с нами никаких дел иметь не будет.
Задачи как-то окупить затраты я вообще не ставлю. Конечно, мы будем продавать билеты.
Если мы попадем в спектр интересов жителей и гостей Москвы и к нам будут приходить хотя бы 100 000 человек в год, то при цене билета даже 200 рублей наберется хорошая сумма. А у нас будет еще лекторий, мультимедийный центр, курсы рисования.
Но в любом случае это не те доходы. Только содержание здания музея — со всеми инженерными коммуникациями, охраной и так далее — стоит 40 млн рублей в год.
Совет
Мы старались создать самый современный и эффективный режим хранения картин: увлажнение, обеспыливание, три вида пожарной охраны, система приема и перемещения. Для картины важно все: как ее везли, в чем везли, как выгружали. У нас есть подъемный механизм, на который машина въезжает и опускается в так называемую санитарную комнату.
Там коробки раскрывают, картины осматривают и только потом направляют в хранилище. Мы этой системе придавали огромное значение. Это козырь не только на переговорах с музеями — в большей степени со страховыми компаниями. Там сидят люди конкретные, у них бизнес, и чем больше они видят рисков для предмета страхования, тем дороже услуга.
А логистика и страхование — это, конечно же, расходы музея.
Частных коллекционеров тоже всегда интересуют условия, в которые попадает предмет искусства. И мы будем предлагать им участвовать в выставках.
Музейное собрание и дальше будет пополняться. Основная экспозиция должна периодически обновляться на 20–25%. Так делают многие западные музеи — Лувр, Орсе, Центр Помпиду, Национальная галерея в Лондоне.
Наш ответ французам: 10 картин из нового Музея русского импрессионизма
Анна Михайлова
Бывшее здание кондитерской фабрики “Большевик” превратилось в частный Музей русского импрессионизма. Анна Михайлова выбрала 10 знаковых работ собрания.
На территории бывшей фабрики “Большевик” 28 мая для широкой публики открывается уникальный Музей русского импрессионизма. Здесь любителей импрессионизма ждут не Моне и Мане, а Серов и Кустодиев. Мы выбрали 10 знаковых работ собрания.
Василий Поленов, “В Крыму”
Постоянная экспозиция нового частного Музея русского импрессионизма (МРИ) состоит из 70 картин выдающихся мастеров конца XIX — начала XX века.
Однако, по словам директора нового выставочного пространства Юлии Петровой, основой собрания стали именно две работы Поленова: “Конечно, его нельзя назвать импрессионистом в полном смысле этого слова, однако именно Поленов первым рассказал своим ученикам, в том числе Константину Коровину и Валентину Серову, о новых мировых тенденциях”.
Валентин Серов, “Окно”
Имя Валентина Серова в этом году стало известно даже тем, кто никогда не интересовался искусством. Очереди на ретроспективу художника в Третьяковской галерее вызвали небывалый ажиотаж. В коллекции МРИ выдающийся портретист представлен картиной “Окно”.
В 1887 году художник совершил поездку по Италии и под впечатлением от современной европейской живописи написал по возвращении свою знаменитую “Девочку с персиками”.
В картине “Окно”, как и в шедевре из Третьяковской галереи, чувствуется особенная свежесть и “трепет жизни”, характерные для импрессионизма.
Николай Кузнецов, “Портрет Маруси”
Еще один мастер портретной и пейзажной живописи конца позапрошлого столетия — Николай Кузнецов — представлен в новом музее работой “Портрет Маруси”. На полотне изображена любимая дочь художника — знаменитая оперная певица Мария Кузнецова-Бенуа.
В этой трогательной и живой работе можно найти аналогии с женскими портретами Ренуара, а в том, как написана фигура девочки и ее воздушное платье — влияние Дега.
Борис Кустодиев, “Венеция”
Один из самых в прямом смысле ярких живописцев в этом собрании — Борис Кустодиев. Известный широкой публике по “Купчихе за чаем”, Кустодиев всегда считался мастером изображения праздничного крестьянского и купеческого быта с его шумными ярмарками, краснощекими девицами в пестрых платках и удалыми молодцами с гармониками.
Тем удивительнее, что “Венеция” Кустодиева по технике похожа на картину Клода Моне “Впечатление”, от которой и произошел термин импрессионизм (impression — впечатление). А по глубине красок полотно Кустодиева напоминает “Звездную ночь над Роной” Ван Гога.
Владимир Баранов-Россине, “Дорожка в саду”
В отличие от своих предшественников, тяготевших скорее к передвижничеству и жанровой живописи, Владимир Баранов-Россине прославился как авангардист. Прекрасный рисовальщик и скульптор, он в 1910 году уехал в Париж, где поселился в знаменитом “Улье” вместе с художниками Марком Шагалом, Осипом Цадкиным и Хаимом Сутиным.
