Забытые художники. анри лероль. мастер, рисующий звук – все о живописи

Художник Henri Biva (Анри Бива) | Картины

Художник Henri Biva (Анри Бива) родился в январе 1848 года на Монмартре, в Париже. Родился будущий французский живописец в районе, который населяли семьи художников и самого раннего детства Анри, как говорят, «рос в творческой атмосфере.

Не удивительно, что сам Henri Biva стал художником, и его младший брат Павел Бива стал художником, а потом и их дети пошли по стопам родителей. В общем, бытие – определяет не только сознание, но и будущую профессию.

Анри Бива окончил Школу изящных искусств, а в те времена Парижская школа славилась по всему миру и в её стенах собирались лучшие живописцы со всего света.

Обратите внимание

Как раз в то время, когда Анри учился в Парижской школе живописи, происходило формирование новых направлений в живописи, шёл активный поиск новых веяний, и молодой художник стал одним из тех живописцев, которые стояли у истоков «новой волны» — именно тогда импрессионизм трансформировался в постимпрессионизм.

В 1970 году Henri Biva дебютировал в парижском Салоне и этот дебют был успешным. Не громким, но вполне достаточным, чтобы обеспечить начинающего художниками заказами и средствами для существования.

Через девять лет, в 1879 году, Анри Бива представил две своих работы на выставке, которая проводилась в Елисейском дворце.

Эта выставка стала для художника по настоящему успешной – его заметила публика, в парижских газетах появились статьи о новом молодом таланте, известные французские критики устроили дискуссию о творчестве Бива. Выставка стала настоящим творческим трамплином для малоизвестного автора.

Henri Biva начинает регулярно участвовать в престижных выставках, всё чаще получает медали за свои работы, в 1890 году становится Кавалером ордена Почётного легиона – известность художника растёт от года в год, популярность ширится, но тут начинается Первая мировая война…

Специалисты в области живописи прочили скорый закат модному автору, но ошиблись – после войны спрос на работы Анри Бове только вырос. Люди устали от войны и всё больше вспоминали довоенную Францию, мирные, спокойные, не опалённые войной, пейзажи, улочки Парижа с тележками цветочниц, тихие парки и лесные тропинки, по которым можно бродить без страха за свою жизнь.

Художник продолжает работать, снова, с большим успехом, участвует в выставках, получает награды и призы. И так продолжается до смой смерти Henri Biva в феврале 1929 года.

Картины художника Henri Biva (Анри Бива)

РЕКОМЕНДУЮ: Художник Жан Оноре Фрагонар (1732 – 1806)

Музыка – дыхание души. Живопись художников (фортепиано)

Дж. Гудвин Килбер (1839-1924). Сольный концерт

Эдмунд Блэр Лейтон. Ухаживание, 1903

Ф.Шопен – Вальс до диез минор №7

Я стоял,
Благоговея,
Перед вашею игрой.

И всё то, что в жизни прежней
Испытать мне довелось,
В этой музыке нездешней
Странным образом сплелось.

Страсть,
Надежды,
Горечь,
Радость,
Жар любви
И лёд утрат,
Оттрезвонившая младость,
Наступающий закат.
Слёзы брызнувшие пряча,
Я стоял лицом к стене,
И забытый вальс
Собачий
Рвал на части
Душу мне.

Иртеньев Игорь

Фредерик Чайльд Гассам (1859-1935. За пианино

Чейз Уильям Мерритт (1849-1919). Чейз Мейгс за фортепиано, 1883
Джордж Гудвин Килберн (1839-1924). Дуэт

Маргарита Пирсон (1898 – 1978). Прелюдия

Я помню вальса звук прелестный—
Весенней ночью, в поздний час,
Его пел голос неизвестный,
И песня чудная лилась.
Да, то был вальс, прелестный, томный,
Да, то был дивный вальс.

Теперь зима, и те же ели,
Покрыты сумраком, стоят,
А под окном шумят метели,
И звуки вальса не звучат…
Где ж этот вальс, старинный, томный,
Где ж этот дивный вальс?!

Листов Николай

Эдмунд Лейтон (1852-1922). Урок фортепиано

Уильям Мерритт Чейз (1849-1916). Урок музыки

Чайльд Хассам (1859-1935). Импровизация, 1899
Пьер Огюст Ренуар (1841-1919). Ивонн и Кристин Lerolle за фортепиано, 1897

Сэр Джордж Хейтер (1792-1871). Урок музыки, 1830

Целует клавиши прелестная рука;
И в сером сумраке, немного розоватом,
Они блестят; напев на крыльях мотылька,
(О, песня милая, любимая когда-то!)
Плывет застенчиво, испуганно слегка,—
И всё полно её пьянящим ароматом.

И вот я чувствую, как будто колыбель
Баюкает мой дух, усталый и скорбящий.

Что хочешь от меня ты, песни нежный хмель?
И ты, её припев, неясный и манящий,
Ты, замирающий, как дальняя свирель,
В окне, растворенном на сад вечерний, спящий?

Верлен Поль

Фредерик Чайльд Гассам (1859-1935). Соната

Чарльз Хирон (1850-1914). Молодая женщина за фортепиано, 886

Сэр Фрэнк Дикси (1853-1928). Гармония, 1877

Джордж Шеридан Ноулз (1863-1931). Дуэт

James Francis Day (1863-1942). Урок фортепьяно

Дж. Гамильтон Баррабл. Песня без слов, 1880

Сияла ночь. Луной был полон сад. Лежали
Лучи у наших ног в гостиной без огней.
Рояль был весь раскрыт, и струны в нем дрожали,
Как и сердца у нас за песнею твоей.

Ты пела до зари, в слезах изнемогая,
Что ты одна – любовь, что нет любви иной,
И так хотелось жить, чтоб, звука не роняя,
Тебя любить, обнять и плакать над тобой.

