Необычный портрет гойи. злобные кошки и невинные птицы. – все о живописи

Кошка — синоним дьявола?

Кошки и котята в средневековье считались или сатанинским отродьем, или божьим созданием. Рядом с ведьмами всегда был черный кот, и это наше домашнее животное, мягкое и мурлыкающее всегда возбуждало интерес алхимиков, мистиков и церкви. Теологи христианства ассоциировали кошек с дьяволом. В народе со средневековья возникло множество суеверий, связанных с кошками.

Французский поэт Шарль Бодлер в 19 веке посвятил кошке стихи —

Мой котик, подойди, ложись ко мне на грудь,

Но когти убери сначала.

Хочу в глазах твоих красивых потонуть —

В агатах с отблеском металла.

В Египте кошку почитали под именем Элуро, кто убивал кошку совершал святотатство и осуждался на пытки. Если в доме кошка умирала естественной смертью, то семья объявляла траур, члены семьи сбривали брови, и из домашней богини делали чучело, бальзамировали тело кошки. В память о ней заказывали статую из оникса или мрамора, и так она продолжала жить в доме и в семье.

(Вспомните чучело XIV века любимой черной кошки Петрарки в его доме а Ардуе).

В греческом мифе кошка создана богиней Дианой, чтобы посмеяться надо львом, посланным Апполоном преследовать Богиню.
Обратите внимание

В Риме латиняне верили, что кошка воплощение лунной богини, которая убегала от Тифея, сторукого гиганта.

С распространением христианства все положительное, связанное с кошками, исчезает, её крадущееся движение, глаза, светящиеся в темноте и необъяснимое поведение связывают это животное с потусторонними силами.

В народе верили, что Вельзевул обычно превращался по ночам в кошку и ходил среди людей.

Лука из Биторно проповедовал: «Дьявол играет с душами так же, как кошка с мышью — несколько раз ловит и отпускает, чтобы затем убить, насладившись игрой».

В XIII веке дикая натура кошек, которые не поддавались дрессировке и одомашниванию, была приравнена к женщине — её стремлению к роскоши, драгоценностям и тщеславию.

Иногда в иконографии Тайной Вечери мы видим кошку перед угрожающей ей собакой — символ разрушенной дружбы. У ног Иуды такая сцена — прямое указание на его предательство.

В женских Портретах 18 века присутствие кошки намекало на распутную хозяйку.

Благовещение, Лоренцо Лотто

Благовещение, Лоренцо Лотто

Художник придерживался здесь средневековых традиций изображения Благой вести, которую Ангел сообщает Марии. На картинах часто изображали испуганную и удивленную Вестью Марию. Церковь вмешивалась, и художникам приходилось менять синопсис — подготовительный рисунок, а иногда изменять уже готовую работу.

Так случилось в Монтесиепи в церкви Сан Гальгано — художнику Амброджио Лоренцетти пришлось изменить картину и убрать испуганную Марию (он полностью переписал персонаж Марии). Лоренцо Лотто испуг и удивление Марии выразил в своей работе Благовещение при помощи изображения убегающей кошки.

Кошка на картине реальна и символична одновременно.

Испуганная кошка кидается к ногам Марии

Важно

Чудесное явление Ангела приобретает реалистичные черты — удивленная Мария отвернулась от пюпитра с книгой. Динамизм картине придает кошка, от испуга (зло не может увидеть божественное явление) она бежит к ногам хозяйки.

Тайная Вечеря, Джироламо Романино, Базилика Санта Джустина, Падуя

Тайная Вечеря, Джироламо Романино,Санта Джустина, Падуя

Кошка у ног предателя Иуды

Монастырь Святой Джустины заказал эту работу Романино, и мы видим кошку у ног Иуды (его опознают по мешочку с тридцатью серебренниками на поясе — платой за предательство).

Собака смотрит на Христа — верность

На противоположной стороне картины Романино изобразил белоснежную собаку, морда ей обращена к Иисусу — символ верности и дружбы.

Тот же художник Романино в Брешии на Тайной Вечери в церкви аббатства в Монтикьяри изобразил кошку около Иуды, который пролил вино, кровь Христа. Снова указание на свершившееся предательство.

Ужин в Эммаусе, 1526 год, масло на холсте, 147 на 305см, Моретто, Пинакотека Тозио Мартиненго, Брешия

Ужин в Эммаусе, 1526 год, Моретто,Пинакотека Тозио Мартиненго, Брешия

Портрет Мануэля Озорио Манрика де Цунига, Франциск Гойя

Портрет, Франциск Гойя

Три кошки на картине Гойи наблюдают за птицей — сорокой-воровкой, которую мальчик держит на привязи.

Птица на привязи — ловушка для невинной души младшего сына графа Альтамира, кошки нацелились на приманку — символ происков дьявола.

Кошки наблюдают за сорокой

Не случайно сорока украла карточку, на которой есть имя художника. Так Гойя решил подписать свою работу. Читайте статью о зашифрованных подписях Имя художника-ребус на картине.

Натюрморт с цветами, кошкой и ловушкой для мышей, Абрам Миньон.

Натюрморт с цветами, кошкой и ловушкой для мышей, А.Миньон

Картина -предостережение против опасностей любовной страсти и обольщения.

Кошка на натюрморте

Полосатая кошка и пойманная мышь символизируют сладострастие. Ваза с цветами опасно качается на краю стола, сдвинутая кошкой — непостоянство человеческой природы, лёгкой добычи коварных искушений.

Читайте на сайте статьи про другие символы на картинах

Львы в Венеции

Смерть на портрете

Значение рубинов и изумрудов 

Лестница — что это значит?