После краткого возвращения на родину художник окончательно перебрался во Францию в 1925 году.
К сожалению, роман Баранова-Россине с родиной импрессионизма закончился печально — в разгар Второй мировой войны его арестовало гестапо и отправило в Освенцим, где он и погиб год спустя. В России осталось не так много его картин, поэтому возможность увидеть “Дорожку в саду”, безусловно, стоит использовать.
Петр Кончаловский, “Каток “Динамо”
Для тех, кому Петр Кончаловский известен как лауреат Сталинской премии и ордена Трудового Красного Знамени, его связь с импрессионистической традицией может показаться неочевидной.
На самом деле, он проходил учебу в легендарной частной академии художеств Жюлиана в Париже и был прекрасно знаком с техникой уже терявшего на тот момент популярность во Франции направления. Спустя полвека после своего заграничного ученичества Кончаловский написал этот пейзаж советской столицы, используя те же приемы и придавая московскому катку романтические черты ночного Парижа.
Михаил Шемякин, “Девочка в матроске”
Михаил Федорович Шемякин — незаслуженно забытый художник начала ХХ века. Ученик Серова и Коровина, он совершенствовал мастерство в Мюнхене, а также неоднократно совершал творческие поездки в Чехию.
Шемякин был одним из первых последователей передвижников, кто сознательно обратился к импрессионизму. Это хорошо видно по картине 1910 года “Девочка в матроске”. Широкие ритмичные мазки и видимость незаконченности придают полотну легкость.
Юрий Пименов, “Мокрые афиши”
Еще один мэтр советской живописи, Юрий Пименов, представлен в основной экспозиции картиной “Мокрые афиши”. Это символично: ведь Пименов был выдающимся театральным художником и сценографом. На полуразмытой дождем афише мы видим анонс премьеры спектакля по пьесе Островского “Таланты и поклонники” в театре им. Маяковского.
Арнольд Лаховский, “Город во Франции”
Одновременно с открытием основной экспозиции МРИ представляет и первую временную выставку. Ее героем стал Арнольд Лаховский — талантливый ученик Репина, получивший признание в Европе и США. Нынешняя ретроспектива “Арнольд Лаховский. Очарованный странник” впервые представляет его московской публике.
Кураторы собрали почти пятьдесят его работ из 12 коллекций, стремясь показать все периоды творчества художника. “Город во Франции” — своеобразное посвящение пейзажисту Альфреду Сислею, поклонником которого был Лаховский.
Арнольд Лаховский, “Улица в Пскове”
Картина “Улица в Пскове”, напротив, яркий образец именно русского импрессионизма, который отличала национальная специфика — деревенский характер, этюдность и акцент на предметность. По этой работе заметно, что русский импрессионизм тяготел к реализму; в нем меньше динамичности и воздушности, чем во французском первоисточнике и больше материальности и нагруженности смыслами.
Музей Русского Импрессионизма | COZY MOSCOW
Этой весной в городе появился новый прекрасный современный музей. На основе своей личной коллекции, российский миллиардер и меценат Борис Минц создал в Москве частный Музей Русского Импрессионизма, для которого радикально перестроил бывший амбар на территории принадлежащей ему кондитерской фабрике «Большевик».
У Павла Михайловича Третьякова появились последователи и это очень радостно, друзья. Прекрасное месторасположение, работы великих мастеров, терраса, кофейня, молодые приятные сотрудники и входной билет всего 200 руб., а со льготами и того меньше.
Разве это не счастье? Слово нашему восхищенному корреспонденту Светлане Бердичевской.
Всего 10-12 минут от метро Белорусская и вы уже у центрального входа бывшей кондитерской фабрики «Большевик».
Промышленный комплекс был возведен в 1884 году французским архитектором Оскаром Дидио по заказу сыновей французского предпринимателя Адольфа Сиу.
Массивные здания из красного кирпича — постройки конца XIX века – отреставрированы одним из крупнейших британских архитектурных бюро и сохранили свой исторический облик. Сегодня здесь культурно-деловой центр.
Вы проходите по пустынному коридору между зданиями, которые объединены прозрачной крышей (офисы, одинокие кафе), и оказываетесь в уютном и светлом сквере внутреннего дворика. Весь путь к Музею Русского Импрессионизма по задумке архитекторов — это своеобразная часть музейного опыта.
Здание музея резко отличается от остальных построек фабричного ансамбля. Бывший мукомольный склад, возведенный в 60-е годы XX века, имеет необычную форму и представляет собой гигантский цилиндр со странным геометрическим элементом на крыше, напоминающим фигурку из тетриса.