И много лет прошло, томительных и скучных,
И вот в тиши ночной твой голос слышу вновь,
И веет, как тогда, во вздохах этих звучных,
Что ты одна – вся жизнь, что ты одна – любовь.

Что нет обид судьбы и сердца жгучей муки,
А жизни нет конца, и цели нет иной,
Как только веровать в рыдающие звуки,
Тебя любить, обнять и плакать над тобой!

Фет Афанасий

Джордж Гудвин Килберн (1839-1924). Урок фортепиано, 1871

Пьер Огюст Ренуар (1841-1919). Леди за пианино, 1875

Чарльз Гогин (1844-1931). Мечтания, 1900

Виллемс Флоран (1823-1905). Музыкальная интермедия

Джулиан Олден Вейр (1852-1919). За фортепиано

Юлиус Леблан Стюарт (1855-1919). Молодая женщина за фортепиано, 1878

Гюстав Леонард де Йонге (1829-1893). Женщина у пианино с попугаем, 1870

Умолкли музыки божественные звуки,
Пленив меня на миг своим небесным сном.

Вослед моей мечте я простираю руки,—
Пусть льется песня вновь серебряным дождем:
Как выжженная степь ждет ливня и прохлады,
Я страстно звуков жду, исполненных отрады!

О гений музыки! Растет тоски волна!
Пошли созвучий мне живое сочетанье:
Я свежий кубок твой не осушил до дна.

Я в сердце не убил безбрежное страданье!
Еще, еще молю! Как шумный водопад,
Пошли мне звонких струй блистательный каскад!

Фиалка нежная тоскливо ждет тумана,
Чтоб чашечку её наполнил он росой,
Так точно жажду я минутного обмана
Созвучий неземных с их дивною красой.
И вот они звенят… Я с ними вновь сливаюсь…
Я счастлив… Я дрожу… Я плачу… Задыхаюсь…

Перси Биши Шелли

Маргарита мудрец

• Активность: 90k
• Репутация: 9915
• Пол: Женщина

Маргарита мудрец

Секреты техники масляной живописи старых мастеров

Картины известных художников прошлого завораживают своими красками, игрой света и тени, уместностью каждого акцента, общим состоянием, колоритом. Но то, что мы видим сейчас в галереях, сохранившееся до наших дней, отличается от того, что лицезрели современники автора.

Масляная живопись имеет свойство меняться со временем, на это влияет подбор красок, техника исполнения, финишное покрытие работы и условия хранения. Это не учитывая мелких ошибок, которые мог допустить талантливый мастер, экспериментируя с новыми методами.

По этой причине впечатление от полотен и описание их вида с годами может отличаться.

Портрет работы Боровиковского

Техника старых мастеров

Техника масляной живописи дает огромное преимущество в работе: картину можно писать годами, постепенно моделируя форму и прописывая детали тонкими слоями краски (лессировкой).

Поэтому корпусное письмо, где сразу же пытаются придать законченность картине, не характерно для классической манеры работы с маслом.

Продуманная поэтапность нанесения красок позволяет добиться удивительных оттенков и эффектов, поскольку каждый предыдущий слой при лессировке просвечивается сквозь следующий.

Фламандский метод, который так любил применять Леонардо да Винчи, состоял из таких этапов:

• На светлом грунте делалась пропись рисунка в одном цвете, сепией – контур и основные тени.
• Затем делался тонкий подмалевок с лепкой объема.
• Завершающим этапом были несколько лессировочных слоев рефлексов и детализации.

Деталь картины Леонардо да Винчи

Но темно-коричневая пропись Леонардо со временем, несмотря на тонкий слой, стала сильно проступать сквозь красочное изображение, что привело к потемнению картины в тенях.

В основном слое он часто использовал жженую умбру, желтую охру, берлинскую лазурь, желтый кадмий и жженую сиену. Его окончательное нанесение красок было настолько тонким, что его невозможно было уловить.

Собственно разработанный метод сфумато (затушевывание) позволял это делать с легкостью. Ее секрет в сильно разбавленной краске и работе сухой кистью.

Рембрандт – Ночной дозор

В итальянском методе работали Рубенс, Веласкес и Тициан. Ему характерны такие этапы работы:

• Нанесения цветного грунта на полотно (с добавлением какого-либо пигмента);
• Перенесения контура рисунка на грунт мелом или углем и фиксации его подходящей краской.
• Подмалевок, местами плотный, особенно в освещенных местах изображения, а местами полностью отсутствующий – оставляли цвет грунта.
• Окончательная работа в 1 или 2 приема полулессировками, реже тонкими лессировками. У Рембрандта шар слоев картины мог достигать сантиметра в толщину, но это скорее исключение.

В этой технике особое значение отводилось применению перекрывающих дополнительных цветов, которые позволяли нейтрализовать местами насыщенный грунт.

Например, красный грунт можно было нивелировать серо-зеленым подмалевком. Работа в этой технике велась быстрее, чем во фламандском методе, что больше нравилось заказчикам.

Но неправильный подбор цвета грунта и красок завершающего слоя мог испортить картину.

Пропись картины Да Винчи (неоконченная)

Колорит картины

Чтобы достичь гармонии в живописном произведении используют всю силу рефлексов и взаимодополнения цветов. Есть также такие небольшие хитрости, как применение цветного грунта, как принято в итальянской методе, или покрытие картины лаком с пигментом.

Цветные грунты могут быть клеевыми, эмульсионными и масляными. Последние являют собой пастозный слой масляной краски необходимого цвета. Если белая основа дает эффект свечения, то темная придает глубину краскам.