Военная символика на домах Вероны

Лев — христианский символ

“Чёрные картины” Франсиско Гойи

«Я – Гойя! Глазницы воронок мне выклевал ворон, слетая на поле нагое. Я – Горе». Так написал в своём знаменитом стихотворении Андрей Вознесенский, подтвердив существующее мнение о том, что современный человек воспринимает великого испанца, в первую очередь, как создателя мрачных, пугающих и трудно постижимых творений.

Между тем, Франсиско Гойя это не только голод и повешенные бабы. Прежде всего, он первый художник-модернист, изменивший классическое представление о композиции в живописи.

Гойю справедливо считают связующим звеном между старым и новым искусством, наследником Веласкеса и предшественником Мане.

В его картинах присутствуют как  чувственность и ясность прошлых веков, так и плоский анти-иллюзионизм современной эпохи.

Совет

У Гойи не было любимого жанра. Он писал пейзажи и натюрморты. Ему одинаково хорошо удавались лица напыщенных вельмож и заманчивые черты женских тел. Его кисти принадлежат яркие исторические полотна и картины, гениально передающие содержание библейских сюжетов. Но в творчестве Гойи есть одна особенность, которую не встретишь у других художников.

Никто и никогда не изображал так убедительно и достоверно жестокость, суеверия и безумие. Гойя сумел показать самые крайние и отталкивающие свойства человеческой натуры с максимальным реализмом и честностью.

 Наиболее ярко эта особенность его художественной натуры проявилась в, так называемых, “Чёрных картинах”, – комплексе фресок, которыми Гойя покрыл стены своего дома, расположенного в предместье Мадрида.

Кинта дель Сордо (Дом Глухого)

В 1819 году Гойя переезжает из Мадрида в загородный дом с поместьем, известный как Кинта дель Сордо (Дом Глухого).

Кинта дель Сордо (Дом Глухого). Рисунок выполнен Сейнт-Элмой Гаутьер в 1877 году. Дом Гойи – небольшое строение слева. Правое крыло было возведено после смерти художника.

К этому времени художник пережил череду личных трагедий: смерть жены и нескольких детей, разлуку с близкими друзьями, тяжёлую болезнь, которая стала причиной его глухоты.

Поселившись за городом, в тихом месте за рекой Мансанарес, Гойя надеется обрести душевный покой и избежать сплетен вокруг его отношений с Леокадией Вайс, молодой красивой женщиной, которая на тот момент была замужем за богатым купцом Исидоро Вайсом.

Но непростая ситуация в стране, которую художник остро переживает, и тяжёлый сердечный приступ, оказывают разрушающее воздействие на его здоровье и психику. У Гойи начинается депрессия. Он не видит в окружающем мире ничего радостного и светлого.

Пытаясь справиться с внутренним хаосом и тоской, Гойя на стенах комнат своего дома пишет масляными красками пятнадцать картин, которые впоследствии назвали «чёрными» за тревожное настроение и преобладание в палитре тёмных тонов.

Некоторые из них посвящены библейским или мифологическим сюжетам, но в основном «Чёрные картины» это мрачные порождения фантазии художника.

Обратите внимание

Существует множество объяснений тому, какой философский и символический смысл имеют росписи из «Дома глухого». Некоторые исследователи творчества Гойи считают, что «Чёрные картины» вообще не поддаются пониманию.

Что такое эти фрески? Проекции кошмарных снов, запечатленные галлюцинации больного рассудка или зашифрованные пророчества грядущих бед, ожидающих, как самого Гойю, так и всё человечество? Однозначного ответа не существует.

Однако с уверенностью можно сказать, что в «Чёрных картинах» Гойя, возможно спонтанно и непреднамеренно, в виде пугающих загадочных образов  выразил то, что его мучило и беспокоило: гражданскую войну, крах испанской революции, отношения с Леокадией Вайс, собственное неизбежное старение и приближающуюся смерть.

Расположение «чёрных картин» на стенах «Дома глухого» художник подчинил определённому плану, объединив своё творение в единый комплекс, который  можно разделить на две части: нижнюю и верхнюю.

Поэтому, чтобы «прочитать» росписи Кинта дель Сордо, понять их скрытый смысл надо исходить не только из того, что изображено на фресках, но и принять во внимание их пространственные отношения друг с другом.

Фрески первого этажа

В длинной вытянутой комнате нижнего этажа, в простенках, находилось семь фресок, которые были выполнены в одном стиле и представляли собой законченную композицию.

По обе стороны от входной двери размещались два портрета: предположительно, самого мастера и его экономки Леокадии Вайс, ставшей, впоследствии, хозяйкой дома.

Портрет Леокадии, находившийся с левой стороны, изображает молодую элегантную женщину, которая стоит, прислонившись к могильной ограде.

Леокадия

Важно

Что означает могила? Возможно, Гойя хотел показать, что Леокадия ждёт смерти своего мужа, который мешает ей стать законной женой художника. Или это могила самого Гойи и портрет говорит о мрачных предчувствиях, которые им овладели?

Справа от двери расположились «Два старика».

Два старика

Старик с длинной бородой, напоминающий фигуру с рисунка Гойи «Я всё ещё учусь», скорее всего, изображает самого живописца. Вторая фигура, это демон его вдохновения или инфернальный искуситель, который вынужден кричать глухому художнику в ухо, чтобы тот его услышал.

Две старухи, едящие из общей посуды

В углублении над дверью, – «Две старухи, едящие из общей посуды». На эту фреску обращают мало внимания, но она имеет большое значение для всей композиции. Изображённые на ней фигуры, не только едят, но и указывают на какое-то место вне пространства картины. Куда направлены их пальцы?

Может быть, художник пародировал самого себя, намекая на написанные им когда-то портреты герцогини Альбы?

Но скорее всего, старухи указывают на Гойю, как бы напоминая ему о старческой немощи и скорой смерти.