Раньше постройка была также из красного кирпича, но британцы John McAslan + Partners превратили ее в космический арт-объект: снаружи — блестящий перфорированный металл и стекло, внутри- перекрытия, разбивающие глубокое пространство на пять этажей. Строение изначально было без окон.
Что-то подобное и искали довольно долго создатели музея: ведь отсутствие солнечного света идеально подходит для картинной галереи.
Обратите внимание
По мнению основателя музея- мецената и коллекционера Бориса Минца — импрессионизм русской школы мало изучен и недооценен: «Мне хотелось сделать проект, который был бы значим для русской культуры и для тех людей, которые любят искусство».
Постоянная экспозиция музея – это работы русских живописцев (среди которых как громкие, так и малоизвестные в России имена) из его частного собрания. Значительная часть картин, многие из которых сразу после революции были вывезены из России, была приобретена на европейских аукционах и возвращена на Родину.
Кропотливое составление коллекции длится уже более десяти лет и, к счастью, не прекращается.
Из изнуряющего июльского пекла вы попадаете в просторный, прохладный, светлый холл музея. Слева стойка администратора с электронным табло: вся информация о стоимости и услугах музея.
Цены приятно удивляют: 200 рублей входной билет, льготный 100 рублей, дети и подростки до 18 лет бесплатно. А если купить билет заранее на музейном сайте — скидка 25%.
Любительская фото — и видеосъемка не только приветствуются ( о чем напоминает официальный хэштег музея #RUSIMP), но и осуществляются абсолютно бесплатно.
Возможны групповые (не менее 15 человек) и индивидуальные (по предварительному запросу) экскурсии для взрослых и детей (для последних возобновятся с сентября). Внушительный список образовательных искусствоведческих программ на разный возраст (учебная студия для детей, лекторий для взрослых). А осенью откроется прекрасный магазин сувениров.
По другую сторону от входа расположен огромный экран, а вернее, несколько десятков экранов разного размера, на которые при помощи проектора транслируются картины художников-импрессионистов.
Важно
Правда не совсем обычным способом: они распадаются на фрагменты и соединяются снова, удаляются и приближаются, но главное — они словно создаются заново – мазок за мазком, незаметным, легким движением на глазах у зрителей.
Специально для музея известный американо-французский фотограф и документалист Жан-Кристоф придумал интересную инсталляцию «Дышащие полотна», предположив последовательность создания 40 картин из коллекции музея. Зрелище завораживающее.
Постоянная экспозиция музея посвящена развитию русского импрессионизма на протяжении столетия, начиная с 1870-х годов. Сказать, что экспозиция, включающая в себя более семидесяти картин, производит потрясающее впечатление – ничего не сказать.
И дело здесь, конечно, не только в преображающей силе искусства и в неповторимом очаровании светлой солнечной живописи: дело в той любви и атмосфере, которую отчего-то ощущаешь на физическом уровне, с которой эта коллекция была собрана. За каждой работой своя история, у каждой картины свой путь.
Формирование экспозиции ее создатели начали с редких ранних произведений Константина Коровина («В парке») и Валентина Серова ( «Окно» — подготовительная работа к портрету Ольги Трубниковой). Небольшие, этюдного формата, работы написаны в 1880-е годы.
Русский импрессионизм как новый подход, а не как заграничное изобретение и запоздалая вариация французского, затронул творчество Василия Поленова ( работы на выставке: «В Крыму», «В овраге», «Крым. Судак.
Бухта и гора Сокол») и Ильи Репина, а затем выплеснулся на полотна молодых художников — недавних выпускников Московского училища живописи: Сергея Виноградова («Дорожка в парке») и Станислава Жуковского ( «Интерьер комнаты», «Осенний лес») – учеников Поленова, Петра Петровича – ученика Левитана и Серова ( «В солнечный день», «Цветущий сад»).
Центральными работами экспозиции стали два холста, между которыми полвека и перелом национальной живописной традиции: «Лето» ( 1911) Николая Богданова-Бельского ( чью дипломную картину «Будущий инок» у совсем еще юного художника купила сама императрица) и «Летний день» ( вторая половина 1950-х- начало 1960-х) Александра Герасимова – ученика Коровина, которого в последствии назовут «воинствующим художником-реалистом» и борцом с «загнивающим» искусством Запада. Полотно Юрия Пименова «Афиши под дождем» стоит в одном ряду с ними. Кстати, именно Пименова в свое время, по его словам, «прорабатывали» за «импрессионистичность» и обвиняли в формализме.
Совет
Импрессионизмом увлекались практически все русские художники конца XIX – начала XX века ( многие, кстати, открещивались от этого факта). Не были исключением и авангардисты .