Рубенс – Союз Земли и Воды

Рембрандт писал по темно-серому грунту, Брюллов – на основе с пигментом умбры, Иванов тонировал полотна желтой охрой, Рубенс использовал пигменты английской красной и умбры, Боровиковский предпочитал для портретов серый грунт, а Левицкий –серо-зеленый. Потемнение полотна ждало всех, кто в избытке использовал земляные краски (сиена, умбра, темная охра).

Буше – нежный колорит всветло-голубых и розовых оттенках

Для тех, кто делает копии картин великих художников в цифровом формате будет интересен этот ресурс, где представлены веб-палитры художников.

Покрытие лаком

Кроме земляных красок, темнеющих со временем, покрывные лаки на основе смол (канифоль, копал, янтарь) также изменяют светлость картины, придавая ей желтые оттенки. Чтобы искусственно придать старину полотну, в лак специально добавляют пигмент охры или любой другой схожий.

Но сильное потемнение скорее вызовет избыток масла в работе. Он может повлечь за собой еще и трещины.

Хотя такой эффект кракелюра чаще связан с работой по полусырой краске, что для масляной живописи недопустимо: пишут только по высохшему или еще сырому слою, в ином случае необходимо соскрести его и прописать заново.

Научиться различать направления живописи за пятнадцать минут? Легко!

Направлений в искусстве бесчисленное множество. Большинство из них рождают все новые и новые ветви, в которых сложно разобраться, но все же со временем некоторые стили оттачиваются, приобретают четкие границы, глубоко пускают корни и становятся классикой. Именно о них пойдет речь сегодня.

Директор федеральной площадки по продаже искусства Art-most.com Вячеслав Тишин заметил: «Среднестатистический покупатель искусства не является коллекционером или профессиональным экспертом в живописи, поэтому он может запутаться в многочисленных стилях и жанрах.

На нашем сайте для удобства покупателя мы постарались выделить самые объемные и распространенные направления: абстракционизм, авангардизм, импрессионизм, конструктивизм, концептуализм, модернизм, наивное искусство, поп-арт, реализм, символизм, сюрреализм и экспрессионизм.»

Важно

Как определить стиль произведения? Какие черты характерны для того или иного направления стиля? Кто из художников являются яркими представителями вышеупомянутых направлений? Попытаемся разобраться!

Авангардизм – направление со множеством «лиц», это целая ветвь, которая объединяет фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм, акционизм, поп-арт и концептуальное искусство. Основными чертами авангардизма можно назвать следующие:

• Течению свойственна некая двойственность, например, рационализм и иррациональность.
• Новые формы, приемы и средства, не используемые ранее в художественном мире.
• Отрицание или признание традиций, устоявшихся основ в живописи.
• Эксперименты с формами, цветами и оттенками.

Казимир Малевич, Михаил Ларионов, Наталья Гончарова – одни из самых известных художников-авангардистов. Ярким представителем авангардного направления на Art-most.com является Алексей Клинцов, Владимир Терехин, Никола Зверев.

Экспрессионизм – течение, возникшее в западноевропейском искусстве в начале 20 века, как отклик на 1-ю мировую войну и революционные движения. Экспрессионистам свойственны тяготение к мистике и пессимизм, а субъективность творческого акта и эмоциональный эффект превыше всего. Можно отметить, что для многих работ характерны мотивы мучений, боли, страданий, крика.

Работы таких известных мастеров как Эдвард Мунк, Винсент ван Гог и Джеймс Энсор, наиболее ясно представят данное направление. Art-most.com предлагает ознакомиться со следующими художниками-экспрессионистами: Marco Grassi, Александр Отрошко, Фрол Веселый.

Абстракционизм — направление искусства, менее всего напоминающее действительность в изображении форм.

Цель — достигнуть гармонию, создать определённые цветовые сочетания и геометрические формы, чтобы вызвать у наблюдателя разнообразные ассоциации.

Главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский, Пабло Пикассо.

На Art-most.com направление абстракционизма представляют Alexander Radtke, Николай Кулебакин, Рустам Салихов, и многие другие.

Импрессионизм — направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Картины импрессионистов не несут социальной критики, не затрагивают социальные проблемы, такие как голод, болезни, смерть, представляя лишь позитивные стороны жизни.

Импрессионисты избегают всяких подробностей в рисунке и пытаются уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Важную роль играют цвета и фактуры.

Основные особенности:

• еле видимые, тонкие мазки;
• изменение освещения;
• открытая композиция;
• простая общая цель.

Самые известные художники этого направления живописи: Пьер Ренуар, Эдгар Дега, Клод Моне, и др. На Art-most.

com можно приобрести работы в стиле импрессионизма таких художников, как Бато Дугаржапов, Дмитрий Мантров, Светлана Круглова, Юрий Новиков и др.

• Бато Дугаржапов «Весенний мотив»
• Дмитрий Мантров «У горного озера»
• Юрий Новиков «Натюрморт с бронзовыми часами»

Сюрреализм. Как-то Сальвадор Дали сказал: «Сюрреализм — это я!», и этим все сказано. Данное направление возникло во Франции в середине 20 века. Отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм. Сюрреализм – это коллаж реальных и подсознательных, фантастических образов.

Самые известные сюрреалисты: Сальвадор Дали, Рене Магритт. Лев Карнаухов, Андрей Караблин, Николай Дьяченко, Игорь Брагин и др., представляют ряд произведений в сюрреалистичном стиле на Art-most.com

• Игорь Брагин «Большой дом из одной груши»

Поп-арт — буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект. Поп-арт получил распространение в США в 1950-х гг. Художники этого направления воспроизводят типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин, и т.д.), популярные печатные изображения звезд, вырезки из газет.

Самые известные художники поп-арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол. Поп-арт на Art-most.com представлен следующими художниками: Игорь Север, Ирина Чернавина, Андрей Колосов, и др.