На противоположной к входной двери стене Гойя написал две, разделённые окном картины, ставшие впоследствии наиболее известными среди его современных почитателей: «Сатурн, пожирающий своих детей» и «Юдифь, отрубающая голову Олоферну», которые так же, как и фрески у входной двери являются изображениями Гойи и Леокадии, но символическими.

Сатурн, пожирающий своих детей

Отождествив себя с Сатурном, Гоя выразил свой страх за сына Хавьера, которого он боялся погубить неправильным воспитанием, ревностью или несправедливым гневом. Уродливое языческое божество, съедающее собственного ребёнка, это эмоциональная метафора неизбежного столкновения отцов и детей.

Юдифь, отрубающая голову Олоферну

В образе Юдифь, олицетворяющем власть женщины над мужчиной, нашли своё отражение переживания Гойи, связанные с его старением и угасанием сил. Очевидно, что отношения с Леокадией усиливали это горькое чувство.

Совет

Слева от «Леокадии», на большой продольной стене между окон, находился огромный фриз «Шабаш ведьм» или «Большой козёл». Напротив него на правой стене – фриз “Паломничество к св. Исидору”, изображавший ежегодное народное гуляние, устраиваемое в Мадриде.

Шабаш ведьм

Гойя и прежде обращался к теме колдовства и сатанизма. Ведьмы присутствовали в качестве главных персонажей на его знаменитых гравюрах «Капричос». В 1798 году он написал картину, которая носила такое же название, что и фреска в «Доме глухого». Но, судя по всему, художника интересовала не магия, как таковая, а суеверия, существовавшие в то время в испанском обществе.

«Шабаш ведьм», несмотря на своё гнетущее и тревожное настроение, произведение, скорее всего, сатирическое, в котором Гойя высмеивает человеческую глупость, необразованность и отсутствие рационального мышления. Надо сказать, что эта фреска имеет ещё один, политический подтекст.

Её содержание направлено против роялистов и духовенства, получивших значительную власть после поражения испанской революции.

Паломничество к св. Исидору

“Паломничество к св. Исидору” мрачная карикатура Гойи на быт и нравы Испании начала 19 века. Пьяная, горланящая песни толпа простолюдинов явно не охвачена религиозным чувством. Для участников паломничества праздник одного из самых почитаемых в Испании святых всего лишь повод, для того чтобы выпить и покуражиться.

Тем не менее, тьма, которая окутывает идущую толпу, и испуганные лица паломников придают картине мрачное настроение. Чтобы усилить драматизм происходящего, в правый нижний углу фрески Гойя поместил фигуру монаха, который с горечью и скорбью наблюдает за процессией. “Паломничество к св. Исидору” невольно хочется сравнить с другой, наполненной светом и радостью работой Гойи “Праздник в день Св.

Исидора”, которую он написал за сорок пять лет до создания «чёрных картин».

Праздник в день Св. Исидора

Фрески второго этажа

В комнате второго этажа было восемь пригодных для росписи простенков, но Гойя использовал только семь из них.

Направо от входной двери находилась загадочная «Собака», на длинной левой стене «Атропос» или “Мойры” и «Поединок на дубинах», на противоположной правой – «Асмодея» и «Прогулка инквизиции», на стене напротив входа и слева от окна располагались “Читающие”, справа – “Смеющиеся женщины”.

«Собака», самая странная и породившая множество толкований фреска, визуально разделена на две части, верхнюю и нижнюю.

Собака

Верхняя светло-жёлтая часть занимает основное пространство изображения, поэтому зрители обычно воспринимают её, как золотистое небо, раскинувшееся над коричневым зыбучим песком, из которого пытается выбраться собака.

Её взгляд, направленный вверх, к загадочному тёмному участку, кажется обращением за помощью к высшим силам.

Возможно, что именно так ощущал себя художник в тот непростой для него период: одиноким, погибающим в пучине нахлынувших на него бед и несчастий, но не теряющим надежды на чудесное спасение.

Расположенная на левой стене роспись, получившая название «Атропос», сюжетно связана с древнегреческой мифологией.

Атропос (Мойры)

Гойя изобразил богинь судьбы, Клото, Лахесис и Атропос в виде парящих в воздухе безобразных отталкивающих существ. В центре картины, в окружении богинь находится фигуры мужчины, со связанными за спиной руками, что, по всей видимости, означает бессилие человека перед ударами судьбы.

Обратите внимание

Находящийся рядом с «Атропос» «Поединок на дубинах» показывает двух, бьющихся насмерть мужчин, которые глубоко увязли в грязи и, поэтому, не могут покинуть место сражения.

Поединок на дубинах

Судя по тому, что мужчины очень похожи друг на друга, их бой символизирует гражданскую войну, бушевавшую в то время в Испании.

Занимающая первый правый простенок «Асмодея», наверное, самое труднообъяснимое произведение из всех, написанных художником на стенах «Дома глухого».

Асмодея

Две фигуры, мужская и женская, застыли в воздухе. Их лица искажены страхом, жесты выражают тревогу. Видимо, персонажи фрески чувствуют себя незащищёнными от опасностей, которые таит в себе раскинувшийся под ними мир. Мужчина протянул руку к огромной скале, на которой расположен город с крепостными стенами. Женщина смотрит в противоположную сторону.

Внизу, под летящими фигурами,  видны французские солдаты, готовые вести прицельный огонь, и группа людей с лошадьми и повозками.

Несмотря на пугающее и чрезвычайно тревожное настроение картина невероятно красива, благодаря наполняющему её золотистому фону, с синими и серебряными вкраплениями, на котором расположены два, не связанных между собой, ярко-красных объекта.

Следующая за «Асмодеей» «Прогулка инквизиции» имеет неясный сюжет и, возможно, была не закончена.

Прогулка инквизиции

Композиция картины нарушена: внимание зрителя привлекает правый нижний угол, в котором находятся группа неприглядных персонажей с человеком в мантии инквизитора на переднем плане.