В экспозиции представлены полотна Петра Кончаловского («Каток Динамо») и тогда еще 19-летнего Владимира Баранова-Россине – художника с невероятно трагической судьбой (картина «Дорожка в саду», которая отчаянно напоминает живопись Густава Климта).
И наравне с такими знаменитыми фамилиями – успешными, так или иначе, на Родине или в эмиграции — на экспозиции вы обязательно откроете для себя новые имена, связанные с русским экспрессионизмом: Николая Тархова, Николая Бондаренко, Владислава Потехина и многих других.
Здесь же, в Большом зале, перед осмотром постоянной экспозиции вы ни за что не пройдете мимо нескольких интерактивных изобретений, связанных с импрессионизмом и живописью, как таковой. Вот изображения за стеклом — уменьшенные копии известных художников.
«Репин в студии» — это небольшая комнатка и воссозданный в ней интерьер. «Грабарь на пленэре» — зимний пейзаж и художник за работой.
Специальная система сенсоров на стекле реагирует на прикосновения, и вы можете подробно узнать о каждом предмете в мастерской (зачем в помещении человеческий скелет, например?) или выездных приспособлениях живописцев (что такое этюдник?).
А вот кисти, холсты, краски в интерактивной мастерской – настоящие, их можно потрогать. А за голографическими экранами находятся двойники объектов. И снова система сенсоров реагирует на прикосновение и передает информацию на экран: экспонат под стеклом оживает.
В другом разделе интерактивной программы, которая называется «Научная лаборатория», раскрываются секреты смешения цветов. Вы узнаете об истории исследования цвета, о цветовой круге Иттена и цветовой гармонии. Но самое интересное – это практическое задание.
У вас есть возможность самому применить полученные знания и создать бабочку (в самом прямом смысле, за стеклом появится голографическое изображение насекомого), используя желаемые сочетания цветов.
Обратите внимание
Дети от такого эксперимента приходят в чистый восторг! И наконец, видео-мастер-класс для начинающих художников, где каждый сам сможет нарисовать картину при помощи волшебного джойстика, пройдя все необходимые подготовительные этапы.
Пройдя зал галереи, вы оказываетесь в небольшой уютной кофейне Nook с двумя потрясающими панорамными летними террасами. Широкий и небанальный ассортимент кофе в авторском меню – отличный бонус к посещению музея.
Здесь можно сделать паузу и выпить, например, охлаждающий эспрессо-тоник на основе газированной воды и пюре манго ( 250 руб.) или фирменный кофе с апельсиновым сиропом (230 руб.), который здесь специально варится в домашних условиях.
Если хочется чего-то необычного, то в кофейном меню есть и альтернативные способы заварки кофе: кемекс и харио. Перекусить тоже возможно: сандвичи с «правильным» хлебом на любой вкус ( 250 руб).
ВНИМАНИЕ! Постоянная экспозиция в сентябре уедет на продолжительные «гастроли» в Болгарию. Поэтому, если хотите успеть увидеть уникальную коллекцию в этом году, поторопитесь. В декабре правда экспозицию планируется обновить и пополнить новыми полотнами из фондов музея.
А с 10 сентября по 27 ноября все залы музея заполнит проект «Элизии» Валерия Кошлякова- одного из самых известных и востребованных художников современности: его работы хранятся и выставляются в Третьяковской галерее, Центре Помпиду, Лувре.
Три его полотна из серии «Открытки» — «Венеция», «Лондон», и «Москва» ( 2012) – располагаются сейчас в Большом зале музея вместе с основной экспозицией и показывают связь времен. Русско-советский импрессионизм фактически закончился на Юрии Пименове, но создатели музея уверены, что существует своеобразное эхо в искусстве, которое и рождает новые имена и полотна.
Именно поэтому музей, наравне с идеей популяризации русского импрессионизма, открыт и для современного искусства. В декабре также планируется второй временный проект, связанный с Серебряным веком.
На этот раз будет организована персональная выставка русской и югославской художницы Елены Киселевой, чьи работы для участия в выставке музей сейчас собирает по всей Европе. Ее имя также мало известно в России широкой публике, несмотря на неординарные заслуги в искусстве.
Важно
Как найти: ст.м. «Белорусская» (рад.), Ленинградский проспект, д. 15, стр. 11. От станции «Белорусская» подняться на мост, идти по левой (нечетной) стороне Ленинградского проспекта пешком около 10 минут (в сторону области) до главного здания Культурно-делового комплекса «Большевик». Музей находится во внутреннем дворике.
Вдоль дороги по улице Скаковая есть городская парковка (40 рублей в час, по воскресеньям бесплатно). Также через дорогу, напротив здания Музея, на улице Скаковая есть парковка на 150 мест. В субботу и воскресенье по билету в Музей – бесплатно.
Текст — Светлана Бердичевская. Фотографии — Дмитрий Локтев.