Концептуализм – интеллектуальное творчество, в большинстве ироничное – возникло изначально как противовес коммерческому искусству. Концептуализм – это торжество идеи над эмоциями, это картины, созданные для интеллектуального восприятия.

Самые известные художники этого направления: Джосеф Кошут (основной теоретик), Дуглас Хюблер, Роберт Барри. Представителями концептуального направления на Art-most.com являются Оксана Стогова, Игорь Север, Алексей Бандура, Ксения Крестова и др.

• Ксения Крестова «Восточный ветер»
• Оксана Стогова «Из серии «Деколоризация живописи» № 8»

Конструктивизм — направление, возникшее в СССР в 20-х гг. ХХ в. Сторонники конструктивизма стремятся показать простоту и подчеркнутый утилитаризм новых предметных форм. Данный стиль характеризуется строгостью, геометризмом, лаконичностью форм и монолитностью внешнего облика.

Конструктивизм – это простые, плоские, символические цвета, передача изображения без объема и перспективы.

Главными представителями конструктивизма были: Александр Родченко, Любовь Попова, Владимир Татлин, Казимир Малевич, и др. Ярким представителем конструктивного направления на Art-most.

com является Борис Клевогин.

Модернизм — общее название направлений искусства конца 19-20 века: кубизм, дадаизм, сюрреализм, модерн, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство, функционализм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм и т. п.

Иначе модернизм называют иногда «иным искусством». Его цель — создание уникальных картин, не похожих на другие. Главная черта работ — особенное видение мира автором.

Совет

Модернисты часто экспериментируют с формой, а также склонны к абстракции, нередко сопровождающейся эпатажем и определенным вызовом устоявшимся канонам.

Одними из самых ярких его представителей считаются Генри Матисс и Пабло Пикассо. Art-most.com предлагает ознакомиться со следующими художниками-модернистами: Ильдар Гильманов, Виктор Головий, Юля Боброва.

• Виктор Головий «Красное и чёрное»

Наивное искусство — творчество художников-самоучек, иногда — профессионалов, которые сознательно и целенаправленно «упрощают» свои картины, рисуют в «детском» стиле.

Наивное искусство имеет следующие признаки:

• фон одноцветный или с небольшим количеством оттенков;
• отсутствует перспектива;
• основной мотив занимает большую часть полотна, состоит из простых и четких линий;
• фигуры животных и людей плоские, не объёмные;
• размашистость и часто повторяющийся ритм придает изображению динамичный характер.

Такие известные мастера как Анри Руссо, Нико Пиросмани, Любовь Майкова, наиболее ясно представят данное направление. Art-most.com предлагает ознакомиться со следующими художниками, работающими в стиле наив: Mary Ogembo, Нико Керкеладзе, Альфрид Шаймарданов и др.

Реализм — направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности. Термин «реализм» дословно означает «действительный», «вещественный».

Самые известные реалисты: Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Поленов, Василий Суриков, Исаак Левитан. На Art-most.com направление реализма представляют Юрий Лежников, Василий Ларионов, Юрий Филиппов, Ильгиз Насибуллин и многие другие.

• Василий Ларионов «Волга у Бахиловой Поляны»
• Ильгиз Насибуллин «Натюрморт с яблоками»

Символизм — одно из крупнейших направлений в искусстве, возникшее во Франции в 1870-80-х гг.

Символисты отличаются экспериментаторским характером, стремлением к новаторству, использованием символики, недосказанности, намёков, таинственности и загадочности, космополитизмом и обширным диапазоном влияний.

Художники символисты: Обри Бердслей, Михаил Врубель. Анна Осипова, Виталий Скобеев, Александр Сулимов, Анна Тарасенко и др. представляют ряд произведений в стиле символизма на Art-most.com

• Александр Сулимов «Тайна»
• Анна Осипова «Весны дыханием окрыленные»
• Анна Тарасенко «Гималайские объятия»

Направлений в живописи, конечно, гораздо больше. Однако здесь собраны самые распространенные из них. Научившись различать основное, уже проще понять остальные ветви и новые направления, возникающие в искусстве.

Читать

Доминик Бона

Девушки с картины Ренуара

Dominique Bona

DEUX SOEURS: YVONNE ET CHRISTINE ROUART,

LES MUSES DE LTMPRESSIONNISME

© Editions Grasset et Fasquelle, 2012.

© Калинина В., иллюстрации, 2014

© Наумова И., перевод на русский язык, 2014

© Оформление. ООО «Издательство «Эксмо», 2014

Предисловие

Всему миру известны сестры Руар, но при этом никто с ними не знаком… Девушки за роялем, изображенные Ренуаром, такой же миф, как «Танцовщицы» Дега или «Подсолнухи» Ван Гога. Их лица – иконы импрессионизма.

Красавицы Ивонна и Кристина Руар, дочери художника и коллекционера Анри Лероля, выросли среди гениальных художников, музыкантов и писателей. Ренуар, Дега, а также Дебюсси, Эрнест Шоссон, а еще Клодель, Жид и Малларме были для них членами семьи, которым нравилось писать и фотографировать двух юных благовоспитанных девиц.

Именно Дега, любимому художнику их отца, пришла в голову мысль выдать их замуж за братьев Эжена и Луи Руаров – сыновей его друга, коллекционера Анри Руара. Выросшим в либеральной среде девушкам пришлось столкнуться с двумя пылкими, увлеченными и мрачными молодыми людьми, хотя и выходцами, так же как они сами, из семьи, преклонявшейся перед искусством.

У них было все для того, чтобы быть счастливыми… Их незаживающей раной станет любовь. Окольными путями брак доведет каждую из них до полной потери иллюзий. Вплоть до трагедии.

Глава 1

Необычайное приключение картины Ренуара

Эта картина известна всему миру. Одно из самых блестящих произведений в истории изобразительного искусства, которое так часто демонстрировалось в различных галереях, которое все видели и знают по бесчисленным репродукциям, стало как будто частью пейзажа, и кажется, что было ею всегда.