Оставшуюся часть занимает мрачный горный пейзаж с неясными человеческими фигурами.

У этой картины есть второе название – «Паломничество к источнику Сан-Исидро» и её часто путают с росписью, находящейся на первом этаже, которая имеет похожее название.

Важно

Разделённые окном «Читающие» и «Смеющиеся женщины» выполнены в одной стилистической манере и композиционно дополняют друг друга.

На «Читающих» изображена группа мужчин, которые с большим вниманием слушают человека, читающего вслух газету, лежащую у него на коленях. Некоторые исследователи творчества Гойи считают, что это политики, которые изучают посвященную им статью.

Читающие

«Смеющиеся женщины» это своего рода парафраз «Читающих», где внимание двух смеющихся женщин сосредоточено на мужчине, который, по всей видимости, занят мастурбацией. Каков истинный смысл этого своеобразного диптиха? Наверное, художник хотел показать, что политические собрания, как и онанизм, занятие бесплодное, но доставляющее удовольствие.

Смеющиеся женщины

Загадки, связанные с «чёрными картинами», не ограничиваются их таинственным содержанием. Существует предположение, впрочем, неоднократно опровергнутое, что автором фресок Кинта дель Сордо является не Гойя, а его сын Хавьер.

Авторы этой теории исходят из того, что современники Гойи не знали о существовании «тёмных картин» и никогда их не видели, а первое упоминание о фресках появилось в печати спустя 40 лет после смерти художника.

  Кроме того, «Дом глухого», в то время, когда в нём жил Гойя, имел только один этаж, а второй был построен после его отъезда во Францию. Следовательно, авторство Гойи нельзя считать бесспорным.

∗∗∗∗∗

В настоящее время «чёрные картины», перенесённые со стен на холст, выставлены в музее Прадо в Мадриде.

Несмотря на то, что порядок расположения картин не соответствует «Дому глухого» и целостность композиции нарушена, их воздействие на зрителя не уменьшилось.

Мрачные и пугающие образы, созданные испанским гением, вызывают сильные и противоречивые чувства, заставляя восхищаться безобразным, восторгаться уродливым и наслаждаться отвратительным.

Совет

1. The Black Paintings
2. The Secret of the Black Paintings
3. The unflinching eye
4. Goya’s Black Paintings Harsh, but Honest
5. Goya: The Black Paintings
6. The Black Paintings

7. Прокофьев, Валерий Николаевич. Гойя. Ансамбль росписей нижнего этажа Дома Глухого. 1820 / В. Н. Прокофьев. – С .131-188. Мастера классического искусства Запада : сб. ст. / Акад. наук СССР, Всесоюз. науч.

-ислед. ин-т искусствознания ; [ред. и сост. В. Н. Прокофьев]. – М. : Наука, 1983. – 285, [2] с. : [12] л. ил. ; 21 см.-Библиогр. в примеч. в конце ст. – В надзаг. также: М-во культуры СССР. – 28000 экз.. – (в пер.

)

5 безумных теорий, способных изменить ваше видение гениальных произведений искусства

Мы даже не думали умалять значение работ великих мастеров из данной статьи или же убеждать Вас умерить свое восхищение ими. Но и признанным художникам свойственно ошибаться, ведь они всего-навсего несовершенные человеческие существа. Потому мы не можем отбросить эти теории о том, что их знаменитые работы – результат различных случайностей, обмана или откровенного мошенничества.

Сразу хотим подчеркнуть здесь слово «теории» – ни одна из них не была доказана, и, вероятно, никогда не будет. Тем не менее, интересно задуматься о том, что…

Даже если Вы ничего не смыслите в искусстве, скорее всего, Вам удастся узнать его картины по особому стилю: заметным мазкам кисти, завиткам и необычной расцветке.

Так, наверняка Вы видели «Звездную ночь».

Говоря о «необычной цветности», мы имеем в виду, что порой им использовались краски нереалистичных оттенков. Пример – другая известная картина Ван Гога «Подсолнухи».

Центр его цветков ярко-красный (живые подсолнухи, как правило, темно-красно-коричневые), а желтый цвет блеклый в сравнении с ним. Но ведь именно по этой причине он гениальный художник, а мы просто кучка претенциозных умников.

Склонность к подобным чудаковатым вариациям и отделяет истинных творцов от жалких обывателей (а иногда и от их собственных ушей).

Но вот какая штука: покажите эту картину человеку с определенным типом дальтонизма – при котором нарушено восприятие красной части спектра – и он скажет: «Необычная расцветка? По-моему, выглядит довольно реалистично».

Видите ли, вот что породило слухи о том, что Ван Гог был дальтоником.

Обратите внимание

Поэтому дизайнер Казунори Асада применил светофильтр ко всем картинам художника, чтобы узнать, как бы он видел их согласно теории. И Асаде открылось, что своеобразные цветовые решения могли быть выбраны случайно, в связи с тем, что бедняга не различал их. Он попросту мог не ведать, что по ошибке использует красный пигмент.

Казунори не утверждает, что отредактированные картины выглядят лучше, но так они кажутся более реалистичными. Рассмотрим еще одно произведение Ван Гога – «Дорожных рабочих».

Резкие черные линии, как в книге комиксов, окружающий их необъяснимо зеленый цвет на стволах деревьев.

Аналогично, взгляните на неестественную зелень в середине его «Цветущего сада с тропинкой».

Трава всегда зеленее, когда ты дальтоник.

Опять же, мы не беремся утверждать, что возня с цветовой гаммой картин Ван Гога «улучшает» их – мы все еще в своем уме. Но адаптированными они определенно более приближены к реальному миру, значит, необычное использование цвета Винсентом могло быть результатом того, что он просто не видел свои картины, как их видят другие. Он на самом деле мог не знать, что рисует «Пшеничное поле со жнецом на закате солнца» ярко-оранжевым.

Успех Энди Уорхола могут списать на синдром Аспергера

В 1960-х годах эксцентричный художник Энди Уорхол навсегда изменил представление об изобразительном искусстве, когда повесил 32 идентичные картины банок с супом в галерее, комично уронил кисть в конце своего показа и назвал его своим шедевром. Так был рожден жанр поп-арт.

Феномен использования рекламных изображений, образов знаменитостей и рисунков из комиксов в выставочных работах стал одним из культовых и широко распространенных художественных явлений ХХ века.

Если бы Вы прогуливались по галерее с бесчувственным критиканом, он мог бы ухмыльнуться, глядя на ряды одинаковых банок супа, и сказать: «Эта мазня выглядит, как творение некоего малыша с синдромом Аспергера, все выходные просидевшего в своей комнате. А суп-то мальцу по вкусу».

Что ж, резкая оценка или нет, но некоторые эксперты согласились бы с ней.
Важно

Спустя десятилетия после смерти Уорхола, несколько психиатров и ученых, в том числе доктор Джудит Гулд и профессор Майкл Фицджеральд, диагностировали художнику расстройство аутистического спектра (РАС).

РАС характеризуется сдержанностью в проявлении эмоций, лаконичностью речи и одержимостью следованием фиксированным распорядкам и увлечениям – всем, что, по словам его знакомых, наблюдалось в поведении Уорхола.

Эксцентричность Энди не ограничивалась лишь повторным рисованием однообразных картин с консервной банкой – его друзья сообщали, что он ел томатный суп каждый божий день, а в своей автобиографии Уорхол признался, что с безумным постоянством, снова и снова покупал одну и ту же модель трусов из зеленого хлопка.

В довершение всего вышесказанного, Эндрю был известен своим неординарным отношением к людям – так, комментируя самоубийство друга, он сказал лишь, что хотел бы оказаться там в то время, чтобы все заснять – что также является своего рода социальной неловкостью, присущей расстройству аутистического спектра.

Кроме того, после его смерти обнаружили, что у Уорхола были проблемы с накопительством (не только зеленого белья, но и других бесполезных безделушек, например банок для хранения печенья, которые он усердно коллекционировал, но никогда не распаковывал), а последние годы своей жизни Энди провел, без конца воссоздавая картину Да Винчи «Тайная вечеря» – более 60 раз.

Учитывая, что художник всегда настаивал, будто его работы не несут в себе никакого смысла, вполне вероятно, он был абсолютно искренен – не пытался сделать хитроумные заявления об искусстве или состоянии общества, а был простым обсессивным парнем, очень, очень любившим суп. Безгранично. Но вот в чем ирония: возможно, в процессе создания чего-то бессмысленного, Энди на самом деле сотворил удивительный портрет разума, попавшего в западню, выполняющего одну и ту же бесцельную задачу вновь и вновь. Выходит, в конечном счете все имеет смысл! Так-то, Уорхол!

«Мрачные картины» Гойи, вероятно, – подделка

Франсиско Гойя был испанским живописцем XVIII века, представителем эпохи романтизма, в основном писавшим портреты пухлых богачей и веселых дружеских компаний, наслаждающихся пикником на солнце.

Затем, после перенесенного в старости заболевания, он окончательно свихнулся, заперся в своем сельском доме в Испании и стал покрывать стены страшными фресками.

«Сатурн, пожирающий своего сына» – самая известная работа в серии из 14 так называемых Мрачных картин, которыми Гойя решил украсить свое жилище в предсмертные годы, и остальные произведения не менее тревожащие.

Никто не знал о задумке художника вплоть до его кончины, пока внук-наследник не наткнулся на карнавал ужасов, в который превратился дом изнутри.

По крайней мере, так утверждает история.
Совет

Не так давно искусствовед Хуан Хосе Хункера начал исследовать «Мрачные картины» и заметил некоторые странности.

С одной стороны, к психически неуравновешенному Гойе все еще наведывались несколько друзей и посетителей в заявленный период создания фресок, но никто из них никогда не упоминал о подобных работах.

«Вах, Франс, это определенно интересный портрет мужчины, чей взгляд выражает ужас и безумие, доселе не испытанные ни одним смертным, в то время как он со слезами на глазах пожирает сырого человеческого младенца! Передай бобы?» К тому же, в отчетах о результатах описи имущества дома Гойи, проведенной после его смерти, нет сведений о каких бы то ни было «Мрачных картинах», а большинство оценщиков недвижимости наверняка заметили бы такого рода вещи во время осмотра.

Хункера считает, что росписи могли быть подделкой, частью сговора потомков художника с целью выдоить побольше денег у покупателей дома. Джульетта Уилсон-Барео, специалист по творчеству Гойи, ранее уже выражавшая подозрения по поводу других подлогов, сразу добавила, что если теория Хункеры верна, скорее всего, автором фресок был сын Франсиско, Хавьер, который умел рисовать, но так и не смог разбогатеть продажей собственных работ. Легко представить, как он берет охапку созданных им неходовых картин и бросает их к произведениям своего знаменитого отца. «Ой, смотрите все! Мы нашли еще кучу мега ценных шедевров Гойи, просто валявшихся в углу! Кто хочет начать торги?»

Несмотря на все улики, куратор музея Прадо утверждает, что картины не будут проданы или перемещены, даже если их признают подделками, потому что они часть культурного наследия Испании. Это самый оригинальный способ заткнуть уши пальцами и сказать: «Ла, ла, ла, я Вас не слышу!»

Мария и Иисус Микеланджело, возможно, любовники

«Пьета» Микеланджело – наверное, самое известное изображение Иисуса после распятия, изваяние его тела, безвольно лежащего на руках своей матери Девы Марии.