Так же, как «Олимпия» Мане, «Танцовщицы у балетного станка» Дега, «Подсолнухи» Ван Гога или «У колыбели» Берты Моризо – если вспомнить только шедевры той же эпохи. Оно принадлежит всем, невзирая ни на какие географические или культурные препоны. Оно – само по себе легенда: идеальный образ счастливой жизни.

В любом месте, от Токио до Манхэттена, не говоря уже о французской глуши – от Карреза до Креза[1], каждый хотя бы один раз получал поздравительную открытку или коробку конфет с изображением одухотворенных лиц двух девушек, двух сестер, одетых одна в белое, а другая – в красное.

Ренуар дал картине название «Кристина и Ивонна Лероль за роялем». Он мог бы назвать ее просто «Счастье».

Чтобы увидеть ее сегодня, посетители спешат в парижский музей Оранжери, где возле нее, выставленной среди других жемчужин коллекции Вальтер-Гийома, всегда толпится народ. Тем, что она находится здесь, в похожей на бункер просторной и прохладной подземной галерее, где бьют в глаза ее яркие краски, мы обязаны Андре Мальро, писателю и культурологу.

Меня заинтриговало именно то, что две сестры, портреты которых мы хорошо знаем, по сути остаются для нас незнакомыми. Кто они такие, эти сестры Лероль? Что они совершили? Были ли они счастливы или несчастны? Были ли у них дети? Любовники? Что с ними сталось после того, как художник изобразил их в юном возрасте на этой картине?

Пытаясь найти ответы на простые вопросы, я не думала, что они затянут меня в водоворот жизни двух сестер – удивительной жизни. Я встречалась с ними, незаметно для себя, в своих предыдущих книгах: они шли по следам Берты Моризо или Камиллы Клодель. Я и не подозревала, что страстно увлекусь их историей. Отец девушек, Анри Лероль, был художником и коллекционировал произведения искусства.

Обратите внимание

Их свекор, Анри Руар, занимался тем же. Их невестка Жюли Мане, дочь Берты Моризо и Эжена Мане, вышедшая замуж за брата их мужей, была лучшей подругой Ивонны и Кристины.

Круг их общения состоял из художников, поэтов, музыкантов: они выросли в артистической среде, где все до единого считались гениями. Это были близкие им люди, а замужества только расширили круг их друзей. В музее Оранжери или в научных трудах, посвященных Ренуару, можно найти только обрывки их увлекательных биографий.

Я же напросилась к ним в гости, чтобы разузнать об их семейной жизни. Только тогда, не покидая Парижа и среды исконных французов, мало приспособленной для бродяжничества, я смогла оценить широту открывшихся передо мной перспектив. Искусство было плотью и кровью Ивонны и Кристины. Оно было для них воздухом свободы. Их приключением.

Но оно, что не менее парадоксально, возможно, также способствовало их несчастью.

Сначала меня заинтересовала сама история картины: мне захотелось узнать, кем были сестры Лероль. Ренуар раскрывал имена своих моделей только в том случае, если это были солидные люди – Лероль, это имя, столь мало известное современной публике, стало моей первой зацепкой.

Очень скоро меня околдовал дух, в котором писалась картина: атмосфера, окружавшая двух сестер, как волшебный хоровод, была насыщена именами художников, работавших в последние годы XIX века.

Если картина Ренуара дышит счастьем – исступленным счастьем, – то сестер ожидала трагическая судьба. Никто не мог такого предвидеть.

Картина-обманщица, излучая знаменитый, слишком знаменитый свет импрессионистов, прячет в себе тени драмы. Меня притянула к полотну вовсе не исходящее от него, пусть и условное, спокойствие, а его тайна. Тем более что, благодаря заключенному в нем проклятию, оно оказалось втянутым в хитроумный заговор в связи с делом о наследстве, который привел к преступлению.

Как много написал Ренуар семейных сюжетов по заказам богатых буржуа: мадам Шарпантье с детьми в собственной гостиной на улице Гренель, дочери Казн д’Анвера в парке Монсо, или три дочери Поля Берара в их замке де Варжемон, что в Нормандии.

Важно

Все эти картины долгое время хранились у заказчиков, гордо красуясь над комодом Буль или креслом эпохи Людовика XV, в элегантных домашних интерьерах. Хозяева и их дети могли видеть себя в изображениях, как в зеркале, улучшающем их внешность.

В 1897 году, во время работы над портретом сестер Лероль, Ренуар переезжает в дом их отца и, по своей привычке, выбирает в качестве декорации сердце семейного особняка. Художник стремится правдиво передать атмосферу, царившую в доме, ее покой, ее гармонию.

Сам жанр требует от художника усилий: семьям нравится узнавать себя в созданных кистью художника образах, особенно если последний – мастер «приукрасить», как Ренуар. Портрет должен был жить среди шедевров, которые коллекционировал хозяин дома.

Картина нашла бы себе достойное место среди уже украшавших стены полотен Дега, Моризо, Гогена или Моне, Фантен-Латура и Пюви де Шаванна. Их владелец поддерживал тесные связи с импрессионистами. Однако картина не осталась в том доме.

Семейный портрет, избежав уготованной ему судьбы, вернулся в мастерскую художника, так и не пожелавшего с ним расстаться. Ренуар перевозил его с одной квартиры на другую и хранил до самой смерти. Портрет был одной их тех картин, которыми он дорожил. Одним из его сокровищ.

Портреты буржуа обычно приносили Ренуару солидные суммы, но на портрете сестер он отказался зарабатывать.

То ли Лероль по какой-то таинственной причине не пожелал его выкупить, то ли Ренуар слишком привязался к картине – все это лишь предположения. Возможно, Ренуару самому захотелось наслаждаться безмятежной картиной, созерцать безоблачное счастье.

Если только лики девушек, особенно одной из них, с лицом цвета розовых лепестков, не напоминали ему о незабываемых моментах его жизни.

Как бы то ни было, он оставил картину у себя.

Совет

Ее местом «прописки» поначалу стала мастерская художника. У Ренуара все было по-крестьянски: ломали хлеб, ели добрую похлебку, приготовленную мадам Ренуар, рядом суетились помогавшие по хозяйству и позирующие художнику крупные девицы с покрасневшими руками и пышными бюстами. И обедали за обычным столом, в кругу семьи.

Совсем не такой, как семья изображенных им девушек, по-буржуазному утонченных, в стыдливых корсажах. На фоне ренуаровских купальщиц, прачек или подвыпивших парочек в Мулен де ла Галетт, сестры выглядели не менее удивительно, чем дворецкий, который вдруг начал бы прислуживать за столом художника.

Почему Ренуар так и не пожелал расстаться с картиной, на которой запечатлен благословенный момент? Эмоциональная привязанность? Ностальгия по беспечной жизни? Или мудрость прирученного искусства – рояль, на котором играют цветущие девушки, оберегающий от нужды и бед? Их светлые лица, их нежные улыбки сопровождали его до конца дней.

До тех пор, пока свет не погас для него навсегда.

12 известных художников-самоучек, добившихся большого успеха

Интересно было бы узнать, как много среди моих читателей тех, кто хотел попробовать писать и всерьез заняться живописью, но остановился не из-за нехватки времени или нехватки фантазии, а из-за распространенного стереотипа о том, что достичь успеха в живописи можно лишь после долгих лет художественого образования?

Многие полагают, что художники-самоучки могут писать лишь в качестве хобби, но на успех, признание и богатство им рассчитывать не приходится.

Известные художники самоучки и их картины

Общаясь с многими людьми, я слышу это мнение в самых разных формах. Знаю даже многих художников, которые пишут, увлеченно и очень хорошо, но считают свои картины просто забавой лишь потому, что сами они не получили художественного образования.

Они почему-то полагают, что художник — это профессия, которая непременно должна быть подтверждена дипломом и оценками. И пока диплома нет, художником стать нельзя, хорошие картины писать нельзя, а даже если и написать работу «для себя», то уж о продаже её или выставлении на суд публики запрещено даже и думать.

Якобы, картины художников-самоучек сразу распознаются специалистами, как непрофессиональные, и вызовут только критику и насмешки.

Смело скажу — это все чепуха!  Не потому, что я одна так считаю. А потому, что история знает десятки успешных художников-самоучек, чьи картины заняли достойное место в истории живописи!

Более того, некоторые из этих художников успели прославиться при жизни, а их творчество повлияло на всю мировую живопись. Причем есть среди них как художники прошлых веков, так и современные художники-самоучки.

Для примера расскажу вам только про некоторых из таких автодидактов.

1. Поль Гоген / Eugène Henri Paul Gauguin

Пожалуй, один из величайших художников-самоучек. Путь его в мир живописи начался с того, что он, работая брокером и зарабатывая хорошие деньги, начал приобретать картины художников-современников.

Это хобби увлекло его, он научился хорошо разбираться в живописи и в какой-то момент начал пробовать писать сам. Искусство увлекло его настолько, что он стал всё меньше времени уделять работе и все больше писать.

Картина «Шьющая женщина» написана Гогеном ещё в бытность его биржевым брокером

В какой-то момент Гоген принимает решение полностью посвятить себя творчеству, бросает семью и уезжает во Францию общаться с единомышленниками и работать. Здесь он начал писать действительно значимые полотна, но здесь же начались и его финансовые проблемы.

Обратите внимание

Общение с художественной элитой и работа совместно с другими художниками стали его единственной школой.

Наконец, Гоген решает полностью порвать с цивилизацией и слиться с природой, чтобы творить в райских, как он считал, условиях. Для этого он уплывает на острова Тихого Океана, сначала на Таити, затем на Маркизские острова.

Здесь он разочаровывается в простоте и дикости «тропического рая», постепенно сходит с ума и… пишет свои лучшие картины.

Картины Поля Гогена

Увы, но признание к Гогену пришло уже после его смерти. Через три года после его кончины, в 1906 году, в Париже была организована выставка его картин, которые были раскуплены полностью и позже вошли в самые дорогие коллекции мира. Его работа «Когда свадьба?» входит в рейтинг самых дорогих картин мира.

2. Джек Веттриано / Jack Vettriano (он же Джек Хогган)

История этого мастера — в некотором смысле противоположность предыдущей. Если Гоген умер в нищете, писав свои картины под гнетом непризнанности, то Хогган ещё при жизни успел заработать миллионы и превратиться в мецената только за счет своих картин.

При этом начал писать он в 21 год, когда подруга подарила ему набор акварельных красок. Новое дело так увлекло его, что он начал пробовать копировать работы известных мастеров в музеях. А затем начал писать картины на собственные сюжеты.

В итоге на первой его выставке все картины были раскуплены, а позднее его работа «Поющий дворецкий» стала сенсацией в мире искусства: её купили за $1,3 млн. Картины Хоггана покупают голливудские звезды и российские олигархи, хотя большинство художественных критиков считают их полной безвкусицей.

Картина Джека Веттриано

Большие доходы позволяют Джеку выплачивать стипендии для малообеспеченных одаренных студентов и заниматься благотворительностью. И все это — без академического образования — в 16 лет молодой Хогган начал работать шахтером, после чего нигде официально не учился.

3. Анри Руссо / Henri Julien Félix Rousseau

Один из самых известных представителей примитивизма в живописи, Руссо родился в семье сантехника, по окончании школы служил в армии, затем работал на таможне.