Поза была скопирована десятками других деятелей искусства, но статуя сохранила своеобразие: так, почему Мария выглядит моложе собственного сына?

На протяжении сотен лет традиционная трактовка состоит в том, что Микеланджело просто использовал художественную вольность, чтобы подчеркнуть аспект «непорочности», но, в соответствии с теорией, выдвинутой историком искусств Чинцией Киари в недавнем документальном фильме “Science Channel”, наши предположения могут оказаться неверными. Мраморная Мария может быть Марией Магдалиной, последовательницей Христа, и скульптор, возможно, дерзко намекал на то, что она была любовницей Иисуса.

Естественно, все это попахивает Дэном Брауном, а фильм называется «Библейские заговоры», что звучит, как нечто в духе «документалок» на “History Channel”, повествующих о том, что Стоунхедж был построен людьми-рыбами с Альфы Центавра. Но существует достаточно зацепок для построения интригующей теории.

Прежде всего, недавно обнаруженная терракотовая модель для выбора конечного вида мраморной статуи свидетельствует о том, что изначально Микеланджело хотел включить в композицию Амура, с луком и стрелами (хотя его хрупкая голова откололась столетия назад, Ваша – на месте, и Вы сами в состоянии решить, символично это или нет). Греческий бог романтической любви в соседстве с матерью Иисуса, скорбящей по своему мертвому сыну, смотрится довольно странно – но, если Микеланджело подразумевал там Марию Магдалину, тогда и Купидон приходится кстати.

Рембрандт и Вермеер могли рисовать свои творения «под копирку»

Эпоха Ренессанса действительно стала золотым периодом со становлением ультра-реалистичных стилей фламандских и нидерланских мастеров XVII века. Нет более знаменитых живописцев, чем Ян Вермеер, Ян ван Эйк и Рембрандт, чьи произведения отличаются невероятным числом деталей почти фотографического качества, даже если они по-прежнему изображают глухую старину.

Но британский художник Дэвид Хокни выдвинул спорную теорию о том, каким образом эти художники могли так реалистично воссоздать все детали – скопировать их и столетиями дурачить своих почитателей.

Как отмечает Хокни, художники эпохи Возрождения были прекрасно осведомлены о существовании изобретения, ставшего предшественником современного фотоаппарата – камеры обскуры – простого устройства, позволяющего проецировать изображение из реальной жизни на смежную поверхность (получать оптическое изображение объектов).

Обратите внимание

Дэвид убежден, что некоторые гении Ренессанса могли использовать этот аппарат для наложения основ своих реалистичных картин на холст по принципу бритвы Оккама – выбора более простого способа.

Естественно, искусствоведов и кураторов возмутило предположение о том, что некоторые из величайших художников в истории могли быть обманщиками, но Хокни тут же поспешил заверить: он не считает, что это уменьшает их достижения.

И вот тогда в схватку вступает исследователь Тим Дженисон – не имея ни малейшего опыта в живописи, он обратился за помощью к фокусникам/развенчателям мифов Пенну и Теллеру, чтобы проверить, сможет ли сам создать шедевр эпохи Возрождения, используя лишь камеру-обскуру.

Тим, Теллер и Пенн воспроизвели обстановку комнаты – сцену, изображенную на картине Вермеера «Урок музыки», и настроили свой ретро-чудо-прибор. Затем Дженисон, в рамках проекта впервые взявший в руки кисть и палитру, приступил к работе, копируя сюжет, используя проекцию. Результат пронзил сердца любителей искусства во всем мире.

Конечно, это не доказывает теорию. Просто техника реалистичной живописи случайно возникла примерно в то же время, что и изобретение, способное облегчить создание подобных картин. Если художники не ходили кратчайшим путем, мы должны даже больше ценить их труды, ведь они не поддались искушению.

Видите? Мы не говорим, что все в Вашей жизни – ложь, только предупреждаем, что это может оказаться обманом.

Десять самых страшных произведений искусства

The Guardian опубликовал хеллоуинскую подборку самых жутких произведений искусства — от Энди Уорхола до Босха

The Guardian составил десятку самых жутких произведений искусства. Веселого Хеллоуина!

1. Ганс Мемлинг «Ад». Около 1485

Черт и дракон, мужчина и женщина, птица и собака в одном существе; это жуткое создание танцует на грешниках, горящих в адском огне. Над головой демон держит лозунг, не оставляющий грешникам надежды: «Из Ада нет пути назад».

Из его живота на нас смотрит еще одно сюрреалистическое создание. Гигантская рыба пережевывает своими челюстями адский огонь.

Важно

Работу «Ад» Ганс Мемлинг написал для большого алтаря одной из голландских церквей; она должна была отвадить прихожан от дурных поступков.

2. Уильям Блейк «Призрак Блохи». Около 1819–1820

Блоха превращается в кошмарное человекоподобное создание, блуждающее по коридорам ночи с чашей для сбора людской крови.

Сгорбленная и покрытая чешуей блоха несет свой кинжал и чашу с какой-то ужасающей целенаправленностью; эта тварь крупней своего собрата из класса насекомых.

По свидетельству друга художника, Джона Варли, Уильяму Блейку пришло видение: блоха рассказала ему, что души слишком кровожадных людей переселяются в ей подобных.

3. Энди Уорхол «Электрический стул». 1964

Жуткой тишиной веет от «Электрического стула» Энди Уорхола. Ремни висят, как будто мертвого только что сняли с орудия казни.

Техника шелкографии сделала оригинальную фотографию еще более ужасающей своим легким размытием, ты даже не сразу понимаешь, что произошло в этой пустой комнате.

Энди Уорхол часто обращался к теме смерти, и среди его образов из серии «Смерть и автокатастрофы» работа с электрическим стулом одна из самых зловещих.