В это время он и начал писать, причем именно отсутствие образования позволило ему сформировать собственную технику, в которой богатство красок, яркие сюжеты и насыщенность полотна сочетаются с простотой и примитивностью самого изображения.

Картины Анри Руссо

Ещё при жизни художника его картины высоко оценили Пикассо, Гийом Апполинер и Гертруда Штейн.

4. Морис Утрилло / Maurice Utrillo

Ещё один француский художник-автодидакт, без художественного образования сумевший стать знаменитостью мирового масштаба. Его мать была натурщицей в художественных мастерских, она же подсказала ему основные принципы живописи.

Позже все его уроки заключались в наблюдении за тем, как пишут великие художники на Монмартре. Долгое время его картины не признавались серьезными критиками и он перебивался лишь случайными продажами своих работ простой публике.

Картина Мориса Утрилло

Но уже к 30 годам его работы стали замечать, в возрасте сорока лет он становится знаменитым, а в 42 получает Орден Почетного Легиона за вклад в искусство во Франции. После этого ещё 26 лет он творил и нисколько не беспокоился об отсутствии диплома о художественном образовании.

5. Морис де Вламинк / Maurice de Vlaminck

Французский художник-самоучка, все официальное образование которого закончилось в музыкальной школе — родители хотели видеть его виолончелистом. В подростковом возрасте начал писать картины, в 17 лет занимался самообразованием вместе с другом Анри Ригалоном, а в 30 продал свои первые картины.

Картина Мориса де Вламинка

До этого времени он умудрялся кормить себя и свою жену уроками игры на виолончели и выступлениями с музыкальными коллективами в различных ресторанах. С приходом славы полностью отдался живописи, а его картины, в стиле фовизм, в будущем серьезно повлияли на творчество импрессионистов XX века.

6. Аймо Катаяйнен /Aimo Katajainen 

Финский современный художник, работы которого относят к жанру «наивного искусства». В картинах присутствует много синего цвета- ультрамарина, что в свою очередь очень успокаивает… Сюжеты картин спокойные и умиротворящие.

Картины Аймо Катаяйнен

 Прежде чем стать художником, изучал финансовое дело, работал в клинике для реабилитации алкоголиков, но все это время писал в качестве хобби, пока его картины не начали продаваться и приносить хороший доход, достаточный для жизни.

7. Иван Генералич / Ivan Generalić

Хорватский художник-примитивист, сделавший имя картинами с сельским бытом. Стал знаменитым случайно, когда его картины заметил один из студентов Загребской академии и предложил ему провести выставку.

Картина Ивана Генералича

После того, как его персональные выставки прошли в Софии, Париже, Баден-Бадене, Сан-Пауло и Брюсселе, он стал одним из самых известных хорватских представителей примитивизма.

8. Анна Мозес / Anna Mary Robertson Moses (она же Бабушка Мозес)

Известная американская художница, начавшая писать в 67 лет после смерти мужа, уже страдая артритом. Никакого художественного образования не имела, но её картину случайно заметил нью-йоркский коллекционер в окне дома.

Картина Анны Мозес

Он и предложил провести выставку её работ. Картины Бабушки Мозес быстро стали настолько популярными, что её выставки были проведены во многих европейских странах, а затем в Японии. В возрасте 89 лет Бабушка получила премию от президента США Гарри Трумена. Примечательно, что прожила художница 101 год!

9. Екатерина Медведева

Самый известный в России представитель современного наивного искусства, Екатерина Медведева не получила художественного образования, а писать начала, когда работала на полставки на почте. Сегодня она вошла в рейтинг 10000 лучших художников мира с 18 века.

Картина Екатерины Медведевой

10. Кирон Уильямс / Kieron Williamson

Английский вундеркинд-автодидакт, который начал писать в стиле импрессионизм в 5 лет, а в 8 впервые выставил свои картины на аукцион. В 13 лет он за полчаса продал на аукционе 33 свои картины за $235 тыс, а сегодня (ему уже 18) он — долларовый миллионер.

Картины Кирона Уильямса

Кирон пишет по 6 картин в неделю, а за его работами постоянно выстроена очередь. На образование у него просто не остаётся времени.

11. Пол Ледент / Pol Ledent

Бельгийский художник самоучка и творческая личность. Увлекся изобразительным искусством ближе к 40 годам. Судя по картинам, много экспериментирует. Изучал  живопись самостоятельно …и сразу применял знания на практике.

Хоть Пол и брал несколько уроков по живописи, большую часть своего увлечения изучал сам. Учавствовал в выставках, пишет картины на заказ.

Картины Пола Ледента

По моим наблюдениям, пишут интересно и свободно именно творчески думающие люди, у которых незабита голова академическими  художественными знаниями. И кстати, добиваются определенного успеха в арт нише не меньше художников-профессионалов . Просто такие люди не боятся смотреть на обычные вещи чуть-чуть шире.

12. Хорхе Масьел  / JORGE MACIEL

Бразильский автодидакт, современный талантливый художник- самоучка. У него получаются чудесные цветы и  красочные натюрморты.

Картины Хорхе Масьел

Этот список  художников самоучек можно продолжать очень долго. Можно сказать, что Ван Гог, один из влиятельнейших художников мира, не получил официального образования, учился эпизодически у разных мастеров и так и не научился писать человеческую фигуру (что, кстати, и сформировало его стиль).

Можно вспомнить Филиппа Малявина, Нико Пиросмани, Билла Трейлора и множество других имен: многие известные художники были самоучками, то есть, учились Самостоятельно!

Важно

Все они — подтверждение того факта, что для успеха в живописи специальное художественное образование иметь необязательно.