4. Караваджо «Медуза». 1596–1598

Медуза была одной из трех горгон, монструозных красавиц со змеями вместо волос, убивавших людей своим взглядом.

Совет

Персей убил Медузу, отразив ее смертоносный взгляд с помощью щита; позже отрубленная голова Горгоны была помещена на щит (эгиду) богини Афины.

Караваджо изобразил голову Медузы на круглом, как щит, холсте; его горгона словно бы еще жива, в ее глазах застыл ужас от того, что она увидела саму себя. По легенде, Караваджо придал образу Медузы свои черты.

5. Питер-Пауль Рубенс «Сатурн, пожирающий своего сына»

Согласно некоторым греческим мифам, Сатурн (Кронос) знал, что с трона его свергнет один из его сыновей, и поэтому он поедал их еще младенцами, чтобы защитить свою власть. У Рубенса этот сюжет показан иначе, чем у Гойи, который изобразил монстра, откусывающего голову взрослому человеку. У Рубенса Сатурн это беспощадный убийца, поедающий свое собственное дитя новорожденным.

6. Франсиско Гойя «Тонущая собака». Около 1819–1823

«Собака» («Тонущая собака») относится к «Мрачным картинам» Гойи, которые он писал прямо на стенах своего дома в округе Мадрида, где он жил уже абсолютно глухим.

Самая пустынная, безвременная из них изображает голову собаки, плывущей в непонятном ничто, бездне, олицетворяющей забвение.

Этот образ собаки, пытающейся удержать голову над водой, но, несмотря на это, скорее тонущей, чем плывущей, тем страшнее, когда осознаешь немоту этого существа.

7. Тициан «Наказание Марсия». Около 1570–1575

Бог Аполлон наказал сатира Марсия за то, что тот обыграл его в музыкальном состязании: с него живьем содрали кожу. Тициан добавил жуткой сцене гротеска: собака слизывает кровь, а другой музыкант подыгрывает на скрипке. Справа Тициан изобразил и себя, с грустью наблюдающего за пыткой.

8. Иероним Босх «Искушение святого Антония». Около 1495–1515

Это центральная часть одноименного триптиха, одного из наиболее известных произведений Иеронима Босха. В одной работе собраны важнейшие для художника сюжеты — грехи рода людского, адские муки, страсти Христовы и искушения святого. Картина населена бесчисленными мистическими тварями, одна страшней другой, и только святой Антоний остается безучастен к искушениям.

9. Генри Фузели «Ночной кошмар». 1781

Это один из самых жутких кошмаров в истории искусства. Спящая дева распростерлась на кровати, словно жертва перед закланием, ее голова запрокинута, будто перед ударом меча.

Обратите внимание

Мерзкий тролль примостился у нее на животе, его уши отбрасывают тень в форме чертовых рожек на полог кровати. Черный жеребец бешеными глазами смотрит на спящую.

Метафоры зверства, насилия и убийства «Ночного кошмара» Генри Фузели наверняка не давали спокойно спать девушкам, увидевшим эту картину.

10. Теодор Жерико «Отрубленные головы». 1818

В этом натюрморте из отрубленных голов прослеживается даже некая интимность, словно бы это двое лежат в кровати — она спит, а он храпит во сне. Разве что глаза у него распахнуты от ужаса перед видением смерти. Жерико наделяет эти головы каким-то жутким полуживым состоянием.

Материал подготовила Мария Онучина, AI

Источники: guardian.co.uk, artinvestment.ru

18 самых странных картин мировой живописи | МИКС Tengrinews.kz

Живопись, если не брать в расчет реалистов, всегда была, есть и будет странной. Но некоторые картины страннее других.

Какие-то произведения искусства словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Какие-то – затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики.

Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а некоторые – удивляют непомерной ценой.

AdMe.ru тщательно просмотрел все главные достижения в мировой живописи и выбрал из них два десятка самых странных картин. В подборку не вошли картины Сальвадора Дали, чьи работы полностью попадают под формат этого материала и первыми приходят на ум.

“Крик”

Эдвард Мунк. 1893, картон, масло, темпера, пастель
Национальная галерея, Осло

“Крик” считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире.

 Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы.

Мунк написал четыре версии “Крика”, и есть версия, что картина эта – плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.

“Я шел по тропинке с двумя друзьями – солнце садилось – неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор – я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом – мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу”, – говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.

“Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?”

Поль Гоген. 1897-1898, холст, масло
Музей изящных искусств, Бостон

По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево – три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии.

 Три женщины с ребенком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, “старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям”, у ее ног “странная белая птица… представляет бесполезность слов”.

Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством, потому что: “Я верю, что это полотно не только превосходит все мои предыдущие, и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее”. Он прожил еще 5 лет, так и получилось.

“Герника”

Пабло Пикассо. 1937, холст, масло
Музей королевы Софии, Мадрид

“Герника” представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. “Это сделали вы?” – “Нет, это сделали вы”.

Важно

Огромное полотно-фреска “Герника”, написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен.

Картина была написана буквально за месяц – первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.

“Портрет четы Арнольфини”

Ян ван Эйк. 1434, дерево, масло
Лондонская национальная галерея, Лондон

Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками – вплоть до подписи “Ян ван Эйк был здесь”, что превратило ее не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реально происходившее событие, на котором присутствовал художник.

Портрет, предположительно, Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения. В России последних лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.

“Демон сидящий”

Михаил Врубель. 1890, холст, масло
Третьяковская галерея, Москва

Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Печальный длинноволосый парень совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух.

 Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит с печальными, направленными вдаль огромными глазами, в окружении цветов.

Композиция подчеркивает стесненность фигуры демона, будто бы зажатого между верхней и нижней перекладинами рамы.