Да, с ним легче, но можно стать хорошим художником и без него. Ведь самообразование никто не отменял… Равно как и без таланта — об этом мы уже говорили в отдельной статье... Главное, иметь жгучее желание учиться самостоятельно и открывать все яркие грани живописи в практике.

Как видите, рисовать художники самоучки начали в разном возрасте, и часто, когда возраст переваливает за 40… и живут они во всех странах мира без огранечения!

Если вы все еще не рисуете, но проявляете к этому интерес, то загляните в раздел Мастер Классы, где сможете подобрать для себя подходящий видео урок.

Будьте решительнее и окунитесь в чудесный мир творчества и искусства!

Видео для размышления: Что произойдет с вами, если вы начнете рисовать красками: 8 вещей, которые изменят вашу жизнь

Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

Утонченный фантастический реализм в картинах Бориса Индрикова

Картины Бориса Индрикова отличаются причудливым сочетанием ар-нуво, сюрреализма фантастического реализма и книжной графики. Скрупулезное внимание к деталями и отточенный стиль никого не оставят равнодушным.

Борис Индриков собственной персоной

После того как я узнал про Владислава Ерко, я понял, что не только иностранные художники способны создавать самобытные фантастические картины.

Честно говоря до этого я думал, что у нас сильна только академическая школа. Ан нет, просто наши художники несколько менее известны, чем их забугорные коллеги.

Совет

Очевидно сие связано с особенностями отечественной конъюнктуры, кто его знает.

В общем полазав по сети я наткнулся на некоторых замечательных СНГшных мастеров кисти и карандаша.

Борис Индриков, картины, стиль художника

Борис Индриков — еще один прекрасный художник, который творит на просторах СНГ. Данные о его биографии крайне скудны, только пару абзацев на официальном сайте Бориса. Желающие почитать могут перейти по ссылке внизу поста, под картинками его работ.

А пока хочу представить вашему вниманию замечательные рисунки сего художника. Картины Бориса Индрикова отличаются причудливым сочетанием ар-нуво, сюрреализма и фантастического реализма.

Плавные линии и сложные узоры придают словно придают некую аристократическую утонченность его работам.

Эти рисунки просто созданы, чтобы оказаться на страницах какой-нибудь сказочной книги. Борис Индриков некоторое время действительно занимался книжной графикой, что, конечно оставило некий отпечаток на его работах.

Как бы то ни было, картины Индрикова прекрасны. Особенно понравились его забавные велосипеды. Странно, что его рисунки мало известны широким массам. По моему, такие картины достойны того, чтобы написать для них какую-нибудь сказку.

Я был бы первым, кто побежал в книжный магазин за подобным приобретением.

Борис Индриков как человек

Я, конечно, не знаком с Борисом Индриковым лично, но то, как он общается с подписчиками в своей группе — достойно уважения. Я ни разу не видел, чтобы Борис позволил себе какое-нибудь высокомерное или снисходительное поведение. Всегда искренне благодарит тех, кто восхищается его творчеством.

Кроме того, было весьма приятно, когда он поставил ссылку на своем сайте на мою статью.

Был рожден в 1967 году в Санкт-Петербурге, тогда еще Ленинграде. Имеет солидный опыт работы в книжной графике, что, в общем то, видно невооруженным глазом по его работам. Член Союза Художников. Провел множество персональных выставок в России и за рубежом.

Обратите внимание

Вот, собственно, и все, что известно о художнике по его куцей биографии на официальном сайте.

Мастера живописи. Историческая живопись Рыженко

Историческая живопись, востребованная тема, как художниками, так и ценителями искусства. Мастера живописи дают нам возможность окунуться в сферу прошлого. Это как машина времени.

Картины могут быть носителями важной исторической информации, наряду с произведением искусства. Какие то события прошлого могут напоминать или побуждать к действию современников.

Такие картины мастеров живописи как памятники, напоминают нам о прошлом. И это нельзя оценить, нельзя  назначить цену — это бесценно.

Художники, пропуская через себя, через свою философию и оценку событий, дают нам возможность заглянуть в прошлое.

Началась историческая живопись с картин эпохи Возрождения, и прошлась по Европе в первую очередь, а к России докатилась в восемнадцатом веке. У истоков этого жанра стоял Лосенко А. П. Он был автором пособий и таблиц. По ним обучались многие мастера живописи и скульптуры. Первая из картин этого жанра «Владимир и Рогнеда», вышла из под кисти Лосенко в 1770 году.

Мастера живописи — Павел Рыженко

Художники прошлого и настоящего частого обращаются к историческому прошлому. Собирают документы, слушают рассказы очевидцев, изучают картины предшественников, пытаются достоверно отобразить атмосферу быта старины.

Многие рисовальщики обращались к историческому жанру. Такие художники как: Репин, Суриков, Иванов, Брюллов…, изображали исторические события России.

Продолжатель этой темы, герой нашей заметки Павел Рыженко. Талантливо и в лучших традициях академизма, он заставляет зрителя погрузится в мир прошлого. Чем не машина времени.))

Важно

Родом художник из Калуги. Родился он в 1970 году, а с 1982 года занимался в Художественной Школе в Москве. Дальше развивал свой талант в Академии Художеств, и учился у Глазунова И. С. Учитель отмечает его талант и трудолюбие.

Закончил П. Рыженко Академию Ваяния и Зодчества в 1996 году. На диплом представил работу «Битва на Калке». Это полотно можно посмотреть в нашей галерее, как и некоторые другие.

Создание исторической живописи

(рекомендации)

1. Умение рисовать
2. Знание анатомии и пластики
3. Глубокое изучение темы для будущей картины

Ну, надеюсь, что с первым пунктом никто спорить не будет. Историческая живопись это или нет, но рисовать художнику нужно уметь. Здесь уместно вспомнить фразу одного всем известного героя: « — Киса, хочу спросить вас как художник художника. Вы рисовать умеете?..»