Сам художник говорил о самой известной своей картине: “Демон – дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый”.

“Апофеоз войны”

Совет

Василий Верещагин. 1871, холст, масло
Государственная Третьяковская галерея, Москва

Картина написана так глубоко и эмоционально, что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше не увидит.

Сам же Верещагин с печальным сарказмом называл полотно “натюрмортом” – на нем изображена “мертвая природа”. Всe детали картины, в том числе желтый колорит, символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчеркивает мертвенность картины.

Идею “Апофеоза войны” выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах.

Верещагин – один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому, что любил их. Наоборот, он пытался передать людям свое негативное отношение к войне.

 Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: “Больше батальных картин писать не буду – баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого”.

Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина “Апофеоз войны”, на которой изображено поле, вороны и гора человеческих черепов.

“Американская готика”

Грант Вуд. 1930, масло. 74×62 см
Чикагский институт искусств, Чикаго

Картина с мрачными отцом и дочерью переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей. Сердитые лица, вилы прямо посередине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, выставленный локоть, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, а значит и угрозу, которая адресована всем, кто посягнет.

Все эти детали можно разглядывать бесконечно и ежиться от неуюта. “Американская готика” – один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий.

Обратите внимание

 Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли “Готику” как “юмористическую валентинку”, а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете.

“Влюбленные”

Рене Магритт. 1928, холст, масло

Картина “Влюбленные” (“Любовники”) существует в двух вариантах. На одном мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом – “смотрят” на зрителя. Картина удивляет и завораживает.

 Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею о слепоте любви. О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные – загадка даже друг для друга.

Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них.

Едва ли не все картины Магритта – это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт все время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.

“Прогулка”

Марк Шагал. 1917, холст, масло
Государственная Третьяковская галерея

“Прогулка” – это автопортрет с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель.

В другой руке у Шагала синица – он счастлив, у него есть и синица в руках (вероятно, его живопись), и журавль в небе.

 Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью.

“Сад земных наслаждений”

Иероним Босх. 1500-1510, дерево, масло
Прадо, Испания

“Сад земных наслаждений” – самый известный триптих Иеронима Босха, получивший свое название по теме центральной части, посвящен греху сладострастия. Картина переполнена прозрачными фигурками, фантастическими сооружениями, чудовищами, обретшими плоть галлюцинациями, адскими карикатурами реальности, на которую он смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом.

Некоторые ученые хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму ее тщеты и образы земной любви, другие – торжество сладострастия.

Важно

Однако простодушие и некоторая отстраненность, с которыми трактованы отдельные фигурки, а также благосклонное отношение к этому произведению со стороны церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений. На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным.

“Три возраста женщины”

Густав Климт. 1905, холст, масло
Национальная галерея современного искусства, Рим

“Три возраста женщины” одновременно и радостна, и печальна. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние. Молодая женщина органично вплетена в орнамент жизни, старая – выделяется из нее.

Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несет с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя – неизменное постоянство и конфликт с реальностью.

 Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни.

“Семья”

Эгон Шиле. 1918, холст, масло
Галерея “Бельведер”, Вена

Шиле был учеником Климта, но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния.

 “Семья” – его последняя работа, в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то, что это – наименее странно выглядящая его картина. Он нарисовал ее перед самой смертью, после того, как от “испанки” умерла его беременная жена Эдит.

Он умер в 28 лет, спустя всего три дня после Эдит, успев нарисовать ее, себя и их так и не рожденного ребенка.

“Две Фриды”

Фрида Кало. 1939

История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма “Фрида” с Сальмой Хайек в главной роли.

Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: “Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего”.

Совет

 Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи ее картин зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с Фридой.

Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода. В одной из лучших картин – “Две Фриды” – она выразила мужское и женское начало, соединенные в ней единой кровеносной системой, демонстрирующие ее целостность.

“Мост Ватерлоо. Эффект тумана”

Клод Моне. 1899, холст, масло
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего, кроме полотна, на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большое расстояние.

 Сначала перед нами начинают проявляться непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем мы видим явные очертания лодок и, отойдя на расстояние приблизительно двух метров, перед нами резко прорисовываются и выстраиваются в логическую цепочку все связующие произведения.

“Номер 5, 1948”

Джексон Поллок. 1948, фибролит, масло

Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита – самая дорогая картина в мире. В 2006 году на аукционе Сотбис за нее заплатили 140 миллионов долларов.

Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал ее мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу. “Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких, как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то еще.

Когда я внутри живописи, я не осознаю, что делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живет своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но если я теряю контакт с картиной, получаются грязь и беспорядок.

Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь”.

“Мужчина и женщина перед кучей экскрементов”

Жоан Миро. 1935, медь, масло
Фонд Жоана Миро, Испания

Хорошее название. И кто бы мог подумать, что это картина говорит нам об ужасах гражданских войн. Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года.

Обратите внимание

По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании. Миро говорил, что это картина о периоде беспокойства. На картине изображены мужчина и женщина, тянущиеся друг к другу в объятия, но не движущиеся.

Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны как “полные отвращения и гадливой сексуальности”.

“Эрозия”

Яцек Йерка

Польский неосюрреалист известен по всему миру благодаря своим удивительным картинам, в которых объединяются реальности, создавая новые. Трудно рассматривать его предельно детальные и в какой-то степени умилительные работы по одной, но таков формат нашего материала, и нам пришлось выбрать одну – для иллюстрации его фантазии и мастерства. Рекомендуем ознакомиться подробней.

“Руки противятся ему”

Билл Стоунхэм. 1972

Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная – это факт. Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От “из-за этой картины умирают” до “дети на ней живые”.

Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов.

 Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь – представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла – проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности.

 Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда она была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина – “с привидениями”. “Руки противятся ему” купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину.